Documentary film - dokyumentari-eiga (English spelling) documentary film

Japanese: ドキュメンタリー映画 - どきゅめんたりーえいが（英語表記）documentary film

A film that uses real events and people as its subject matter, and attempts to depict fact rather than fiction. It is sometimes considered the same as what is called "documentary film" in Japan, and sometimes considered a subgenre within it. In the latter case, it refers to documentary films that have a stronger message, authorial quality, and artistic quality than newsreels or science films. Here, we will describe it from the perspective of the latter.

[Ken Okumura July 20, 2018]

Foreign documentary films

The late 19th century, when film was first emerging, was also the embryonic period of documentary film. On December 28, 1895, the French Lumiere brothers released their cinematograph films to the public for the first time at the Grand Café in Paris. These were live-action films such as Exit from the Factory, which captured everyday scenes from the everyday life of the filmmakers. The Lumiere company eventually began sending cinematographers overseas to capture historical events and unusual customs in remote locations. As the 20th century began, full-length documentary exploration and scientific films began to appear in Britain and America, and the content of documentaries began to diversify.

The 1920s saw a major turning point for documentary film, and in 1922, American Robert Flaherty released Nanook of the North, considered to be the first documentary film in history. This film captured the lives of the Inuit on film over a long period of time in freezing cold, and was highly praised as a groundbreaking documentary rich in drama. Flaherty released Alan in 1934, which also became one of his masterpieces. There was another documentary filmmaker who made a major contribution in the 1920s. Dziga Vertov (1896-1954) was a Russian filmmaker during the revolutionary period. He pioneered the avant-garde aspects of documentary film with a series of highly experimental works, such as Man with a Camera (1929).

In Britain, a new movement was started by John Grieson (1898-1972), who aimed to reform society through film. In 1928, he became head of the film unit of the Imperial Board of Trade (EMB), and produced many enlightening information films such as The Drifter (1929) and Industrial Britain (1933). This marked the beginning of the British documentary movement. In 1933, the movement's base moved to the General Post Office (GPO), and produced highly artistic masterpieces such as Song of Ceylon (Basil Wright (1907-1987), 1934), Night Post (Wright/Harry Watt (1906-1987), 1936), and The Fire Came (Humphrey Jennings (1907-1950), 1943). It also had a great influence on foreign documentary films in terms of theory. At the time, educational films to educate citizens were also produced in the United States, and "New Deal films" were made in cooperation with the New Deal government. Representative works include The Plow on the Plains (1936) and The River (1937) by Pare Lorentz (1905-1992), which skillfully used images and sound.

Other countries also produced brilliant works, such as Alberto Cavalcanti's (1897-1982) Nothing Outside Time (1926) in France and Jean Bigot's On Nice (1929), Walter Ruttman's (1887-1941) Berlin - Symphony of a Great City (1927) in Germany, and Joris Ivens' Rain (1929) in the Netherlands. Ivens went on to achieve international fame with his political documentaries, such as Spanish Earth (1937) and The Four Hundred Million (1939), which were released around the world.

When World War II began, documentary films were given importance as a propaganda medium and were produced in large numbers. In the United States, the "Why We Fight" series (1943-1945) supervised by Frank Capra was produced, in Britain Tonight's Target (Watt, 1941), in the Soviet Union The Defeat of the German Army Near Moscow (Ilya Kopalin (1900-1976)/Leonid Varlamov (1907-1962), 1942), in Germany Victory's History (Svent Noldan (1893-1978) et al., 1941). However, the best-known German propaganda films are Leni Riefenstahl's Triumph of the Will (1935) and the Olympia two-part series (1938).

