Art - Bijutsu

Japanese: 美術 - びじゅつ

The word "bijutsu" was coined in the early Meiji period by Nishi Amane, a well-known enlightenment thinker, as a direct translation of the English term "fine art." However, there seems to be no similar translation, and the word has gradually come to be used to refer to the field of creative art.

However, fine art did not originally mean only plastic art, but can broadly refer to all art, and as such the translation is not very clear in concept. The word "art" is an old word that appears in the Book of the Later Han in China, and refers to learning and arts, and the word "art" did not exist at that time. At the end of the Qing Dynasty, the "Bijutsu Sosho" was compiled, which was a compilation of art theories from various periods, and this is thought to be a repurposing of "bijutsu" (art), which had become common in Japan since the Western Zhou Dynasty. In any case, the word "bijutsu" (art), which was created by translating a foreign word, has strayed from its original meaning and has been widely used up to the present day. It is difficult to determine the essential conceptual content of what art is, and the concept tends to change depending on the time, place, or social phenomenon of the time.

[Shinichi Nagai]

Art and History

Historically speaking, the concept of art did not exist from the beginning. It was only in modern times that things created by humans using tools were grouped under the framework of art and came to be regarded as a field of cultural phenomenon. Just as the oldest works of art date back to the Paleolithic cave paintings and stone goddess statues, it can be said that art has existed alongside human history. However, whether it is Paleolithic paintings and sculptures or works from the historical era, the subject of art is always something that is perceived from a modern aesthetic perspective. Just because it is a formed object does not make it a work of art; it is something that appeals to the aesthetic sensibilities of modern people that can be called art.

It is said that art is an expression of the spirit of the times. This is why artworks are treated as historical materials, and since history is built by human activities, it goes without saying that art reflects human individual and collective actions in a broad sense. The method of examining such artistic activities by dividing them into architecture, painting, sculpture, crafts, etc. is the result of a convenient classification that was made after the academic field of art history was established in modern times, and originally they were not subdivided but were interrelated.

[Shinichi Nagai]

Art and author

Of course, artworks are created by artists, but in Japan, there are few works whose artists are clearly identified. For example, examples such as the Shaka Triad in the Golden Hall of Horyu-ji Temple in Nara, which is known to have been made by Toribusshi of the Asuka period, are extremely rare, and even though the names of Buddhist sculptors and painters are known in historical documents and ancient records, it is difficult to identify which work was made by whom. In Japan, even at the time of their creation, there was a custom of not disclosing the names of artists. In particular, in the case of Buddhist statues and paintings, there was a belief that sacred worship images were not made by humans, but by gods or Buddhas, and this was because, from a religious standpoint, the existence of an artist as a medium was unnecessary in order to more closely connect idols and believers. This also means that Buddhist statues and paintings were not considered to be aesthetic objects, but it is also true that today many of them are excellent works of art.

Many ancient Greek and Roman sculptures have well-known artists. This is evidence that people at the time accepted sculptures of divine figures not only as objects of faith, but also as objects of beauty. In India, China, and Japan, artists were always seen as hidden figures, and it can be said that individual creativity was ignored in the production of Buddhist statues and paintings. While the names of Buddhist sculptors, who were the heads of Buddhist temples, have been seen since ancient times, it was only after the connection between religion and painting had weakened that the names of painters began to appear. It was only with the appearance of Sesshu and others in the Muromachi period that art was freed from religion, and this tradition has continued ever since.

[Shinichi Nagai]

Eastern and Western Art

When comparing the nature and characteristics of Eastern and Western art, we can see that there are big differences. For example, in the West, there is a strong tendency to use rational thinking to capture the object as it appears in the eyes, and as such, emphasis is placed on descriptive technique. In contrast, in China and Japan, the primary focus is on expressing the spirit of the object through the subject, rather than on the technique of depiction. As a result, technical aspects are not emphasized, and painters strive to cultivate the character of the person, saying that the painting is the person. In terms of works, religious, mythological, and historical paintings in the West are dominated by portraits of royalty, nobles, heroes, and generals, but in the East, depictions of nature, known as "landscape painting," have been around since early times, and there is a traditional view that people are one of the objects that make up nature.

