Musical - Musical (English spelling)

Japanese: ミュージカル - みゅーじかる（英語表記）musical

It is an abbreviation for musical comedy and musical play, which are important genres of American popular theater. It is also an abbreviation for musical production. The general translation is "musical drama," but what is called musical today refers to a popular theater form that is centered on drama and song, and combines music, dance, art, lighting, etc. In contrast to opera and operetta, where music takes precedence, musicals prioritize theatricality and its appeal. However, the power of music is considered equally important.

There are many different types of musicals, but they can be broadly categorized into three types based on the theme and content of the work:

(1) Musical Comedy: Comedy-type works that are the most loved by the American public and account for the overwhelming majority, such as "Annie Get Your Gun" and "Hello, Dolly!"

(2) Musical Plays: Works that deal with serious subjects realistically, such as "Show Boat," "South Pacific," and "The Sound of Music."

(3) Musical Tragedy Some musical plays have tragic themes and are difficult to distinguish from musical plays, such as "Lost in the Stars" and "West Side Story."

In addition, works such as "Rose Marie" and "The Student Prince", which were created in the European operetta style, are also considered musicals, and revues that do not have a story or theatrical elements and consist of song and dance (such as "The Band Wagon") are also sometimes treated as musicals.

Operas are composed in their entirety, including the dialogue, but musicals, which are theatrical performances, have lines that are spoken without singing. The lines transition to song when explaining a situation or depicting heightened emotions. This changes expression through spoken dialogue to musical expression through singing. While this would be almost impossible in the real world, it creates a dimension that could be called a fantasy world that is unique to musicals, and when dance is added, its persuasiveness and appeal become even greater. This expansion of musical expression is the distinctive feature and appeal of musicals. The songs or dances in each scene are called musical numbers, and dance alone is called dance numbers.

[Aoki Kei July 20, 2018]

The birth of the musical

Musicals originated in America in the 19th century. However, their origins lie in European popular theater, opera, operetta, and ballad operas that progress through poetry, song, and narration, which were imported and performed in the New World of America. In the second half of the 19th century, while imitating these techniques and styles, musicals unique to America were formed, reflecting the American national character, social environment, and customs, and incorporating American popular entertainment.

The American popular entertainment that became the basis for musicals were minstrels, also known as minstrel shows, and vaudeville. Minstrels are shows in which white entertainers imitate black people and sing, dance, perform dialogue, and skits. It is believed that the first minstrels were performed around 1827 by George Washington Dixon, who sang in blackface. The pioneer of minstrels groups is said to be the Original Virginia Minstrels, which became popular in New York in 1843. The Edwin P. Christy troupe was also very popular, and Christy (1815-1862) is known for buying Foster's songs and making them popular. Vaudeville, on the other hand, began when popular comedy, which had developed in France, was introduced to England and a new style was born by strengthening the musical element. After the Civil War (1861-1865), when the popularity of minstrels declined, elements of minstrelsy were added to vaudeville, forming a style of entertainment that featured a succession of songs, skits, dances, magic tricks, and stand-up comedy, which became more popular than the minstrelsy. It can be said to be a form of popular entertainment derived from minstrelsy. The performers who performed this style are collectively called vaudeville. The pioneer of American vaudeville is said to be the performance "Sargent's Fine Vaudeville from Chicago" by H. J. Sargent's troupe, which was performed in Louisville, Kentucky in February 1871. In the early days, American vaudeville was also called variety, or variety show.

Some say that the prototype of the musical was the ballad opera The Beggar's Opera, which was performed in London in 1728. However, the accepted theory is that the first American musical was The Black Crook, which was performed on Broadway in New York in 1866. It used a ballet company from France, and most of the songs were pre-existing. It was called Musical Extravaganza and became a huge hit, running for one year and four months. After that, works that showed ingenuity appeared one after another, and in 1885, Polly, Daughter of the Regiment, produced by vaudeville giant Tony Pastor (1837-1908) and starring the beautiful actress Lillian Russell (1861-1922), became a big hit.

The term "musical comedy," the most common type of musical, was first given to the play "Gaiety Girl," which was performed in London, England in 1893.