After the end of World War II, in the 1950s and 1960s, films with new styles different from the conventional ones began to be made in various countries. In the UK, free cinema, which realistically depicted the daily lives of workers, arose, and Karel Reisz (1926-2002) and Tony Richardson (1928-1991) produced films such as Mamma Mia (1955). In France, Alain Resnais released Man's Eye and Fog (1955), and after that, cinéma vérité, which used new techniques such as street interviews, flourished, and Jean Rouch (1917-2004) and Edgar Morin's Chronicles of a Summer (1961) and Chris Marker's (1921-2012) Beautiful May (1962) attracted attention. Like cinéma verité, which disliked deliberate direction, direct cinema has also been on the rise in the United States. Direct cinema, which seeks to capture the subject directly, includes works such as The Primary (1960) by Richard Leacock (1921-2011) and Donn Alan Pennebaker (1925-2019), Titicut Follies (1966) by Frederick Wiseman (1930- ), and The Salesman (1969) by the Maysles brothers (1926-2015) and David Maysles (1932-1987). Ivens also continued to be active in films such as Far from Vietnam (1967, co-director).

After the war, with the spread of television, the demand for documentaries decreased, but from the beginning of cinema to the present day, documentaries have continued to be produced in great numbers around the world, with many of them taking a sharp look at political and social issues. Since the 1980s, there have been many other films such as Shoah (1985) by Claude Lanzmann (1925-2018), Tiananmen (1995) by Richard Gordon (1921-2017) and Carma Hinton (1949- ), Bowling for Columbine (2002) and Fahrenheit 9/11 (2004) by Michael Moore (1954- ), Darwin's Nightmare (2004) by Hubert Sauper (1966- ), The Food of Life (2005) by Nikolaus Geyrhalter (1972- ), and The Great Gatsby (2006). Ambitious works such as An Inconvenient Truth (2006) by Robert Leclerc (1971-1980) have been released, raising social issues. On the other hand, art films such as Guernica (Alain Resnais, 1950), animal films such as The Silent World (Jacques-Yves Cousteau, 1956) and Emperor of the Penguins (Luc Jacquet (1967-), 2005), music films such as Woodstock: Three Days of Love, Peace and Music (Michael Wadleigh (1939-), 1970), biographical films such as Devotion Ogawa Production (Barbara Hammer (1939-2019), 2000), and films depicting the daily lives of individuals such as Vanda's Room (Pedro Costa (1959-), 2000) have also been produced, making for a diverse range of content.

[Ken Okumura]

Japanese documentary films

At the end of the 19th century, Asano Shiro (1877-1955) of the Konishi Photography Shop and others became the first Japanese people to make films, and in 1899 (Meiji 32), live-action films made in Japan capturing geisha dancing and other scenes began to be shown. This marked the beginning of Japanese documentary films. In 1903 (Meiji 36), one of the oldest surviving films, Momijigari (Momijigari, photographed by Shibata Tsunekichi (1867-1929)), which features a live kabuki performance, was released. During the Boxer Incident and the Russo-Japanese War, films documenting the war situation were extremely popular. Other representative documentary films that reflect the era include "The Japanese Antarctic Expedition" (1912, cinematography by Taizumi Yasunao (1888-1960)) and "The Great Kanto Earthquake and Fire" (1923, cinematography by Shirai Shigeru (1899-1984)).

In the 1930s, Japan entered the Fifteen Year War, ushering in an era of government-sponsored films, and documentaries came to be seen as important propaganda weapons in Japan, along with the other great powers. The first feature-length films to be made were Lifeline of the Sea (1933) and Northward Advance of Japan (1934), both edited by Aoch Chuzo (1885-1970), which strongly reflected the times and atmosphere of the time. In the 1940s, there was an increase in national policy documentary films, such as Oriental Triumph: Record of the Capture of Bataan and Corregidor (Sawamura Tsutomu (1915-1977), 1942), Malayan War Record: Record of the Advance (Iida Shinbi (1900-1984), 1942), and Sky Divine Soldiers: Record of Army Parachute Regiment Training (Watanabe Yoshimi (1911-1945), 1942). On the other hand, from the 1930s to the 1940s, highly artistic and creative works were also produced. Representative works include Kamei Fumio's (1908-1987) Shanghai: Records from the Rear of the Sina Incident (1938), Fighting Soldiers (1939), and Kobayashi Issa: A Topographical Record of Shinano (1941), Ishimoto Tokichi's (1907-1977) Snow Country (1939), Shimomura Kenji's (1903-1967) Tidal Flats on a Certain Day (1940), and Mizuki Soya's (1910- ) Records of a Certain Nursery School (1942), which marked a qualitative shift in documentary films of the time. These works were called "cultural films" and enjoyed their heyday thanks to state patronage.