In Japan, a country blessed with the beauty of the changing seasons, living in harmony with nature is considered the human way of life, and people have a special affinity with nature. Many paintings feature natural flowers, birds, insects, and other natural subjects, and nature has also been actively used to decorate crafts. The attitude that nature is the source of art is still carried on by many artists today.

The course of world history is also the history of cultural exchange between the East and the West, and the most concrete example of this is the field of art. This shows that beauty is universal, transcending ethnicities and nations. However, on the other hand, nothing expresses the national character or characteristics of a nation as succinctly and clearly as art. It is said that the best way to accurately understand the national character of a country is to look at its art from ancient times to the present. Today, with the advancement of international exchange, the number of people visiting foreign countries has increased significantly. Countries around the world are putting effort into expanding and renovating national and public museums and art galleries to meet the demands of the public. In addition, valuable art objects are transported long distances at great expense, and many fairly large-scale art exhibitions are now held. All of these are concrete examples of how art plays an important role in deepening mutual understanding between countries and between people.

[Shinichi Nagai]

Art and Society

The popularization of art to the general public has brought about a great change in the position that art occupies in social life, and art has become an indispensable part of modern society. In this case, art can be said to consist of those who create art, those who appreciate art, and those who are in between and mediate between the two. In the case of paintings and sculptures, the completed work created by the artist is passed on to the buyer through the hands of an art dealer. In the past, only works by specific artists were bought and sold in this way, but now works by many artists are widely sold through art dealers. As a result, the days when specific artists were monopolized by specific art dealers are long gone, and many art dealers now handle works by many artists. Not only do they meet the needs of individuals, but art galleries and museums also usually purchase works through art dealers, and in Japan, which has achieved economic growth, the art purchasing market has expanded overseas. It is also true that this popularization of art has made it difficult to distinguish between professional and amateur artists. If we call artists whose sole source of income is the creation of artworks through art dealers art professionals, then such artists make up only a very small minority of people who call themselves painters.

The usual way for many artists to present their work to the public is to submit their works to public exhibitions organized by art associations, or to rent a gallery and hold a solo exhibition. It is not uncommon for the negative effects of art associations to be pointed out, but public exhibitions, which serve as a gateway for artists, can be said to play a certain role between artists and society at large, and many art associations are historically recognized for their contributions to the development of modern and contemporary art in Japan.

The standard of today's art world is largely due to the activities of art groups. The actual activities of art groups depend not on the number of members in the group, but on the quality of the works of individual artists. When art groups are first established, they generally advocate innovation in art, and the artists are full of determination, and the works they produce seem to live up to these aspirations. However, as the years go by, they tend to become less distinctive, and the history of modern and contemporary art can be said to be a repetition of this pattern. However, the fact that groups continue to exist despite this is because, as mentioned above, they function as a gateway for young people hoping to be recognized as artists. It can be said that the awareness of each individual member is crucial in making an art group a base for their own artistic creation and activities.

On the other hand, with the socialization of art and its widespread popularity among the general public, the technology for reproducing artworks has advanced significantly in recent years, to the point where some artworks are difficult to distinguish from the originals at first glance. This is the result of advances in color photography and color printing technology, but even though reproductions are widespread, they are not done unconditionally, and the rights of the creators are protected by copyright law.

In relation to this, the issue of authenticity has arisen throughout history and around the world when it comes to artworks (especially paintings). The aforementioned facsimiles are merely copies or reproductions, not counterfeits. A counterfeit is a work that is intentionally made to resemble the original. When it comes to determining whether a work is authentic or counterfeit, for example, if the expert's appraisal is divided into two camps and no conclusion can be reached, it is difficult to determine whether it is 100% genuine or a fake . Fakes are always present in masterpieces of art. This can be said to be the fate of masterpieces, and the existence of so-called counterfeiters who create works by certain artists has not changed from the past to the present. The Louvre Museum in Paris generally allows copies of exhibited works, but copies at the same size as the originals are prohibited, which can be said to be a preventive measure against them being used as counterfeits. Nowadays, science and technology are being applied to the authentication of art works, and this is a useful means of authentication, but it is not yet foolproof.

