British Films

Japanese: イギリス映画 - いぎりすえいが

Cinema was born in Britain in the 19th century, in tandem with other Western countries. Photographer William Friese Greene (1855-1921) invented a primitive movie camera in 1889, and the first film was shown in Britain seven years later, in 1896. First, the films of the French Lumiere brothers were released, followed by feature films by the British director Robert William Paul (1869-1943), which were shown for a fee.

[Yukichi Shinada]

Silent film era

Following Paul, Cecil Hepworth (1874-1953), James Williamson (1855-1933), who was later named the Brighton School after his hometown, and George Albert Smith (1864-1951) produced works. Most of these were short, less than a minute long, but they already used techniques such as double exposures, close-ups, and montage. Documentary films began with news and live action, and as early as 1911, Herbert George Ponting (1870-1935) made a feature-length film, Scott's Antarctic Expedition. However, British films during the silent film era were prosperous in terms of box office sales, including foreign film screenings, but were sluggish in terms of production. For example, in 1910, 36% of films released in the UK were from France, 28% from the US, and 17% from Italy, with only 16% being domestic productions. Furthermore, by 1926, the end of the silent era, domestic productions had fallen to just 5%, or 34 films. In 1927, the Film Act was revised to introduce a "screen quota" to protect domestic films. This law required theaters to show a set percentage of domestic films, and its effect was remarkable, with the number of films showing increasing from 34 in 1926 to 128 in 1927, when the quota came into effect. However, although the number of films increased, the quality of the films was hardly anything to write home about. Some representative works from this period include Alfred Hitchcock's The Lodger (1926) and Herbert Wilcox's (1892-1977) Dawn (1928).

[Yukichi Shinada]

Korda and the London Film

Hitchcock, who started out as a subtitle illustrator for silent films before becoming a director, released Britain's first talkie, Blackmail, in 1929, but it was not until the advent of talkies that quality British films began to appear. During the silent era, American films with English subtitles overwhelmed British films, but with the advent of talkies, the language gap between the two countries became more noticeable, which led to increased film production.

In 1932, Hungarian-born Alexander Korda founded London Film, directing The Private Life of Henry VIII (1933) himself, and inviting René Clair from France to direct Ghosts Go West (1935) and Jacques Feydé to direct The Knight Without Armour (1937). Another Hungarian-born filmmaker, Gabriel Pascal (1894-1954), made Pygmalion (1938), a film adaptation of a play by George Bernard Shaw. Korda, who had experience in filmmaking in Europe and the US, released a series of highly entertaining masterpieces, becoming a major force in British cinema, but the staff and cast were international, and the tendency of his works cannot be said to be purely British.

[Yukichi Shinada]

The documentary film movement and its development

In 1929, John Grierson (1898-1972) made the documentary film The Drifter. He was the driving force behind the documentary film movement, which saw Basil Wright (1907-1987) and Paul Rotha (1907-1984), who were just in their twenties at the time, active in both filmmaking and theory, forming a unique school of film that wove cinematic poetry into real-life records. Another major outcome of this movement was the masterpiece Aran (1934) by American Robert Flaherty, set on a remote Irish island. When World War II began, the production of documentary films became more active as a means of boosting morale through reporting, and particularly excellent war documentaries included Roy Boulting's (1913-2001) Triumph in the Desert (1943) and Carol Reed's True Glory (1945, co-produced with the American Garson Kanin (1912-1999)).

The British documentary tradition thus formed was combined with feature films during and after World War II, producing a distinctive British feature of realistic and truthful feature films. The characteristic of featuring down-to-earth people with a sense of everyday life in the lead roles, set against the backdrop of real landscapes, can be seen in masterpieces such as David Lean's The Great Passage (1945) and Reid's The Great Passage (1947), but the British fusion of drama and documentary was particularly evident in the works of Ealing Studios, run by Michael Balcon.

British flour-milling magnate Arthur Rank (1888-1972), who had been involved in film production since around 1934, rapidly expanded his film production and exhibition activities after World War II, and the various production companies under his umbrella, including the aforementioned Ealing, competed to produce a range of distinctive works. Henry V (1945) and Hamlet (1948), directed and starring Laurence Olivier, the darling of the British theater world, were huge successes in adapting Shakespeare's plays, while Stairway to Heaven (1946), Black Daffodil (1947), and The Red Shoes (1948), produced and directed by the production and direction team of Michael Powell and Emeric Pressburger, achieved great success in the field of color expression in film.