[Aoki Kei July 20, 2018]

The development of musicals

1900s-1920s

In the 20th century, public interest in musicals increased, and many excellent composers emerged. First, Irish composer Victor Herbert (1859-1924) who emigrated to America from Ireland had great success with Babes in Toyland (1903), and also had hits such as Naughty Marietta (1910) and The Lovers (1913), but these works should be called operettas. American-born George M. Cohan (1878-1942), who came from the vaudeville world, was a talented man known for his lyrics, music, acting, direction and production. His Little Johnny Jones (1904) was a hit that vividly captured the lifestyles of New Yorkers. Cohan's work was evaluated as the first work that could be called an American musical. Rudolf Friml, a composer who moved to the United States from Czechoslovakia, wrote Rose Marie (1924), and Hungarian-born Sigmund Romberg created masterpieces such as The Student Prince (1924), Song of the Desert (1926), and New Moon (1928, lyrics by Oscar Hammerstein II), but these were also operettas.

However, in the second half of the 1920s, there was an increase in musicals that strongly emphasized the American sense of life and introduced pop music and jazz. No, No, Nanette (1925), composed by Vincent Youmans (1898-1946), is a good example. And Show Boat (1927, with book and lyrics by Hammerstein II), composed by Jerome Kern, was a groundbreaking masterpiece that opened up a new dimension to musicals by sharply depicting the realities of human life and delving into racial issues between whites and blacks.

[Aoki Kei July 20, 2018]

1930s

The musical world was further developed in the 1930s. Lyricist Ira Gershwin (1896-1983) and composer George Gershwin Brothers produced the classic Porgy and Bess in 1935. This was an opera based on the story of African-American life and love, and Gershwin called it a folk opera because it was rooted in African-American life and folk music. The duo of lyricist Lorenz Hart (1895-1943) and composer Richard Rodgers wrote fine works with urban tastes such as Jumbo (1935) and Pal Joey (1940), while the talented lyricist and composer Cole Porter showed his refined sense and unique style in musicals such as A Merry Divorce (1932), Anything Goes (1934), Jubilee (1935), and DuBarry Was a Lady (1939), widening the scope of musicals. The achievements of the duo of lyricist Howard Dietz (1896-1983) and composer Arthur Schwartz (1900-1984), who produced many revue works (such as The Band Wagon), librettist Guy Bolton (1884-1979), and Moss Hart are also memorable. It was also in the 1930s that Ethel Merman (1908-1984) and Mary Martin (1913-1990), known as the Queens of Musicals, emerged.

[Aoki Kei July 20, 2018]

1940s-1960s

Rodgers and Hammerstein II's Oklahoma!, which premiered in 1943 during World War II, was a successful unconventional attempt to set a farming story outdoors. The duo wrote South Pacific (1949), The King and I (1951), The Sound of Music (1959), and others, and made serious musicals more appealing with Lost in the Stars (1949) with music by Kurt Weill and House of Flowers (1954) with music by Harold Arlen (1905-1986). The great song writer Irving Berlin showed his musical talent with Annie Get Your Gun (1946).

In the 1950s, My Fair Lady (1956) and West Side Story (1957), which put modern sensibilities and racial issues at the forefront, stood out. In the 1960s, works include the nostalgic Hello, Dolly! (1964, lyrics and music by Jerry Herman (1931-2019)), Fiddler on the Roof (1964), which depicts the joys and sorrows of the Jewish people, Man of La Mancha (1965, libretto by Dale Wasserman (1914-2008), lyrics by Joe Darion (1911-2001), music by Mitch Leigh (1928-2014)), and Hair!, which uses rock music to express the new consciousness of young people reflecting the Vietnam War. ' (1967, libretto and lyricist by Jerome Ragni (1935-1991) and James Rado (1932- ), music by Galt MacDermot (1928-2018)) received particular attention.

[Hiroshi Aoki January 21, 2019]

1970s-1980s

Since 1970, there have been many fusion works combining various types and techniques. In particular, A Chorus Line (1975, book by James Kirkwood (1924-1989) and Nicholas Dante (1941-1991), lyrics by Edward Kleban (1939-1987), music by Marvin Hamlisch (1944-2012), original story, direction, and choreography by Michael Bennett (1943-1987)), which depicts the lives and inner thoughts of young people aspiring to become musical stars in the form of auditions, had a long run of 6,137 performances from its premiere in 1975 to its final performance in 1990, and held the record for the longest continuous performance on Broadway until it was later surpassed by Cats (1981, lyrics by T. S. Eliot). Other notable works that breathed new life into musicals include the black musicals "Party!" (1970), "The Wiz" (1975), and "Dreamgirls" (1981), as well as the rock and roll coming-of-age story "Grease" (1972).