Such counterfeits are often featured in newspapers and become social issues. This is mainly the case when public institutions such as art museums purchase new artworks, and in some cases, counterfeiters have emerged and become the museum's blunder, but this is rare, and in most cases no conclusion is reached and the issue is often buried.

[Shinichi Nagai]

Fine arts and contemporary art

The idea that painting is something that creates a form using color on a flat surface, and sculpture is something that is three-dimensional, is now becoming a thing of the past. Of course, it is an undeniable fact that painting and sculpture exist according to existing concepts and are the mainstream of art, but since the original mission of art is to destroy fixed concepts of beauty and create something new, it is natural that avant-garde actions will appear in works of art in any era. Even if we limit ourselves to painting, action painting and Informel, which were popular in the 1950s, are now a thing of the past, and in the late 1970s, installation art, which can be called a spatial modeling outside the genres of painting and sculpture, and op art, an abstract art that uses optical illusions to expand the concept of art. Such phenomena have become a catalyst for the creation of new things one after another, and the future of art is difficult to predict. If art is defined as something that expresses emotions rooted in human life through shape and color, then such contemporary art phenomena should be affirmed. In this case, it is dangerous to make value judgments about whether these works will endure as artworks or whether they are only temporary. Art that can be understood based on the concept of old and new has a dual nature that should be separated into two categories: art that temporarily expresses the human spirit of the limited modern era and will disappear with the times, and art that touches the roots of the human spirit and continues to exist beyond the ages.

With the changing times and diversification of social structures, the scope of what art encompasses is becoming ever more widespread. Photography, film, television, video, and other media have already secured a place on the same level as painting and sculpture, and art itself shows a great vision for the future. The term "image" has long been used to refer to these genres. The same can be said about design. Design, which was called "design" and had a close relationship with painting, is now in the past, and has advanced into the fields of urban planning and science and technology, transcending the category of art and forming a unique world that combines science and art. Looking at this historically, art once played a part in culture as a symbol of the authority of royalty and aristocracy, or as a means of religious activity; it was cultivated by the privileged classes, so to speak, and the more distant it was from the general public, the more precious it was; but in modern society, this relationship has been reversed. In modern times, art has become a shared part of society, and the creation of beauty that is full of life has broken down existing patterns and become something familiar.

As mentioned above, among various genres of cultural phenomena, art has had the most substantial exchange, and this remains true even today. It is true that exchange in art has had a remarkable effect on the development of various ethnic groups and regions, but when we reflect on the global and international nature of art from a modern perspective, we come to realize that there is a strong desire to establish unique characteristics such as ethnicity and region, rather than mutual exchange. In other words, when it comes to Japanese art, it is precisely those works that utilize Japanese traditions in the modern era that have a reason to exist among art around the world, and it can be said that superficially Westernized works are outside the true essence of Japanese art.

Just as a work can only be called excellent if it is imbued with the artist's life, lifestyle, and humanity, there can be no art of a country or people if the traditions and history of that country or people are discarded. Contemporary art has taken root widely throughout society. If beauty is considered to be something that brings peace of mind and is a source of vitality in social life and the daily lives of individuals, then it can be said that art exists not only in museums, galleries, and studios, but in all areas of society. Art is a mirror that reflects the times.

[Shinichi Nagai]

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

美術ということばは明治初期、啓蒙(けいもう)思想家として知られる西周(にしあまね)が英語のfine artを直訳したものだが、これに類似した訳語はないようで、その後しだいに定着し、芸術のなかの造形の分野をさしている。

　しかし、fine artは元来、造形美術のみを意味するものでなく、芸術全般を広く含めていうことがあり、その訳語としては概念が明確でないといえる。この「芸術」という語は、中国では『後漢書(ごかんじょ)』にもみえる古い語で、学問・技芸のことであり、当時はまだ美術の語はない。清(しん)末になって、歴代の美術論を編集した『美術叢書(そうしょ)』がつくられているが、これは西周以降、日本で一般化されていた「美術」を転用したものと思われる。いずれにせよ、外国語を訳してつくられた「美術」という語は、その原語の本来の意味を離れ、現代に至るまで盛んに用いられている。美術とは何かという本質的な概念内容を定めることはむずかしく、時代や場所、あるいはそのときの社会現象によって概念が変革していく傾向がある。