After the war, documentary films immediately began to make a new breakthrough. With the growing demand for educational films, from the 1950s to the early 1960s, new educational filmmakers such as Iwanami Productions, Tokyo Cinema, and Sakura Film Company appeared one after another, and the production of documentary films became more active. Representative works include Records of a Mother (1955) by Kyogoku Takahide (1912-1989), The Microscopic World: In Pursuit of the Tuberculosis Bacterium (1958) by Ōnuma Tetsurō (1928-2013), Marine Snow (1960) by Noda Shinkichi (1916-1993) and others, and Karakorum (1956) by Ise Chonosuke (1912-1973). Iwanami Productions also produced many leading filmmakers of the next generation. These include Hani Susumu (Children in the Classroom: The Road to Teaching) (1954), Tsuchimoto Noriaki (An Engine Assistant) (1963), Ogawa Shinsuke (Sea of Youth: Four Correspondence Course Students) (1966), Kuroki Kazuo (Record of a Marathon Runner) (1964), and Azuma Yoichi (Okinawa Archipelago) (1969). Around this time, lively discussions were held on the subjectivity of documentary filmmakers and issues of politics and art. Works such as Teshigahara Hiroshi's Jose Torres (1959) and Matsumoto Toshio's (1932-2017) Nishijin (1961) were symbolic of this new trend.

Through these debates that questioned the very foundations of filmmaking, Japanese documentary films underwent major changes from the late 1960s to the 1970s. In the midst of this trend, Ogawa Shinsuke began covering the Narita protests against the construction of the New Tokyo International Airport over a long period of time, from 1967 (Showa 42), and made seven films, including Japan Liberation Front: Summer at Sanrizuka (1968) and Sanrizuka: Heta Buraku (1973). Tsuchimoto Noriaki also began making films documenting the reality of Minamata disease in 1971, releasing films such as Minamata: The Victims and Their World (1971) and Shiranui Sea (1975). The two filmmakers shared a common approach. One was a thorough on-site approach. Ogawa filmed while living with the farmers, while Tsuchimoto filmed through close ties with the local people. The other was a clear support for the subjects of his filming. The camera tries to grasp the situation from the perspective of the farmers and patients who are resisting state power. This feature-length documentary, using a completely different methodology from the conventional, received international acclaim. Ogawa also captured on film the lives and folklore of farmers in films such as Nipponkoku: Furuyashikimura (1982), while Tsuchimoto captured on film the trends of the times in films such as Sea Thieves: Shimokita Peninsula, Hamasekine (1984). During this period, feature film directors also produced notable documentaries, such as Ichikawa Kon's Tokyo Olympiad (1965), Oshima Nagisa's Diary of a Young Man (1965), and Shindo Kaneto's The Life of a Film Director: The Record of Kenji Mizoguchi (1975).

The director who attracted the most attention in the 1980s was Hara Kazuo (1945-). He also actively involved himself in the situations unfolding before his eyes, but the basic structure of his films is the dramatic tension between the camera and the subject (individual), with films such as Extremely Private Eros: Love Song 1974 (1974) and The Divine Army Goes Forward (1987) being prime examples. Since the 1990s, in the field of documentaries, there has been a growing tendency to move away from political and social issues to personal and everyday perspectives, or away from communities to individuals. Other works from the 1980s onwards include Kobayashi Masaki's Tokyo Trials (1983), Sato Makoto's (1957-2007) Living on the Agano River (1992), Mori Tatsuya's (1956- ) A (1998), Ikeya Kaoru's (1958- ) Daughter of Yan'an (2002), Haramura Masaki's (1957- ) The Woman Dive Liang-san (2004), John Junkerman's (1952- ) The Constitution of Japan (2005), and Li Ying's (1963- ) Yasukuni (2007).

