Scale - Onkai (English) scale English

Japanese: 音階 - おんかい（英語表記）scale 英語

A scale is a hierarchy of musical pitches. This term was originally used after the Meiji period as a translation of Western words, and the concept of "scale" did not exist in Japan from ancient times. Furthermore, it is difficult to use this term in a broad sense to include non-Western music, but it is generally defined as an arrangement of the various tones used in a piece of music, with the main ones being arranged in order of pitch. In this sense, a scale can be said to indicate the order of the interval relationships in that music, and has a certain range due to the periodicity of the interval relationships (for example, in the case of modern Western music, it is one octave, starting and ending with the fundamental tone).

[Miho Minamitani and Akiko Kawaguchi]

Types of scales

There are many different musical scales in the world that vary depending on ethnic groups and eras, and they can be classified from many perspectives, but here we will focus on the commonly used classification methods, focusing on Western scales.

(1) Diatonic scale and chromatic scale The diatonic scale divides an octave into five whole tones and two semitones, and includes the major and minor scales. A scale consisting only of whole tones is called a diatonic scale. The chromatic scale is derived from the diatonic scale, and the gaps between whole tones in the diatonic scale are filled with semitones.

(2) Major scale and minor scale Both are included in the diatonic scale, but the major scale has a major third in the third degree of the scale, while the minor scale has a minor third in the third degree of the scale. There are three types of minor scales: natural, harmonic, and melodic.

(3) Heptatonic and pentatonic scales A scale consisting of seven tones, such as the diatonic scale, is called a heptatonic scale, while a scale consisting of 12 tones, such as the chromatic scale, is called a twelve-tone scale. The pentatonic scale is widely seen throughout the world, especially in the East, but can be broadly divided into two types: those that include chromatic tones and those that do not.

(4) Material scales and practical scales Material scales are scales that contain all the notes that can be used, and should be called a sequence. Practical scales are those that select the main notes from the material scales. For example, the twelve-tone scale is a material scale, and the major scale consisting of seven of these notes is a practical scale.

[Miho Minamitani and Akiko Kawaguchi]

Scales and modes

Scales and modes are often confused, but they are generally used differently as follows. A scale is a basic sequence of notes arranged in order of pitch, while a mode is a characteristic form of interval relationship that is actually often used in a certain type of music. For example, a major scale is an arrangement of the interval relationships of a major key according to pitch, and can be called a major mode.

[Miho Minamitani and Akiko Kawaguchi]

Scales and temperaments

Temperament is a physical and mathematical definition of the pitch ratio (the ratio of the vibration frequencies of sounds) and is the basis of musical scales. Therefore, even if the scales look the same on the sheet music, the relationship of the pitches within the scale changes depending on the temperament used. For example, in the West, the same piece of music sounds different when played in just intonation and when played in equal temperament.

[Miho Minamitani and Akiko Kawaguchi]

Western scales

The ancient Greek musical scale was based on the tetrachord (a frame in which both ends form a perfect fourth), and seven different octaves, called harmonies, were created by stacking two of these together.

In the Middle Ages, a system called the Church modes gradually developed. Four modes were first established during the reign of Ambrose, Bishop of Milan (374-397), called the authentic modes, and four more were added during the reign of Pope Gregory I (590-604), called the plagal modes, bringing the total to eight. The Church modes are defined by the positions of the finals, whole tones and semitones, sustains, and ranges, and their names resemble those of the Greek scale, but the two are fundamentally different in that the Greek scale always has a central A as its central note (mesa).

Later, with the development of polyphony, harmonic sensibility became stronger, and new modes were created, such as the use of altered tones and the movement of modal finals, which Glareanus recognized as the Ionian and Aeolian modes in 1547. These are the same form as today's major and natural minor scales, and the church modes were gradually integrated into these two modes.

After the 17th century, major and minor scales became the norm, and scales were created on all 12 keys based on the theory of twelve-tone equal temperament. In the 19th century, the desire to move away from tonality led to the development of the diatonic scale and twelve-tone music. Also, interest in ethnic scales such as the gypsy scale has been growing since the end of the 19th century.