British composer Andrew Lloyd Webber (1948- ) also achieved great success on Broadway with works such as Jesus Christ Superstar (1970), Evita (1978, lyrics by Tim Rice (1944- )), Cats (1981), Starlight Express (1984), and The Phantom of the Opera (1986). In June 1997, Cats surpassed the record for the longest running show on Broadway, which was held by A Chorus Line. Lloyd Webber subsequently released other masterpieces such as Aspects of Love (1989) and Sunset Boulevard (1993).

Les Miserables (lyrics by Alan Boublil (1941- ), music by Claude-Michel Schönberg (1944- )), based on Victor Hugo's classic novel, premiered in London in 1985 and became a huge hit on Broadway in 1987. Miss Saigon (lyrics by A. Boublil and Richard Maltby, Jr. (1937- ), music by C.M. Schönberg), which premiered in London in 1989 and depicts the tragic love story between an American soldier and a Vietnamese prostitute in Saigon at the end of the Vietnam War, also began to garner great attention when it was performed on Broadway in 1991.

Meanwhile, lyricist and composer Stephen Sondheim (1930-2021), who first achieved success with the lyrics of "West Side Story," gained fame with such works as "Sunday in the Park with George" (1984, Pulitzer Prize winner) and "Into the Woods" (1987), which are brilliantly structured, intelligent, and deeply emotional.

[Aoki Kei July 20, 2018]

1990s and after

In the 1990s, the film company Walt Disney expanded into Broadway musicals, and musical adaptations of animated films such as Beauty and the Beast (1994, lyrics by Howard Ashman (1950-1991) and Tim Rice, music by Alan Menken (1949- )) and The Lion King (1997, lyrics by Tim Rice, music by Elton John) became huge hits. In 1995, the musical Victor Victoria (lyrics by Leslie Bricusse (1931-2021)) with music by Henry Mancini attracted attention as it featured Julie Andrews (1935- ), a former musical star known for her starring role in The Sound of Music, returning to Broadway for the first time in 35 years. Andrews was nominated for a Tony Award for Best Actress in a Musical, America's highest honor, but surprised everyone by declining the award.

Rento (1996, libretto, lyrics and music by Jonathan Larson (1960-1996)), a modern rock musical version of Puccini's opera La Bohème, moved audiences with its depiction of young friendship, love, suffering and the AIDS problem. Other unique and topical works include Titanic (1997, lyrics and music by Maury Yeston (1945- ), which depicts the tragedy of a sunken luxury liner, and Ragtime (1998, lyrics by Lynn Ahrens (1948- ), music by Stephen Flaherty (1960- )), which depicts the social climate of America in the early 20th century. In addition, "Fosse" (1999), a recreation of the masterpiece dance scenes of the famous choreographer Bob Fosse (1927-1987), became a hit, demonstrating his timeless appeal. The stage production, screenplay, and music of "The Producers" (2000) by comedy film director Mel Brooks (1926-) was a huge hit, and won all but the Best Actress award in 12 categories in 2001, including Best Book, Best Direction, Best Book, Best Choreography, Best Actor, Best Supporting Actor, Best Actress, Best Score and Arrangement, Best Art Direction, Best Lighting, and Best Costume Design.

[Aoki Kei]

Japanese Musical

Dawn

The history of Japanese musicals began with the early movements of opera and operetta, which are also musical theatre, and in particular with the creation of the Asakusa Opera, which was started in 1917 (Taisho 6) by Ibata Takashi and Sassa Kouka (1886-1961). Sassa's work "Café Night," known for "The Croquette Song," is marked as a "musical play" and can be said to be "the beginning of musicals in Japan." Its roots lie in the musical comedies of Masuda Taro Kaja (1875-1953), which also had a major influence on the Takarazuka Revue, and the seeds of musicals can be seen in "Mon Paris" and "Parisette." Asakusa Opera was destroyed in the Great Kanto Earthquake (1923), but it continued in a different form as popular theater performed by Enomoto Kenichi (known as Enoken) and Furukawa Midoriha (known as Roppa). After the Second Sino-Japanese War and into the Pacific War, enemy music such as jazz was banned, and musicals entered a period of uncertainty, but in 1941 (Showa 16) Takarazuka Revue's Shirai Tetsuzo wrote and directed "Enoken Goes to the Dragon Palace" and "Mokuran Military Service" under the name of "Toho National Theater," which were the most musical-like works and became the forerunners of the postwar "Imperial Theater Musicals."