[Ken Okumura]

"The History of the Development of Japanese Educational Films" by Tanaka Junichiro (1979, Kagyusha) " ▽ "Non-fiction Visual History" by Richard M. Bartham, translated by Yamatani Tetsuo and Nakano Tatsuji (1984, Sojusha) " ▽ "Documentary Films" by Paul Rosa, Sinclair Lord and Richard Griffiths, translated by Atsugi Taka (1995, Miraisha)" ▽ "Japanese Film History Series 5: Films Record the World - Rethinking Documentaries" edited by Murayama Kyoichiro (2006, Morihashisha) " ▽ "Series Japanese Documentaries" edited by Sato Tadao, 5 volumes (2010, Iwanami Shoten)

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

撮影対象を現実の事象や人物に求め、虚構ではなく事実を描こうとする映画。日本でいう「記録映画」と同等視される場合と、そのなかの一つの下位ジャンルとみなされる場合がある。後者の場合、記録映画のなかでも、ニュース映画や科学映画などに比べ、メッセージ性や作家性、芸術性が強いものをさす。ここでは、後者の視点から記述していく。

［奥村　賢　2018年7月20日］

外国のドキュメンタリー映画

映画誕生期の19世紀末は、ドキュメンタリー映画の胎動期にあたる。1895年12月28日、フランスのリュミエール兄弟がパリのグラン・カフェで、シネマトグラフで撮った映画を初めて一般公開した。身の回りの日常風景を撮った『工場の出口』などの実写フィルムであった。リュミエール映画社は、やがて撮影技師を国外に派遣して、歴史的出来事や遠隔地の珍しい風俗をカメラに収めていった。20世紀に入ると、長編の探検記録映画や科学映画がイギリスやアメリカで登場し、記録映画の内容が多様化していく。

　1920年代になると、記録映画は大きな転換期を迎え、1922年、アメリカのロバート・フラハーティが史上初のドキュメンタリー映画とされる『極北のナヌーク』を発表する。これは酷寒のなかで長期間にわたって、イヌイットの生活をフィルムに収めたもので、ドラマ性に富んだ画期的な記録映画として高く評価された。フラハーティは1934年に『アラン』を発表し、これも彼の代表作となった。1920年代に大きな功績を残したドキュメンタリー映画作家がもう1人いる。革命期ロシアのジガ・ベルトフДзига　Вертов／Dziga Vertov（1896―1954）である。彼は『カメラを持った男』（1929）など、実験性の強い一連の作品によって、ドキュメンタリー映画のもつ前衛的側面を切り開いてみせた。

　イギリスでも、映画による社会改革をめざしたジョン・グリアソンJohn Grieson（1898―1972）によって新しい動きが始まった。彼は1928年、帝国通商局（EMB）映画班の責任者に就任し、『流網船』（1929）、『産業英国』（1933）など、多くの啓蒙的な広報映画を製作した。これがイギリス・ドキュメンタリー運動の幕開けとなった。1933年、運動の拠点は中央郵便局（GPO）に移り、『セイロンの歌』（バジル・ライトBasil Wrihgt（1907―1987）、1934年）、『夜行郵便』（ライト／ハリー・ワットHarry Watt（1906―1987）、1936年）、『火の手はあがった』（ハンフリー・ジェニングスHumphrey Jennings（1907―1950）、1943年）など、芸術性の高い秀作を生んだ。また、理論面でも外国の記録映画に大きな影響を与えた。当時、市民を教育する啓蒙映画は、アメリカでも製作され、ニュー・ディール政策に協力する「ニュー・ディール映画」がつくられた。映像と音を巧みに処理したペア・ロレンツPare Lorentz（1905―1992）の『平原を耕す鋤(すき)』（1936）や『河』（1937）などが代表的な作品である。