[Miho Minamitani and Akiko Kawaguchi]

Oriental Scales

We will start by talking about West Asia, which serves as a bridge between the East and the West. Because West Asia had close ties with Greece in ancient times, theories on tetrachords and intervals developed early on. A major feature of this region is the existence of micro-intervals, which are precisely defined from 1/4 to 1/9 tones. This divides an octave into 17, 24, or 54 tones. In Turkey, finer intervals, in which one tone is divided into 9 equal parts, are used, but in Iran, Egypt, and other places, a twenty-four-tone system based on quarter tones is used.

India, along with Western Asia and China, which will be discussed later, developed its own scale theory at an early stage. The Indian scale consists of seven notes, Sa-ri-ga-ma-pa-da-ni, but the Natyashastra, from around the 4th century, describes two basic scales, Sa-ghram and Ma-ghram, which are combinations of Shruti (tiny intervals). Based on this, Raga (theory of scales and modes), which is one of the core theories of Indian music today, was developed. There are many types of Raga (Raag in North India), but today they are organized into 72 types in South India and 10 types in North India.

In China, five-tone and seven-tone scales, called five-tone and seven-tone scales using the three-part loss and gain method, have existed since ancient times. Five-tone and seven-tone are scale names, and the ryu, which is the standard for pitch, was thought to be seven-tone, twelve-tone, sixty-tone, etc. depending on the era. In practice, the five-tone scale is often used, with the Gongcho (Lu scale) being used in gagaku and the Zhengcho (Ritsu scale) being used in zhonggaku. Chinese scales and their theories have influenced Korea, Japan, Vietnam, and other countries since ancient times.

In Southeast Asia, the ideas of the pentatonic scale and the heptatonic scale are mixed, and in this region where percussion ensembles are popular, tuning is not as strictly defined as in the West, so there are unique scales that cannot be expressed with Do-Re-Mi.... For example, the Thai pentatonic scale, which divides an octave into seven parts and uses five of those parts, and the scales of Slendro (a pentatonic scale with an octave divided into roughly five parts) and Pero (a heptatonic scale consisting of two intervals, large and small), heard in Indonesian gamelan music, are well known.

[Miho Minamitani and Akiko Kawaguchi]

Japanese scale

In Japan, each genre has used its own unique sound structure, so it is difficult to discuss them in a uniform manner.

In the history of Japanese music, theories of scales have flourished since ancient times in gagaku and shomyo. These were based on Chinese theory, and the differences with the actual situation in Japan caused confusion. In gagaku theory, there were two types of scales used: ryusen and ritsusen, but today only ritsusen is actually used. Similarly, most shomyo songs are based on ritsusen.

Meanwhile, after the Meiji period, modern theories of scales began to be developed that comprehensively organize all Japanese scales, including folk songs and early modern Japanese music. Among these, the theory of Koizumi Fumio (1927-83) is the one that is most commonly used today. Japanese scales are basically pentatonic, and traditionally they were classified into two types, yang scales and yin scales, depending on whether they contain semitones or not. In response to this, Koizumi proposed a core tone structure of a fourth frame (which he called tetrachords after borrowing from Greek music theory) as a more basic unit, and argued that scales are formed by stacking two of these tetrachords. Tetrachords are classified into four types depending on the position of the middle note, and the four basic scales are made up of two of the same kind stacked together: the folk song scale, the Miyakobushi scale, the Ritsu scale, and the Ryukyu scale. These four types are characteristic scales of early modern Japanese music such as folk songs, children's songs, and koto music, as well as gagaku and Okinawan music. In addition, there are many examples of joining two different types of tetrachords, and these various scales or sequences appear in actual music.

