Movie music

Music is one element of the overall art of film. There is no set format for music, and as the content of films becomes more diverse, all kinds of music are included. Today, music composed specifically for films or selected from existing songs is arranged and performed, recorded on the film's soundtrack along with dialogue and sound effects, and played back along with the film's projection. The audio on these soundtracks is required to be an auditory element that is integrated with the images to create a comprehensive effect.

Attempts to add music to films have been around for a long time, and the first film to be projected on a screen, the Cinematograph, released in Paris in 1895 by the Lumiere Brothers, had piano accompaniment. In the silent era, films were accompanied by piano, organ, instrumental ensembles, and orchestras in the West, and in Japan, existing music was performed by Japanese instruments, and later by Western instrument ensembles, in parallel with the narrator's explanation of the scenes. The first music originally composed for a film was the French film The Assassination of the Duke of Guise (1908) by Saint-Saëns, and for major American films, specific accompaniment scores were prepared at the request of the producer or director, and distributed to movie theaters along with the film, but the number of such scores was small. Later, sound versions were developed in which 48-centimeter discs with music recorded on them were synchronized with the projector.

Film music developed rapidly after film talkies, which had their own sound, were completed in 1929. Theatrical music, which mainly consisted of orchestral performances that presented the personalities of the characters, and songs such as film theme songs, became the components of film music, and the methods of expression became more diverse. In the early days of talkies, pure music composers and stage composers were commissioned to compose music, but gradually professional film composers who combined popular appeal with professional skill began to make inroads. Examples of such composers are Max Steiner, Dimitri Tiomkin, Victor Young, and Alfred Newman from the United States. In the former Soviet Union, contemporary composers such as Prokofiev and Shostakovich continued to work on film music until their later years.

After World War II, there was a movement to actively incorporate music other than orchestral music, and it became more diverse, such as Anton Karas's "The Third Man" on zither (1949), Narciso Yepes's "Forbidden Games" on guitar (1952), and Miles Davis' jazz "Elevator to the Gallows" (1957). Also, from the late 1950s, movie music became popular in Japan, with film theme songs being broadcast on the radio and enjoyed on records.

The 1960s saw a change in film music. The familiar, easy-listening tunes of French composers Michel Legrand's The Umbrellas of Cherbourg (1964) and Francis Lai's A Man and a Woman (1966) influenced music around the world. In the United States, The Graduate (1967) used a pop song by Simon & Garfunkel to great success, influencing the music industry to change the conditions for incorporating existing songs into films. Easy Rider (1969), which was successful with many songs by multiple groups, paved the way for rock to make its way into the soundtrack. The tendency to combine multiple hits and existing songs with film music became common, as in Top Gun (1986). John Williams of Star Wars (1977) and James Horner of Titanic (1997) maintained the same style of theater music, while Disney's animated feature films Beauty and the Beast (1991) and Aladdin (1992) continued to use the same original theater music and song style that they had used since Snow White (1937).

[Koichi Hino]

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

総合芸術である映画の一要素をなす音楽。音楽としての定まった形式はなく、映画の内容の多様化に従い、あらゆる種類の音楽が包括される。今日では映画のために作曲、あるいは既成曲から選曲された音楽が編曲、演奏され、台詞(せりふ)や効果音とともに映画フィルムのサウンドトラックに録音され、映写とともに再生され、これらサウンドトラック上の音声は聴覚的要素として、映像と一体となった総合的な効果を要求される。

　映画に音楽をつけようとする試みは古く、1895年にリュミエール兄弟がパリで公開した最初のスクリーンに映写する方式の映画「シネマトグラフ」ではピアノの伴奏がつけられた。サイレント時代の映画には、欧米ではピアノ、オルガン、器楽アンサンブル、オーケストラなどにより、日本では弁士の場面説明と並行して和楽器、のちに洋楽器アンサンブルによる、既成曲演奏が行われていた。映画のためにオリジナルに作曲された音楽はサン・サーンスによるフランス映画『ギーズ公の暗殺』（1908）が最初とされ、アメリカ映画の大作では、製作者や監督などの指示により特定の伴奏楽譜を用意して、フィルムとともに映画館に配給するようになったが、その数は少ない。のちに音楽を吹き込んだ48センチ・ディスクを映写機とシンクロナイズするサウンド版へ移行した。

　映画が自前の音をもつフィルム式トーキーが完成（1929）してから映画音楽は急速に発展した。主としてオーケストラ演奏による登場人物などの性格を提示する劇音楽、および映画主題歌などの歌曲が映画音楽の構成要素となり、表現方法も多種多様になる。トーキー初期には純音楽作曲家や舞台音楽作曲家に依頼していたが、しだいに大衆性と職業的熟練を兼ね備えた専門の映画音楽家が進出してくるようになった。アメリカのマックス・スタイナー、ディミトリ・ティオムキン、ビクター・ヤング、アルフレッド・ニューマンなどがその例である。また旧ソ連ではプロコフィエフやショスタコビチなどの現代作曲家が映画音楽を晩年まで手がけ続けた。

　第二次世界大戦後になって、オーケストラ音楽以外の音楽を積極的に取り入れようとする動きがあり、アントン・カラスのチターによる『第三の男』（1949）、ナルシソ・イエペスのギターによる『禁じられた遊び』（1952）、マイルス・デービスのジャズによる『死刑台のエレベーター』（1957）などのように多様化した。また1950年代後半より日本では映画音楽のテーマ曲、主題歌をラジオ放送、レコードで楽しむ映画音楽が流行した。

　1960年代に映画音楽の流れが変わった。フランスのミシェル・ルグランの『シェルブールの雨傘』（1964）、フランシス・レイの『男と女』（1966）などイージー・リスニング系のなじみやすい曲想は、世界の音楽に影響を及ぼした。アメリカでは、『卒業』（1967）がサイモン＆ガーファンクルによるポップ曲を利用して成功し、音楽業界を動かして既成楽曲を映画にとり入れる条件を変更させた。複数グループによる多数曲で成功した『イージー・ライダー』（1969）はロックにサウンドトラックへの道を開いた。複数のヒット曲、既成曲を劇音楽と融合させる傾向は『トップガン』（1986）のように一般化した。『スター・ウォーズ』（1977）のジョン・ウィリアムズ、『タイタニック』（1997）のジェームズ・ホーナーなどは劇音楽を守り、ディズニーの長編アニメ『美女と野獣』（1991）、『アラジン』（1992）は『白雪姫』（1937）以来の独自のオリジナル劇音楽、歌曲スタイルを貫いている。

［日野康一］

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