　フランスではアルベルト・カバルカンティAlberto Cavalcanti（1897―1982）の『時の外何物もなし』（1926）、ジャン・ビゴの『ニースについて』（1929）、ドイツではワルター・ルットマンWalter Ruttman（1887―1941）の『伯林(ベルリン)――大都会交響楽』（1927）、オランダではヨーリス・イベンスの『雨』（1929）など、ほかの国々でも、才気に満ちた作品が生まれた。イベンスはこのあと、世界各地で『スペインの大地』（1937）、『四億』（1939）など、政治的なドキュメンタリーを発表して国際的な名声を得た。

　第二次世界大戦が始まると、ドキュメンタリー映画は宣伝メディアとして重視されて盛んにつくられた。アメリカではフランク・キャプラ監修による「われらはなぜ戦うのか」シリーズ（1943～1945）、イギリスでは『今夜の目標』（ワット、1941年）、ソ連では『モスクワ近郊におけるドイツ軍の敗北』（イリヤ・コパーリンIlya Kopalin（1900―1976）／レオニード・ワルラーモフLeonid Varlamov（1907―1962）、1942年）、ドイツでは『勝利の歴史』（スベン・ノルダンSvent Noldan（1893―1978）ほか、1941年）などが製作された。もっとも、ドイツのプロパガンダ映画としては、レーニ・リーフェンシュタールが発表した『意志の勝利』（1935）や『オリンピア』二部作（1938）がよく知られている。

　第二次世界大戦が終わると、1950年代から1960年代にかけて、従来とは異なった新しい文体の映画が、いろいろな国でつくられるようになった。イギリスでは労働者の日常をリアルに描くフリー・シネマが起こり、カレル・ライスKarel Reisz（1926―2002）とトニー・リチャードソンTony Richardson（1928―1991）の『ママは許さない』（1955）などがつくられた。フランスでは、アラン・レネが『夜と霧』（1955）を発表し、その後、街頭インタビューなどの新しい手法によるシネマ・ベリテが興隆して、ジャン・ルーシュJean Rouch（1917―2004）とエドガール・モランの『ある夏の記録』（1961）や、クリス・マルケルChris Marker（1921―2012）の『美しき五月』（1962）などが注目された。意図的な演出を嫌ったシネマ・ベリテと同じく、アメリカでもダイレクト・シネマが台頭してきた。対象を直接とらえようとするダイレクト・シネマには、リチャード・リーコックRichard Leacock（1921―2011）、D・A・ペネベイカーDonn Alan Pennebaker（1925―2019）らの『予備選挙』（1960）、フレデリック・ワイズマンFrederick Wiseman（1930―　）の『チチカット・フォーリーズ』（1966）、メイズルズ兄弟Albert Maysles（1926―2015）、David Maysles（1932―1987）の『セールスマン』（1969）などの作品がある。イベンスも、『ベトナムから遠く離れて』（1967年、共同監督）などで活躍を続けた。

　戦後になってテレビが普及すると、記録映画の需要は少なくなったが、映画が始まってから現在まで、記録映画は世界中で数多くの作品を生み出し続けている。なかでも政治問題や社会問題にを鋭く取り上げた作品が多い。1980年代以降も、クロード・ランズマンClaude Lanzmann（1925―2018）の『SHOAH　ショアー』（1985）、リチャード・ゴードンRichard Gordon（1921―2017）とカーマ・ヒントンCarma Hinton（1949―　）の『天安門』（1995）、マイケル・ムーアMichael Moore（1954―　）の『ボウリング・フォー・コロンバイン』（2002）、『華氏911』（2004）、フーベルト・ザウパーHubert Sauper（1966―　）の『ダーウィンの悪夢』（2004）、ニコラウス・ガイルハルターNikolaus Geyrhalter（1972―　）の『いのちの食べかた』（2005）、デイビス・グッゲンハイムDavis Guggenheim（1963―　）の『不都合な真実』（2006）などの野心作が発表され、社会に問題を提起してきた。また一方で、『ゲルニカ』（アラン・レネ、1950年）のような美術映画、『沈黙の世界』（ジャック・イブ・クストー、1956年）や『皇帝ペンギン』（リュック・ジャケLuc Jacquet（1967―　）、2005年）のような動物映画、『ウッドストック　愛と平和と音楽の三日間』（マイクル・ウォドレイMichael Wadleigh（1939―　）、1970年）のような音楽映画、『小川紳介と生きた人々　Devotion Ogawa Production』（バーバラ・ハマーBarbara Hammer（1939―2019）、2000年）のような伝記映画、あるいは『ヴァンダの部屋』（ペドロ・コスタPedro Costa（1959―　）、2000年）のような個人の日常を描いた映画もつくられ、内容は多彩となっている。