[Miho Minamitani and Akiko Kawaguchi]

"Scales of the Peoples" by Ellis, translated by Monma Naomi (1951, Ongaku No Tomosha) "Studies on Traditional Japanese Music" by Koizumi Fumio (1958, Ongaku No Tomosha)

Western scales
©Shogakukan ">

Western scales

Oriental Scales
©Shogakukan ">

Oriental Scales

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

音の高さの階梯(かいてい)。この語は本来、欧米諸語の訳語として明治以後用いられるようになったもので、日本に古くから「音階」という概念が存在したわけではない。さらに非欧米音楽も含めて広義にこの語を用いるには困難も伴うが、一般に、ある音楽内で用いられる諸音を整理して、そのうちの主要なものを音高順に配列したものと規定される。この意味で音階はその音楽における音程関係の秩序を示すものということができ、その音程関係の周期性によってある一定の音域（たとえば西洋近代の場合は基音に始まり基音に終わる1オクターブ）をもつ。

［南谷美保・川口明子］

音階の種類

世界には民族や時代によって異なるさまざまな音階が存在しており、多くの観点から分類されうるが、ここでは西洋の音階を中心に、常用されている分類法について述べる。

(1)全音階と半音階　1オクターブを五つの全音と二つの半音に分割したものが全音階で、長音階と短音階がこれにあたる。全音だけからなる音階は全音音階という。半音階は全音階から派生したもので、全音階中の全音間も半音で埋めたもの。

(2)長音階と短音階　ともに全音階に含まれるが、長音階は音階の第3度に長3度をもち、短音階は第3度に短3度をもつもので、短音階には3種（自然的・和声的・旋律的）ある。

(3)七音音階と五音音階　全音階のように7音よりなるものは七音音階（ヘプタトニック）、半音階のように12音からなるものは十二音音階という。五音音階（ペンタトニック）は東洋を中心に広く世界中にみられるが、半音を含むものと、含まないものとの2種に大別できる。

(4)素材音階と実用音階　素材音階とは使用されうるすべての音を並べた音階で、これはむしろ音列というべきである。実用音階は、素材音階のなかから主要な音を選択したもの。たとえば十二半音階が素材音階で、このうちの7音よりなる長音階が実用音階である。

［南谷美保・川口明子］

音階と旋法

音階と旋法（モードmode）とは混同されやすいが、一般に次のように使い分けられる。音階が構成音を音高順に並べた基本音列であるのに対し、旋法はある音楽に実際によく使われる特徴的な音程関係の様態を示すものである。たとえば、長音階は長調の音程関係を音高に従って配列したものであり、長旋法とよぶことができる。

［南谷美保・川口明子］

音階と音律

音律とは音程比（音の振動数の比）を物理的、数学的に規定するものであり、音階の基礎となるものである。したがって、譜面上は同じにみえる音階でも、用いられる音律によって音階内の音高関係は変化する。たとえば西洋の場合をみると、同じ曲を純正律で奏するのと平均律で奏するのでは響きが異なる。

［南谷美保・川口明子］

西洋の音階

古代ギリシアの音階は、テトラコード（両端が完全4度をなす枠組み）を基礎としており、これを二つ重ねることによってつくられるハルモニアといわれるオクターブは7種あった。

　中世になって教会旋法とよばれる体系が徐々に発展した。ミラノ司教アンブロシウス（在位374～397）の時代にまず4種の旋法が定められ（正格旋法）、教皇グレゴリウス1世（在位590～604）の時代にさらに4種が加えられ（変格旋法）、8種類となった。教会旋法は終止音、全音と半音の位置、保続音、音域によって規定され、各名称はギリシアの音階に似ているが、ギリシアの音階がつねに中央イ音を中心音（メーサ）としていた点で、両者は根本的に異なる。

　その後、多声音楽の発展に伴い、和声的感覚が強まって、変化音の使用や旋法上の終止音の移動などがおこった結果生じた新しい旋法を、1547年にグラレアーヌスがイオニア旋法とエオリア旋法として認めた。これらは今日の長音階および自然的短音階と同形であり、教会旋法はしだいにこれら2種の旋法へと統合されていった。

　17世紀以後は長、短両音階が中心となり、十二平均律の理論のもとに12の調すべてのうえに音階がつくられるようになった。19世紀に入ると調性からの離脱を求めて、全音音階や十二音音楽などが生じた。また、ジプシー音階などの民族的音階への関心も19世紀末ごろから高まっている。