［永井信一］

美術と歴史

歴史的にみると、初めから美術という概念があったわけではない。人間がなにか道具を用いてつくったものを美術という枠でくくり、文化的現象の一分野としてみなすに至ったのは近代になってからのことである。美術のもっとも古い作品が旧石器時代の洞窟(どうくつ)絵画や石製の女神像にまでさかのぼるように、美術は人間の歴史とともにあったといえる。しかし、旧石器時代の絵画・彫刻であれ、歴史時代に入ってからの作品であれ、つねに現代の美的視点でとらえたものが美術の対象となるのである。造形されたものであるから美術品だとはいえないわけで、現代人の美的感覚に訴えるものこそ美術といえる。

　美術は時代精神の表れ、といわれる。美術品が歴史資料として扱われるのはそのためで、歴史が人間の営みによって築かれたものである以上、美術が広い意味で人間の個人的・集団的行為を反映していることはいうまでもない。こういった美術活動を建築、絵画、彫刻、工芸などに分けて考察する方法は、近代になって美術史という学問が成立してから便宜的に分類された結果で、もともと細分化されたものでなく、相互に関連性をもったものであった。

［永井信一］

美術と作者

美術品は作者によってつくられたものであることはもちろんだが、日本の場合、作者の明らかなものは少ない。たとえば、飛鳥(あすか)時代の止利仏師(とりぶっし)の作とわかる奈良・法隆寺金堂の釈迦(しゃか)三尊像のような例はきわめてまれで、史書や古記録に仏師や画師(えし)の名は伝わっていても、どの作品がだれの作であるということを比定するのはむずかしい。わが国では、制作された当時においても、作者名を表に現さない風習があった。とくに仏像・仏画の場合、聖なる礼拝像は人がつくったものでなく、神や仏がつくったものという考えがあり、これは信仰的立場から偶像と信者との間をより密接に結び付けるために、媒介としての作者の存在を不要としたためである。このことはまた、仏像や仏画を美的対象とみなさなかったともいえるが、今日ではそれらの多くが美術品として優れていることも事実である。

　ギリシアやローマの古代彫刻作品には、作者の知られているものが少なくない。これは、神像の彫刻を、当時の人々が信仰の対象としてだけでなく、美の対象としても受け入れていた証拠である。インド、中国、日本では作者はあくまで陰の存在であり、仏像・仏画の制作には個人の創意が無視されていたといえる。仏所の主宰者としての仏師の名が古くからみられるのに対し、画師の名前が表面に出るようになるのは宗教と絵画との結び付きが弱くなってからで、室町時代の雪舟(せっしゅう)らの出現によって初めて美術は宗教から解き放たれ、その流れはこののち引き継がれていった。

［永井信一］

東洋の美術と西洋の美術

東洋と西洋の美術のあり方、特質を比較すると、そこには大きな違いがあることがわかる。絵画を例にあげると、西洋は、合理的な思考で対象を見たままの形に写し取ろうとする傾向が強く、そのため描写技術に重点が置かれた。これに対して中国や日本では、描写の技巧より、対象物を通してそのものの精神を表現することを第一義にしている。そのため技術的な面は重視されず、絵は人なりと称して、画家は人格の陶冶(とうや)に努めた。作品からみても、西洋では宗教画、神話画、歴史画などで王侯貴族、英雄勇将などの肖像作品が主流を占めているが、東洋では「山水画」と称して自然を描出することが早くから行われ、人物もその自然を構成する対象の一つという見方が伝統的に存在する。

　とくに四季の変化の美に恵まれた日本では、自然と一体になって生きることが人間らしい生き方とされ、自然に対して格別の親近感を抱いている。絵画に自然の草花や鳥・虫などを扱ったものが多く、工芸品の装飾にも自然を題材にしたものが積極的に用いられた。自然が美術の源であるという態度は、いまなお多くの美術家によって受け継がれている。