[Hironori Terasaki July 20, 2018]

After World War II

The first work to be performed under the name of "musical" after the Second World War was "Fanny" (a musical adaptation of Pagnol's play, with music by Hattori Tadashi (1908-2008) and script and direction by Nakahara Junichi) at the Marunouchi Piccadilly Experimental Theatre in June 1950. However, although they were not labeled as musicals, from 1946, just after the end of the war, a series of singing plays starring singing stars were performed at large theatres such as the Nippon Theatre, and became popular. Among these was "Jazz Carmen," starring Kasagi Shizuko (1914-1985) and arranged by Hattori Ryoichi. The Takarazuka Revue, which had lost its home base when the Tokyo Takarazuka Theater was requisitioned by the US military, resumed revue performances in the Imperial Theater as its permanent venue in 1950, but in between these performances, the "Imperial Theater Musicals" were produced by Toyokichi Hata (1892-1956), president of the Imperial Theater. The first performance was "Morgan Oyuki" (music by Kyoji Yamauchi and Shiro Matsumoto, script by Saburo Mizumori (1905-1973) and Shinichi Azuma), performed in February and March 1951, starring Fubuki Koshiji and Midorikawa Furukawa. From then until 1954, when the Imperial Theater was converted into a movie theater, plays such as "Madame Sadayakko" (music by Yamauchi Kyoji and Matsumoto Shiro, script by Kikuta Kazuo), "Okaru and Kanpei" (music by Hattori Ryoichi and Matsui Hachiro (1919-1976) and script by Kikuta Kazuo) and "Tenkatsu and Tenichi" (music by Hattori Ryoichi and Hiraoka Teruaki (1907-1992) and script by Toho Literature Department) were performed at the theater.

In the spring of 1955, when the Tokyo Takarazuka Theater was released from its requisition, Toho strengthened its theatrical department, appointing Kikuta Kazuo, a hit maker of popular theater since the Asakusa "Kingdom of Laughter," as the executive in charge. Kikuta staged 20 popular theater productions over eight years, calling them "Toho Musicals," starting with "Koisuredo Koisuredo Monogatari" (with music by Koseki Yuji (1909-1989)) in February 1956. Most of these were box office successes, but they were mostly songs with comedians at the center, and were far removed from the American musicals that were developing at the time. However, it cannot be overlooked that they laid the foundation for later performances of translated musicals, in terms of developing actors who could sing, dance, and act, and training staff.

[Hironori Terasaki July 20, 2018]

Translation Musical

Japanese musicals became commercially established when overseas hits were imported and performed. The first of these was the Broadway musical "My Fair Lady" produced by Kazuo Kikuta at the Tokyo Takarazuka Theater in September 1963. The success of this translated musical marked a new starting point for Japanese musicals after the Second World War, leading to the release of a succession of American musical films and full-scale musical performances. In particular, the release of the film "West Side Story" (1962) and the arrival of the original "West Side Story" in Japan to celebrate the first anniversary of the opening of the Nissay Theater in 1964 caused a strong culture shock for the Japanese theater and music worlds, and at the same time, the number of musical fans increased dramatically, and Japanese musicals grew rapidly thereafter.

In 1965, Toho Musicals produced The Sound of Music and The King and I by the duo Oscar Hammerstein II and Richard Rodgers, followed the following year in 1966 by South Pacific. In 1967, they translated and performed two masterpieces in succession: The Fantasticks (book by Tom Jones (1928-), music by Harvey Schmidt (1929-2018)) for small theaters, and Fiddler on the Roof. In 1969, Toho produced "Man of La Mancha" starring the VI Ichikawa Somegoro (since 1981 the IX Matsumoto Koshiro, since 2018 the II Matsumoto Hakuo), and in 1975 the revival of "Fiddler on the Roof" starring Morishige Hisaya, which all ran for long periods. With these successes, Toho became a giant in musicals with the commercial theater star system (a performance system centered around popular actors = stars).