Korda's London Films, which had been closed during the Second World War, resumed operations, churning out films such as Reid's The Third Man (1949). The fusion of drama and documentary, which could be said to be the greatest characteristic of British films, developed into British-style comedies that added humor to the mix, producing films such as Lavender Hill Mob (1951) by Charles Crichton (1910-1999) and The Madame and the Thief (1955) by Alexander Mackendrick (1912-1993).

However, since the death of Korda (1956), the number of American films produced in Britain has increased. There are various reasons for this, but in short, it can be said to be the result of the British film industry being swallowed up by the huge capital of American films. The Bridge on the River Kwai (1957) and Lawrence of Arabia (1962), both directed by Lean, are British films made with American capital.

[Yukichi Shinada]

After Free Cinema

The release of Jack Clayton's (1921-1995) Older Woman and Tony Richardson's Look Back in Anger in 1959 marked a new development in British cinema. The anger and frustration of working-class youth against the suffocating conditions of Britain's old class society began to be expressed in literature, theater, and film. The emergence of these so-called "angry young men" also gave rise to a new trend in the film world called "free cinema." Representative works include Karel Reisz's Saturday Night and Sunday Morning (1960), Richardson's A Taste of Honey (1961) and The Loneliness of the Long Distance Runner (1963), and Lindsay Anderson's (1923-1994) The Wages of Solitude (1963). John Schlesinger, who made A Certain Kind of Love (1962) and then directed Midnight Cowboy (1969) in the United States, for which he won the Academy Award for Best Picture and Best Director, also attracted attention. Ken Loach, who has consistently made anti-authority films such as Raining Stones (1993) and The Wind That Shakes the Barley (2006), can be said to be a director who has inherited the traditions of British documentary film and free cinema.

Also, there are directors like Joseph Losey and Stanley Kubrick who moved from America to Britain, and because they are both English-speaking countries, filmmakers from both countries have had a tendency to interact with each other, which has resulted in the dilution of the uniqueness of British films. For example, great actors like Olivier and John Gielgud have often starred in American films, and there are many directors who have been active in both Britain and America, such as Fred Zinnemann in For All We Have (1966) and Richard Lester (1932-), who made his name with his films about the Beatles. Ken Russell, who came from BBC television, Terence Young (1915-1994) of the "007" series, Guy Hamilton (1922-2016), and Michael Winner (1935-2013), who has directed many films starring Charles Bronson (1921-2003), should be considered filmmakers active in the English-speaking world rather than British film directors. The map of directors in British films in the second half of the 20th century was diverse, with Waris Hussein (1938- ), director of Melody (1970), coming from a television background, Hugh Hudson (1936- ), director of Chariots of Fire (1981), coming from a commercial film background, and Richard Attenborough (1923-2014), director of A Wonderful War (1965) and Ghandi (1982), starting out as an actor.

Since the Labour Party came to power in the 1990s, British films have been producing high-quality works, helped by active government support and the efforts made by television stations such as the BBC and Channel 4 to promote film production. For example, British films have won the Academy Award for Best Picture in 1996 for The English Patient by Anthony Minghella (1954-2008), and in 1998 for Shakespeare in Love by John Madden (1949- ). In 2000, the director of Gladiator was Ridley Scott, who is from the UK.

British films are also highly regarded at international film festivals. Mike Leigh, who won the Best Director award at the Cannes Film Festival in 1993 for Naked, won the Palme d'Or (the highest award) at the Cannes Film Festival in 1996 for Secrets and Lies, and the Golden Lion at the Venice Film Festival in 2004 for Vera Drake. Paul Greengrass (1955- ) won the Golden Bear at the Berlin International Film Festival for Bloody Sunday (2002), which depicts the Bloody Sunday incident in Northern Ireland, and was nominated for the Academy Award for Best Director for United 93 (2006), which realistically depicts the interior of United Airlines Flight 93, which was hijacked in the September 11 terrorist attacks. Michael Winterbottom (1961- ) has had films such as Welcome to Sarajevo (1997) screened in the competitive section of the Cannes Film Festival, and in 2003 he won the Golden Bear at the Berlin Film Festival for In This World (2002), which depicts a Pakistani refugee boy. Ken Loach's The Wind That Shakes the Barley (2006) also won the Palme d'Or at the Cannes Film Festival. Stephen Frears' (1941- ) film The Queen (2006) depicts the British royal family's response to the accidental death of Princess Diana, and Helen Mirren (1945- ), who played Queen Elizabeth, won the Academy Award for Best Actress that same year.