［奥村　賢］

日本のドキュメンタリー映画

19世紀末、小西写真店の浅野四郎(あさのしろう)（1877―1955）らが、日本人として最初に映画の撮影を行い、1899年（明治32）には芸者の手踊りなどを撮影した日本製の実写フィルムの興行が始まった。これが日本の記録映画の始まりである。1903年（明治36）には、現存する最古のフィルムの一つで、歌舞伎の実演を撮影した『紅葉狩』（撮影＝柴田常吉(しばたつねきち)（1867―1929））が公開された。北清(ほくしん)事変や日露戦役の折には、戦況を記録した映画が大人気であった。また、『日本南極探検』（1912年、撮影＝田泉保直(たいずみやすなお)（1888―1960））や『関東大震大火実況』（1923年、撮影＝白井茂(しらいしげる)（1899―1984））なども、時代を映した代表的な記録映画である。

　1930年代に入ると日本は十五年戦争に突入して、国策映画の時代となり、列強諸国と並んで、日本でも記録映画が宣伝用の武器として重くみられるようになっていく。長編では、まず青地忠三(あおちちゅうぞう)（1885―1970）編集の『海の生命線』（1933）と『北進日本』（1934）がつくられ、当時の時局性や雰囲気が濃厚に反映された。1940年代になると、『東洋の凱歌(がいか)　バターン・コレヒドール攻略戦記』（沢村勉(さわむらつとむ)（1915―1977）、1942年）『マレー戦記　進撃の記録』（飯田心美(いいだしんび)（1900―1984）、1942年）『空の神兵　陸軍落下傘部隊訓練の記録』（渡辺義美(わたなべよしみ)（1911―1945）、1942年）など、国策的なドキュメンタリー映画が増えていった。一方、1930年代から1940年代にかけては、芸術性の高い作家性のある作品も生まれている。亀井文夫(かめいふみお)（1908―1987）の『上海(シャンハイ)　支那(しな)事変後方記録』（1938）、『戦ふ兵隊』（1939）、『小林一茶(いっさ)　信濃(しなの)風土記より』（1941）、石本統吉(いしもととうきち)（1907―1977）の『雪国』（1939）、下村兼史(しもむらけんじ)（1903―1967）の『或日(あるひ)の干潟』（1940）、水木荘也(みずきそうや)（1910―　）の『或(あ)る保姆(ほぼ)の記録』（1942）などが代表的な作品で、当時の記録映画が質的に転換したことを表していた。これらの作品は「文化映画」とよばれ、国家の保護もあって全盛期を迎えた。

　終戦後、記録映画はすぐさま新たな躍進を遂げ始める。教育映画作品の需要の高まりを背景に、1950年代から1960年代前半、岩波映画製作所、東京シネマ、桜映画社といった教育映画の新しい担い手が相次いで登場し、ドキュメンタリー映画の製作が活発化する。代表的作品に京極高英(きょうごくたかひで)（1912―1989）の『ひとりの母の記録』（1955）、大沼鉄郎(おおぬまてつろう)（1928―2013）の『ミクロの世界　結核菌を追って』（1958）、野田真吉(のだしんきち)（1916―1993）らの『マリン・スノー』（1960）、伊勢長之助(いせちょうのすけ)（1912―1973）の『カラコルム』（1956）などがある。また、岩波映画製作所からは次代を担う映画作家が何人も巣立った。『教室の子供たち　学習指導への道』（1954）の羽仁進(はにすすむ)、『ある機関助士』（1963）の土本典昭(つちもとのりあき)、『青年の海　四人の通信教育生たち』（1966）の小川紳介(おがわしんすけ)、『あるマラソンランナーの記録』（1964）の黒木和雄、『沖縄列島』（1969）の東陽一らである。またこのころには、記録映画作家の主体性や、政治と芸術の問題などが、活発に論じられた。勅使河原宏(てしがわらひろし)の『ホゼー・トレス』（1959）や松本俊夫(まつもととしお)（1932―2017）の『西陣』（1961）などは、この新たな潮流を象徴する作品であった。