The Shiki Theatre Company, led by director Keita Asari (1933-2018), initially promoted contemporary French theatre by Giraudoux and Anouilh, but after a musical for children at the Nissay Masterpiece Theatre (1964), the company suddenly gained attention with Jesus Christ Superstar in 1973 (Showa 48), with music by Andrew Lloyd Webber and lyrics by Tony Rice. The following year, in 1974, they released West Side Story, followed by A Chorus Line in 1979, which were ensemble musicals unique to the new theatre rather than a star system. An ensemble is when all the performers work together, rehearsing for a long time to create a work, rather than focusing on a popular actor (star). He then produced Evita (1982) and Cats (1983), which were big hits in a temporary tent theater he built in Shinjuku, and in 1988 he became a true leader with The Phantom of the Opera, which also had music and script by Lloyd Webber. In 1992, he also opened the Cats Theater in Osaka, which ran for 15 months, and is now the largest company in the Japanese musical world. At the same time, translated musicals performed by Toho Musicals, Shiki Theater Company, Shochiku, commercial theaters such as Takarazuka Revue, and Horipro, etc., began to keep pace with American and British musicals, albeit only slightly behind, and Tokyo became the world's largest buyer's market.

[Hironori Terasaki July 20, 2018]

A genealogy of postwar musicals

While commercial theater was still a field that the national labor union organizations, centered around the Osaka Labor Union, boldly ventured into the field of original musicals, and, relying on a stable ability to mobilize audiences, they sought profitability and launched an active campaign between 1958 (Showa 33) and 1966. Starting with Johnny Sings for You (1958, music by Iida Saburo (1912-2003), script by Fujita Toshio (1928-2020), they released works such as Adorable Woman (1959, music by Mayuzumi Toshiro, script by Abe Kobo), Look Up at the Stars in the Night Sky (1960, music by Izumi Taku, script by Naga Rokusuke (1933-2016)), and Ruby in the Mud (1960, music by Izumi Taku, script by Yagi Kakuichiro). An essential composer for these early Labor Union Musicals was Izumi Taku, who was known for his original musical works such as "Shinigami" (1952, script by Fujita Toshio), "Song of the Dawn" (1965, script by Matsuki Hiroshi (1928-2016)), "We Are Not Angels" (1974, script by Fujita Toshio), and "Before the Flood" (1980, script by Fujita Toshio), and later continued to perform his own independent productions.

However, when we look at the original musicals created in Japan in the early period after World War II, it is the Takarazuka Revue Company that has produced the greatest number of original musicals. In the past, composers and directors such as Shirai Tetsuzo and Takagi Shiro (1915-1985) had created "operettas" by borrowing or imitating the original musical operettas from European music in countries such as France, Germany and Austria, but after the deaths of these two masters, they rapidly turned to musicals and produced works such as Oklahoma! Takarazuka has translated and performed a series of American musicals, such as "West Side Story" and "Carousel" (all with music by Richard Rodgers), "Brigadoon" (music by Frederick Loewe (1901-1988)), "Guys and Dolls" (music by Frank Loesser (1910-1969)), "Me and My Girl" (music by Noel Gay (1898-1954)), "Kiss Me, Kate" (music by Cole Porter), and "Grand Hotel" (music by Robert Wright (1914-2005)), absorbing their techniques. Takarazuka's resident composers, writers, and directors continue to create original musicals approximately once every two months. One of the biggest hits after the Second World War was The Rose of Versailles (1974), a musical adaptation of the work of manga artist Ikeda Riyoko (1947-), with music by Terada Takio (1931-2000) and a libretto by Ueda Shinji (1933-), which has been performed many times as a masterpiece. Also noteworthy was the Japanese premiere of the Vienna-based musical Elisabeth (libretto by Michael Kunze (1943-), music by Sylvester Levay (1945-)) in 1996.

On the other hand, perhaps inspired by the aforementioned Labor Union Musicals, postwar new theater movements also included Bungakuza's Yang Guifei (1957), with music by Hattori Tadashi and a script by Iizawa Tadasu (1909-1994), and Kokusenya (1958), with music by Takemitsu Toru and a script by Yashiro Seiichi, while Seinenza produced Hachidan (1960), with music by Hirai Sumiko (1913-2002) and a script by Tanaka Chikao. Sanada Fuunroku (1962), with music by Hayashi Hikaru (1931-2012), script by Fukuda Yoshiyuki, and direction by Senda Koreya, was a joint production by studio theater companies affiliated with Haiyuza, and caused a great stir. However, original musicals gradually went out of fashion outside of the Shiki Theatre Company and the Seinenza Theatre Company. Since then, the Kiyama Office, represented by Kiyama Kiyoshi (1942-2013), has been staging Fukuda Yoshiyuki's plays The Fairy in the Wall and My Downtown Area.