As mentioned above, mutual exchange between British and American filmmakers has become particularly noticeable in recent years. In addition, so-called "English-language films" have become even more powerful with a number of Australian and New Zealand actors and directors such as Nicole Kidman (1967-), Cate Blanchett (1969-), Russell Crowe (1964-), Sam Neill (1947-), and Jane Campion (1954-), becoming major stars in the British and American film industries.

The distinctive features of the once popular entertainment action film series "007" have been inherited by the "Harry Potter" series (2001-2011) and the "Lord of the Rings" series (2001-2003), and it can be said that British films also play a major role in American-funded entertainment blockbusters.

[Yukichi Shinada]

"History of British Film" by Hasumi Arihiro (included in "32 Filmmakers of the World", 1976, Kinema Junposha)" ▽ "Fred Zinnemann: Autobiography" by Fred Zinnemann, translated by Kitajima Akihiro (1993, Kinema Junposha)" ▽ "Richard Lester - The Man Who Filmed the Beatles" by Andrew Yule, translated by Shimada Yoko (1996, Produce Center Publishing Bureau)" ▽ "A Long-Distance Runner's Testament - The Autobiography of Film Director Tony Richardson" by Tony Richardson, translated by Kawarahata Yasushi (1997, Nippon Television Network Corporation) " ▽ "Hitchcock's Films Itself" by Alfred Hitchcock, translated by Suzuki Keisuke (1999, Chikuma Shobo)" ▽ "Kinejun Mook Filmmakers 8 Stanley Kubrick" edited by Tatsumi Takayuki (1999, Kinema Junposha)" ▽ "Until Dawn with British Films" by Irie Atsuhiko (2000, Yosensha) " ▽ "Filmmaker Talks About Himself: Ken Loach" edited by Graham Fuller, translated by Murayama Kyoichiro and Echigoya Fumihiro (2000, Film Art Publishing)" ▽ "Gladiator: The World of Ridley Scott" edited by Tsukada Michiyo, translated by Kameyama Taichi et al. (2001, Screenplay Publishing)" ▽ "My First Movie: How I Shot My Debut Film" edited by Stephen Lowenstein, translated by Miyamoto Takaharu (2002, Film Art Publishing)" ▽ "Seeing Britain on the Screen" by Kano Yoshinori (2005, Kokusho Kankokai)

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

映画は、イギリスにおいても、ほかの欧米諸国と歩調をあわせるようにして19世紀に誕生した。写真家だったウィリアム・フリーズ・グリーンWilliam Friese Greene（1855―1921）が原始的な映画カメラを発明したのは1889年で、映画がイギリスで初めて上映されたのはその7年後の1896年であった。まずフランスのリュミエール兄弟の映画が公開され、ついでイギリス人ロバート・ウィリアム・ポールRobert William Paul（1869―1943）の劇映画が料金をとって公開された。

［品田雄吉］

サイレント映画時代

ポールに続いて、セシル・ヘプワースCecil Hepworth（1874―1953）や、のちに出身地にちなんでブライトン派と名づけられたジェームズ・ウィリアムソンJames Williamson（1855―1933）、ジョージ・アルバート・スミスGeorge Albert Smith（1864―1951）などが作品を発表した。これらは大部分が1分足らずの短いものだったが、すでに二重焼きや大写しやモンタージュの表現手法が使われていた。記録映画はニュースや実写から始まり、1911年には早くもハーバート・ジョージ・ポンティングHerbert George Ponting（1870―1935）によって1時間30分の長編『スコットの南極探検』がつくられている。しかし、サイレント映画時代のイギリス映画は、外国映画上映も含めた興行面では隆盛だったが、製作面では不振だった。たとえば、1910年にイギリスで公開された映画の内訳は、フランス36％、アメリカ28％、イタリア17％で、自国の作品はわずか16％にすぎなかった。さらに、サイレント後期の1926年には、自国作品はわずか5％の34本にまで衰退する。1927年に、それまでの映画法が改正され、自国映画保護のための「スクリーンクオータ」が法制化された。劇場は定められた割合だけ自国映画を上映しなければならないとする法律で、その効果は目覚ましく、1926年の34本に対し、クオータ制施行の1927年には128本と急増した。しかし、本数は増えたものの、作品の質の面ではほとんどみるべきものはなかった。この時期の代表作には、アルフレッド・ヒッチコックの『下宿人』（1926）、ハーバート・ウィルコックスHerbert Wilcox（1892―1977）の『暁(あかつき)』（1928）などがある。