　こうした映画製作の根本を問う議論を経て、1960年代後半から1970年代にかけて、日本の記録映画は大きく変わっていった。その流れのなかで、小川紳介は1967年（昭和42）から新東京国際空港建設に反対する成田闘争を長期間取材し、『日本解放戦線　三里塚の夏』（1968）や『三里塚　辺田(へた)部落』（1973）など7本を撮影。土本典昭も、1971年から水俣病の実態を記録する映画にとりかかり、『水俣　患者さんとその世界』（1971）、『不知火海(しらぬひかい)』（1975）などを発表した。二人の製作法には共通するところがあった。その一つは徹底した現場主義である。小川は農民とともに生活をしながら、また土本は現地の人々との密接な交流を通して、撮影を進めていった。もう一つは撮影対象をはっきり支持していることである。カメラは国家権力に対抗する農民や患者の側にたって、状況を把握していこうとする。こうした、従来とはまったく異なる手法による長編ドキュメンタリーは、国際的な評価を受けた。さらに、小川は『ニッポン国　古屋敷村』（1982）などによって農民の暮らしや民俗を、土本は『海盗り　下北半島　浜関根』（1984）などで時代の動きをフィルムに収めていく。また、この時代には、劇映画の監督もドキュメンタリーで話題作を残している。市川崑(いちかわこん)の『東京オリンピック』（1965）、大島渚の『ユンボギの日記』（1965）、新藤兼人(しんどうかねと)の『ある映画監督の生涯　溝口健二の記録』（1975）などである。

　1980年代に入って、もっとも注目された監督は原一男(はらかずお)（1945―　）である。彼もまた、眼前に展開される状況に自ら積極的にかかわっていくが、基本構造をなしているのは、カメラと対象（個人）との劇的なまでの緊張関係で、『極私的エロス　恋歌1974』（1974）や『ゆきゆきて、神軍』（1987）はその代表例である。ドキュメンタリーの分野では、1990年代以降、政治的社会的な問題から個人的で日常的な視点へ、あるいは共同体から個人へという傾向が強くなってきている。1980年代以降のほかの作品には、小林正樹(こばやしまさき)の『東京裁判』（1983）、佐藤真(さとうまこと)（1957―2007）の『阿賀に生きる』（1992）、森達也(もりたつや)（1956―　）の『A』（1998）、池谷薫(いけやかおる)（1958―　）の『延安の娘』（2002）、原村政樹(はらむらまさき)（1957―　）の『海女(あま)のリャンさん』（2004）、ジャン・ユンカーマンJohn Junkerman（1952―　）の『映画　日本国憲法』（2005）、李纓(リイン)（1963―　）の『靖国 YASUKUNI』（2007）などがある。

［奥村　賢］

『田中純一郎著『日本教育映画発達史』（1979・蝸牛社）』▽『リチャード・M・バーサム著、山谷哲夫・中野達司訳『ノンフィクション映像史』（1984・創樹社）』▽『ポール・ローサ、シンクレア・ロード、リチャード・グリフィス著、厚木たか訳『ドキュメンタリィ映画』（1995・未来社）』▽『村山匡一郎編『日本映画史叢書5　映画は世界を記録する――ドキュメンタリー再考』（2006・森話社）』▽『佐藤忠男編著『シリーズ　日本のドキュメンタリー』全5巻（2010・岩波書店）』