［南谷美保・川口明子］

東洋の音階

東洋と西洋の掛け橋としてまず西アジアから述べていく。西アジアは、古代にはギリシアと密接な関係にあったため、テトラコードや音程に関する理論が早くから発達した。この地域の大きな特徴は微分音程の存在で、これらは1/4音から1/9音まで細かく規定されている。これによって1オクターブは17、24、54の音に分割される。トルコでは1音を9等分した細かい音程が用いられるが、イラン、エジプトなどでは4分音を基礎とした二十四律が用いられている。

　インドも、西アジアや後述する中国と並んで早くから独自の音階理論を発達させてきた。インドの音階は、サ・リ・ガ・マ・パ・ダ・ニの7音からなるが、古くは4世紀ごろの『ナーティヤ・シャーストラ』に、シュルティ（微小音程）の組合せによる2種の基本音階サ・グラーマとマ・グラーマが示されている。これをもとに、今日のインドの音楽理論の中心の一つであるラーガ（音階・旋法の理論）が発達してきた。ラーガ（北インドではラーグ）には多くの種類があるが、今日では南インドでは72種、北インドでは10種に整理されている。

　中国では、古代から三分損益法による五声、七声という、五音および七音音階がある。五声、七声は階名で、音高の基準である律は時代によって七律、十二律、六十律などが考えられた。実際には五音音階が多く用いられ、雅楽では宮調（呂(りょ)音階）、俗楽では徴調（律音階）が多く用いられている。中国の音階およびその理論は、古くから朝鮮、日本、ベトナムなどに影響を及ぼしてきた。

　東南アジアでは、五音音階と七音音階の考え方が混じっており、また打楽器アンサンブルの盛んなこの地域では、西洋のようには音律をあまり厳密に規定しないため、ドレミ……では表せないような独自の音階が存在している。たとえば、1オクターブを7等分し、そのうちの5音を用いるタイの五音音階や、インドネシアのガムラン音楽で聞かれるスレンドロ（オクターブをほぼ5等分した五音音階）やペロ（大小2種の音程からなる七音音階）の両音階などがよく知られている。

［南谷美保・川口明子］

日本の音階

日本では各ジャンルでそれぞれ独自の音組織が使われてきたため、それらを一律に論じることはむずかしい。

　日本音楽史のなかで古来より音階論が盛んであったのは雅楽や声明(しょうみょう)である。これらは中国の理論に基づいたものであり、日本の実情との差異のためかえって混乱をきたしていた。雅楽の理論で用いられる音階は呂旋と律旋の2種であったが、現在では実際に使われるのは律旋のみとなっている。声明でも同様にほとんどの曲が律旋によっている。

　一方、明治以後、民謡や近世邦楽も含めてあらゆる日本の音階を総括的に整理しようとする近代的な音階論が展開されるようになった。そのなかで今日もっともよく用いられるのは小泉文夫（1927―83）の理論である。日本の音階は基本的には五音音階で、従来は半音の有無で陽音階と陰音階の2種に分類されていた。それに対し小泉は、より基本的な単位として4度枠の核音構造（これをギリシアの音楽理論から援用してテトラコードとよんだ）を打ち出し、このテトラコードを2種重ねることによって音階が形成されていると説いた。テトラコードは中間音の位置によって4種に分類されるが、同種のものを二つ重ねた音階が四つの基本音階、つまり、民謡音階、都節(みやこぶし)音階、律音階、琉球(りゅうきゅう)音階である。これら4種はそれぞれ、民謡や童唄(わらべうた)、箏曲(そうきょく)などの近世邦楽、雅楽、沖縄の音楽に特徴的な音階である。このほかに、異なる2種のテトラコードを接合する例も多く、実際の音楽のなかにはこれらさまざまな音階または音列が現れている。

［南谷美保・川口明子］

『エリス著、門馬直美訳『諸民族の音階』（1951・音楽之友社）』▽『小泉文夫著『日本伝統音楽の研究』（1958・音楽之友社）』

西洋の音階

東洋の音階

出典　小学館　日本大百科全書(ニッポニカ)日本大百科全書(ニッポニカ)について　情報 | 凡例

<<: Onga River

>>: Onga [town] - Onga