［品田雄吉］

コルダとロンドン・フィルム

サイレント映画の字幕のイラストレーターから監督になったヒッチコックは、1929年にイギリス最初のトーキー映画『恐喝(ゆすり)』を発表したが、イギリス映画に良質な作品が生まれるのはトーキーになってからであった。サイレント時代は、英語字幕をもったアメリカ映画の隆盛がイギリス映画を圧倒していたが、トーキーになると両国の言語の差が意識され、それが映画製作の活発化へとつながっていった。

　1932年にハンガリー生まれのアレグザンダー・コルダがロンドン・フィルムを設立し、自ら『ヘンリー8世の私生活』（1933）を監督、またフランスから招いたルネ・クレールに『幽霊西へ行く』（1935）、ジャック・フェデーに『鎧(よろい)なき騎士』（1937）を監督させた。同じくハンガリー生まれの映画製作者ガブリエル・パスカルGabriel Pascal（1894―1954）は、ジョージ・バーナード・ショーの戯曲の映画化『ピグマリオン』（1938）を発表した。欧米で映画製作を経験していたコルダは、娯楽性の強い大作を次々に発表し、イギリス映画の大きな力となったが、スタッフやキャストの顔ぶれが国際的で、その作品傾向も純粋にイギリス的とはいいがたい。

［品田雄吉］

ドキュメンタリー映画運動とその展開

1929年には、ジョン・グリアスンJohn Grierson（1898―1972）がドキュメンタリー映画『流網船』をつくった。彼が中心となって提唱されたドキュメンタリー映画運動は、当時20代になったばかりのベジル・ライトBasil Wright（1907―1987）やポール・ローサPaul Rotha（1907―1984）らが製作と理論の両面で活躍し、現実の記録に映画的な詩情を織り込んだ独自の流派を形成した。アメリカ出身のロバート・フラハーティが、アイルランドの孤島で名作『アラン』（1934）をつくったのもこの運動の大きな成果である。第二次世界大戦が始まると、報道で戦意高揚の手段としてドキュメンタリー映画の製作がさらに活発になり、ロイ・ボールティングRoy Boulting（1913―2001）の『砂漠の勝利』（1943）、キャロル・リードの『真の栄光』（アメリカのガースン・ケニンGarson Kanin（1912―1999）と合作。1945）は、とくに優れた戦争記録映画であった。

　こうして形づくられたイギリス・ドキュメンタリー映画の伝統は、第二次世界大戦中から戦後にかけて劇映画と結び付き、写実的な真実感をもった劇映画というイギリス映画独自の特色を生み出していく。実景を舞台背景に、生活感をもった地味な人間たちが主役を演じるという特色は、デビッド・リーンの『逢(あい)びき』（1945）やリードの『邪魔者は殺(け)せ』（1947）などの秀作にもみられるが、とくにマイケル・バルコンの主宰するイーリング・スタジオの作品に、劇と記録のイギリス的融合が顕著であった。

　1934年ごろから映画製作に進出していたイギリスの製粉王アーサー・ランクArthur Rank（1888―1972）は、第二次世界大戦後急激に映画の製作と興行活動を拡大し、前記のイーリングを含む傘下の各プロダクションは、競って特色ある作品群を生み出した。イギリス演劇界の寵児(ちょうじ)だったローレンス・オリビエ監督・主演の『ヘンリイ五世』（1945）、『ハムレット』（1948）は、シェークスピア劇の映画化に大きな成功を収め、またマイケル・パウエルとエメリック・プレスバーガーの製作監督チームによる『天国への階段』（1946）、『黒水仙』（1947）、『赤い靴』（1948）などは映画の色彩表現に多大の成果をあげた。