　世界史の流れは、東西両洋の文化の交渉の歴史でもあるが、そのなかでいちばん具体的な実例は美術の分野といえよう。このことは、美が民族・国家を超えて普遍であることを物語っている。しかしその一方、美術ほどその国民性なり民族の特質を、簡潔にまた明確に表すものはないのである。ある国の国民性を的確に理解するには、その国の古今にわたる美術を見るのがいちばんだといわれる。今日、各国の交流が進み、外国を訪れる人の数はきわめて多くなってきた。世界各国は国・公立の博物館・美術館の増改築に力を入れて、一般の要望にこたえている。また、巨額の費用をかけて、貴重な美術品を遠くまで輸送し、かなり大規模な美術展が数多く開催されるようになっている。いずれも、美術が国と国、人と人との相互理解を深めるのに、いかに重要な役割を果たしているかの具体的な例といえよう。

［永井信一］

美術と社会

美術の一般への普及によって、社会生活のなかで美術の占める位置には大きな変革がもたらされ、近代社会のなかにあってもはや美術は欠かすことのできない存在となっている。そしてこの場合の美術は、美術を制作する側と、美術を享受する側、およびその中間にあって両者を媒介するものとによって成り立っているといえる。絵画や彫刻などの場合、作者の創作によって完成した作品は、画商の手を通して買い手に渡る。かつては特定の作家の作品のみがこの方法で売買されていたが、いまでは多くの画家の作品が画商を介して広く売られるようになった。そのため、特定の画家が特定の画商の独占であったのは昔のこととなり、多くの画商が数多くの画家の作品を扱うようになっている。個人の需要に応ずるだけでなく、美術館や博物館が作品を購入する場合も、画商を通すことが通常となっており、経済成長を遂げた日本にあっては、美術品購入の市場は海外にまで及んでいる。こうした美術の大衆化によって、美術家の玄人(くろうと)と素人(しろうと)の区別が判然としなくなっていることも事実である。画商を介して作品の制作を唯一の収入源としている作家を、いちおう美術のプロというならば、このような作家は、画家と称する人々のなかでもごく一部にしかすぎない。

　多くの作家が作品を世に問う手段としては、美術団体の公募展に出品するか、画廊を借りて個展を催す方法によるのが普通である。美術団体の弊害を指摘されることが珍しくないが、作家の登竜門としての公募展は、作家と社会一般の間でそれなりの役割を果たしているといえるし、美術団体のなかには、日本の近・現代美術の進展に貢献した歴史的な評価をもっているものも少なくないのである。

　そして、今日の美術界の水準は、この美術団体の活動によるところが大きい。美術団体の実質的な活動は、団体所属の会員数の大小によるものでなく、作家個々の作品の水準に帰するものである。美術団体は、おおむね結成時においては美術の革新を唱え、作家も決意に満ち、作品的にもその抱負にこたえるものがみられるが、回を重ねるにしたがって特色のないものに堕す傾向があり、近代・現代の美術の歴史はその繰り返しともいえる。しかし、それでもなお団体の存続することは、前述のように、作家として認められることを望む若年層の登竜門としての機能を有しているからである。美術団体を自己の芸術創造と活動の拠点とするためには、会員個人の自覚がかかっているといえる。

　一方、美術の社会化、あるいは一般への普及によって、美術作品の複製技術は近年非常に進歩し、作品によっては一見オリジナルと区別しにくいものまでつくられるようになった。これはカラー写真、カラー印刷技術の進歩による成果だが、複製が盛行しているといっても無条件に行われているわけではなく、作者の権利は著作権法によって保護されている。

　これに関連して、美術品（とくに絵画）においては、古今東西にわたり真贋(しんがん)という問題がおこっている。前述の複製品は、あくまでコピーないしリプロダクションであって、贋作ではない。贋作とは故意にある作品を原作に似せてつくったものである。この真贋の判定ということになると、たとえば専門家の鑑識が真贋の二つに分かれていずれとも決着がつかない場合があったとすれば、それが100％ほんものであるとも、またにせものであるとも、鑑定を下すことはむずかしい。美術の名品に贋作はつきものである。それは名品のもつ宿命といってよく、また、ある特定の作家の作品をつくるいわゆる偽作(ぎさく)家の存在は昔も今も変わらない。パリのルーブル美術館では展示作品の模写を一般に許可しているが、原作品と同じ大きさの模写は禁じており、これは贋作として利用されることの予防措置といえよう。現在では美術品の真贋鑑別には科学技術が応用されており、鑑別の一手段として十分に役だっているが、これが万全というところまでは至っていない。