　第二次世界大戦中閉鎖されていたコルダのロンドン・フィルムも活動を再開し、リードの『第三の男』（1949）などを送り出した。また、イギリス映画の最大の特色ともいうべき劇と記録の融合は、それにユーモアを加えたイギリス調の喜劇へと発展し、チャールズ・クライトンCharles Crichton（1910―1999）の『ラベンダー・ヒル・モブ』（1951）、アレグザンダー・マッケンドリックAlexander Mackendrick（1912―1993）の『マダムと泥棒』（1955）などを生んだ。

　しかし、コルダの死（1956）のころからイギリスで製作されるアメリカ映画が多くなってきた。これにはさまざまな理由があるが、要約すればイギリス映画界がアメリカ映画の巨大な資本にのみ込まれた結果だといえるだろう。リーンが監督した『戦場にかける橋』（1957）や『アラビアのロレンス』（1962）は、アメリカ資本のもとでつくられたイギリス映画である。

［品田雄吉］

フリー・シネマ以降

1959年にジャック・クレイトンJack Clayton（1921―1995）の『年上の女』とトニー・リチャードソンの『怒りをこめてふり返れ』が発表され、イギリス映画は新しい展開を迎えた。イギリスの古い階級社会がもたらす閉塞(へいそく)状況に対して、労働者階級の若者たちの怒りといらだちが文学、演劇、映画で表現されるようになった。このいわゆる「怒れる若者たち」の出現は、映画界においても「フリー・シネマ」とよばれる新しい潮流を生んだ。その代表的な作品は、カレル・ライスの『土曜の夜と日曜の朝』（1960）、リチャードソンの『蜜(みつ)の味』（1961）、『長距離ランナーの孤独』（1963）、リンゼイ・アンダーソンLindsay Anderson（1923―1994）の『孤独の報酬』（1963）などである。『或(あ)る種の愛情』（1962）をつくったのち、アメリカで『真夜中のカーボーイ』（1969）を監督し、アカデミー作品賞と監督賞を受賞したジョン・シュレジンジャーも注目された。『レイニング・ストーンズ』（1993）や『麦の穂を揺らす風』（2006）などで一貫して反権力の映画をつくり続けるケン・ローチは、イギリス・ドキュメンタリー映画とフリー・シネマの伝統を受け継いだ監督だといえるだろう。

　また、ジョゼフ・ロージーやスタンリー・キューブリックのように、アメリカからイギリスに居を移して活躍した監督もおり、同じ英語圏である関係上両国の映画人は互いに交流しあって、それがイギリス映画の独自性を希薄にする結果も生んでいる。たとえば、オリビエやジョン・ギールグッドらの名優はしばしばアメリカ映画に主演したし、『わが命尽きるとも』（1966）のフレッド・ジンネマン、ビートルズもので名をあげたリチャード・レスターRichard Lester（1932―　）などのように、イギリス、アメリカを問わずに活動している監督も多い。BBCテレビ出身のケン・ラッセル、「007」シリーズのテレンス・ヤングTerence Young（1915―1994）やガイ・ハミルトンGuy Hamilton（1922―2016）、チャールズ・ブロンソンCharles Bronson（1921―2003）の主演ものを多く手がけているマイケル・ウィナーMichael Winner（1935―2013）などは、イギリス映画の監督というよりは英語圏で活躍する作家というべきだろう。『小さな恋のメロディ』（1970）のワリス・フセインWaris Hussein（1938―　）はテレビ出身であり、『炎のランナー』（1981）のヒュー・ハドソンHugh Hudson（1936―　）はCMフィルム出身、『素晴らしき戦争』（1965）や『ガンジー』（1982）のリチャード・アッテンボローRichard Attenborough（1923―2014）は俳優出身と、20世紀後半のイギリス映画の監督地図は多様となった。

　労働党政権となった1990年代以降、政府の積極的な援助と、BBCやチャンネル4といったテレビ・ステーションが映画製作に力を入れたことにも助けられ、イギリス映画は質の良い作品を生み出している。たとえば、アメリカ・アカデミー賞の作品賞受賞作は、1996年はアンソニー・ミンゲラAnthony Minghella（1954―2008）の『イングリッシュ・ペイシェント』、1998年はジョン・マッデンJohn Madden（1949―　）の『恋におちたシェイクスピア』とイギリス映画が受賞しているし、2000年に作品賞を受けた『グラディエーター』の監督はイギリス出身のリドリー・スコットであった。

　また、国際映画祭においてもイギリス映画の評価は高い。1993年に『ネイキッド』でカンヌ国際映画祭監督賞を受けたマイク・リーは、1996年に『秘密と嘘』でカンヌ国際映画祭パルム・ドール（最高賞）、2004年には『ヴェラ・ドレイク』でベネチア国際映画祭金獅子賞を受賞している。ポール・グリーングラスPaul Greengrass（1955―　）は北アイルランドで起きた血の日曜日事件を描いた『ブラディ・サンデー』（2002）でベルリン国際映画祭金熊賞を受賞、同時多発テロでハイジャックされたユナイテッド航空93便の機内をリアルに描いた『ユナイテッド93』（2006）ではアカデミー賞の監督賞の候補にあげられた。マイケル・ウィンターボトムMichael Winterbottom（1961―　）は、『ウェルカム・トゥ・サラエボ』（1997）などがカンヌ国際映画祭のコンペティション部門に出品され、2003年にはパキスタン難民の少年を描いた『イン・ディス・ワールド』（2002）でベルリン国際映画祭金熊賞を受けた。また前述のケン・ローチの『麦の穂をゆらす風』（2006）もカンヌ国際映画祭パルム・ドールを受賞している。スティーブン・フリアーズStephen Frears（1941―　）の『クィーン』（2006）はダイアナ元皇太子妃の事故死をめぐるイギリス王室の対応を描き、エリザベス女王を演じたヘレン・ミレンHelen Mirren（1945―　）が同年度のアカデミー主演女優賞を受賞した。

　前述のようにイギリスとアメリカの映画人の相互交流は近年とくに顕著になったが、さらにそれに加えて、ニコール・キッドマンNicole Kidman（1967―　）、ケイト・ブランシェットCate Blanchett（1969―　）、ラッセル・クロウRussell Crowe（1964―　）、サム・ニールSam Neill（1947―　）、ジェーン・カンピオンJane Campion（1954―　）など、オーストラリアやニュージーランドの俳優や監督たちが英米の映画界で大活躍するようになって、いわゆる「英語映画」はいっそうその強力さを増している。

　かつて人気のあった娯楽アクション映画『007』シリーズの特色は、『ハリー・ポッター』シリーズ（2001～2011）や『ロード・オブ・ザ・リング』シリーズ（2001～2003）に受け継がれ、イギリス映画はアメリカ資本の娯楽大作にも大きな役割を果たしているといえるだろう。

［品田雄吉］

『筈見有弘著『イギリス映画史』（『世界の映画作家32』所収・1976・キネマ旬報社）』▽『フレッド・ジンネマン著、北島明弘訳『フレッド・ジンネマン自伝』（1993・キネマ旬報社）』▽『アンドリュー・ユール著、島田陽子訳『リチャード・レスター――ビートルズを撮った男』（1996・プロデュース・センター出版局）』▽『トニー・リチャードソン著、河原畑寧訳『長距離ランナーの遺言――映画監督トニー・リチャードソン自伝』（1997・日本テレビ放送網）』▽『アルフレッド・ヒッチコック著、鈴木圭介訳『ヒッチコック映画自身』（1999・筑摩書房）』▽『巽孝之編『キネ旬ムック　フィルムメーカーズ8　スタンリー・キューブリック』（1999・キネマ旬報社）』▽『入江敦彦著『英国映画で夜明けまで』（2000・洋泉社）』▽『グレアム・フラー編、村山匡一郎・越後谷文博訳『映画作家が自身を語る　ケン・ローチ』（2000・フィルムアート社）』▽『塚田三千代監修、亀山太一他訳『グラディエーター――リドリー・スコットの世界』（2001・スクリーンプレイ出版）』▽『スティーヴン・ローウェンスタイン編、宮本高晴訳『マイ・ファースト・ムービー――私はデビュー作をこうして撮った』（2002・フィルムアート社）』▽『狩野良規著『スクリーンの中に英国が見える』（2005・国書刊行会）』