　こうした贋作が新聞記事に取り上げられたりして、社会問題となることがしばしばある。これは、おもに美術館・博物館などの公的機関が新しく美術品を購入する場合に多く、なかには贋作者が出現して美術館側の失態となったケースもあるが、このようなことは珍しく、たいていの場合は黒白いずれとも結論が出ず、問題が葬り去られることが多い。

［永井信一］

美術と現代

平面に色を用いて形態を制作したものが絵画で、立体化されたものが彫刻であるといった概念は、いまや過去のものとなりつつある。もちろん、既成の概念に沿って絵画・彫刻が存在し、美術の主流をなしていることは紛れもない事実であるが、固定した美の概念を破壊し新しいものを創造するところに美術本来の使命があるため、いつの時代にあっても前衛的な行動が作品となって現れることは当然である。絵画に限ってみても、1950年代に流行したアクション・ペインティングやアンフォルメルはいまや過去のものとなり、70年代後半にはインスタレーションとよぶ絵画・彫刻のジャンル以外の空間造形ともいうべきものや、人間の目の錯覚を利用した錯視（オプティカル・イリュージョン）の抽象芸術オプ・アートなどが、美術の概念を押し広げることとなった。こうした現象は次々と新しいものを生み出す起爆剤となり、美術の将来は予測しがたいものがある。人間の生活に根ざした情念を形や色によって表現したものをかりに美術と定義すれば、このような現代の美術の現象は肯定してしかるべきものである。そしてこの場合、これらが美術作品として永続性に耐えるか、それとも一過性のものであるか、そこに価値判断を持ち込むことは危険である。新旧の概念でとらえうる美術は、現代という限られた時代の人間精神を一時的に表現して時代とともに消えてゆくものと、時代を超えて人間精神の根源に触れて存続していくものとに分別されるべき両面性を備えているといってよい。

　時代の変化、社会機構の多様化に伴い、美術の包含する範囲はますます広まりつつあるということができる。写真、映画、テレビ、ビデオなどはすでに絵画・彫刻と同列の地位を確保し、美術そのものが未来への大きな展望を示しているし、以上のジャンルを「映像」ということばでよぶようになってすでに久しい。同様なことはデザインについてもいえよう。デザインが「図案」とよばれ絵画と近接した関係をもっていたのは過去のことで、いまや都市計画や科学技術の分野にまで進出し、美術の範疇(はんちゅう)を超えて、科学と美術を総合した独自の世界を形成している。これを歴史的にみると、かつては王侯貴族の権威の象徴、あるいは宗教活動の手段の一つとして文化の一翼を担っていた美術、いわば特権階級によってはぐくまれ、一般庶民と距離を置けば置くほど貴いものとみなされてきた美術が、現代社会にあってはこの関係が逆転したということができる。現代においては美術は社会の共有となり、血の通った美の創造は、既成のパターンを切り崩し、身近なものとしてとらえられるようになっている。

　文化現象の各種のジャンルのなかで美術がもっとも実質的な交流を果たしたことを上述したが、このことは現代においても変わらない。美術の交流が各民族、各地域の発展に著しい効果をもたらしたことも事実であるが、美術の世界性、国際性を現代の視点にたって反省してみると、相互交流より、民族性、地域性といった独自の性格を確立することが強く望まれるようになってきている。すなわち、日本美術にあっては、日本の伝統を現代に生かしたものこそが、世界の美術のなかにあって存在意義を有するのであって、皮相な欧米化した作品は日本美術の本質から外れたものといえよう。

　作者の人生・生活・人間性が込められて初めて優れた作品といえるように、その国、その民族の伝統や歴史を切り捨てては、その国の美術、その民族の美術はありえない。現代の美術は広く社会のなかに根を下ろしている。社会生活、個人の日常にあって心の安らぎを与え、また活力の源泉になるものを美とみなせば、美術は美術館や画廊やアトリエばかりでなく、社会のあらゆる分野に存在しているといえる。美術は時代を映す鏡である。

［永井信一］

出典　小学館　日本大百科全書(ニッポニカ)日本大百科全書(ニッポニカ)について　情報 | 凡例

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