However, at the end of the 1970s, On Theatre Jiyugeki performed Shanghai Bangsing (1979), with music by Koshibe Nobuyoshi (1933-2014) and a script by Saito Ren (1940-2011), to great acclaim, and in the 1980s two musical groups, Ongakuza and Gekidan Furusato Charaban, were born.になったんです。 English: The first thing you can do is to find the best one to do. He has created comic and energetic works such as "The Father and Wife" (1983), "The Brother and the Wives" (1985), "The Marriage" (1986), and "Mura wa 3, 7 Times" (1988), and has been attracting the masses through attempts such as temporary theaters with izakayas, and continues his unique activities. It is certain that musicals are steadily taking root in the Japanese soil, sprouting, and blooming.

[Terasaki Hironori]

Current situation and issues

になったんです。 English: The first thing you can do is to find the best one to do.

[Terasaki Hironori]

になったんです。 English: The first thing you can do is to find the best one to do.になったんです。 English : The first thing you can do is to find the best one to do . Shiki Theatre Company Musical (2000, Hinode Publishing)

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

アメリカ大衆演劇の重要な分野を占めるミュージカル・コメディやミュージカル・プレイの略称。また、ミュージカル・プロダクション（音楽的な上演作品）の略語でもある。一般的な訳語は「音楽劇」だが、今日ミュージカルとよばれるものは、演劇、歌曲を主体とし、音楽、舞踊、美術、照明などの総合による大衆演劇形式をさす。音楽が優先するオペラやオペレッタとは反対に、演劇性とその魅力が優先する。しかし、音楽の力も同等に重要視される。

　ミュージカルのタイプはさまざまだが、作品のテーマと内容によって大別すると次の三つになる。

(1)ミュージカル・コメディ　コメディ・タイプの作品で、アメリカの大衆にもっとも愛好され、圧倒的多数を占める。『アニーよ銃をとれ』『ハロー・ドーリー！』など。

(2)ミュージカル・プレイ　シリアスな題材を現実性十分に扱った作品。『ショー・ボート』『南太平洋』『サウンド・オブ・ミュージック』など。

(3)ミュージカル・トラジディ　悲劇的題材を扱っており、ミュージカル・プレイと区別しにくい作品もある。『ロスト・イン・ザ・スターズ』『ウェスト・サイド物語』など。

　なお、ヨーロッパのオペレッタ形式でつくられた『ローズ・マリー』『学生王子』などもミュージカルとされ、ストーリー性と演劇性をもたず、歌とダンスで構成されているレビュー（『バンド・ワゴン』など）もミュージカルとして扱われる場合がある。

　オペラは台詞(せりふ)を含めて全体が作曲されているが、演劇であるミュージカルは歌わないで語る地の台詞がある。その台詞は状況の説明や感情の高まりを描くときなど歌に移行する。語りの台詞による表現から歌唱という音楽的表現に変わるわけである。現実の世界ではまずありえないことだが、そこにミュージカル独特の空想的な世界ともいうべき次元が生じ、ダンスが加わればその説得力と魅力はさらに大きなものとなる。こうした音楽的な拡大表現がミュージカルの特色とも魅力ともなっている。各場面の歌あるいはダンスをミュージカル・ナンバー、またはダンスのみをダンス・ナンバーとよぶ。

［青木　啓　2018年7月20日］

ミュージカルの誕生

ミュージカルは19世紀にアメリカで生まれた。しかし、その源はヨーロッパの大衆演劇、オペラ、オペレッタ、詩と歌と語りで進行するバラッド・オペラなどで、これらは新大陸アメリカでも輸入上演されてきた。19世紀後半、これらの手法やスタイルを模倣しながら、アメリカの国民性、社会環境、風俗を反映し、アメリカの大衆芸能も取り入れて、アメリカ独自のミュージカルが形成されたのである。

　ミュージカル形成の要素となったアメリカの大衆芸能にミンストレル・ショーともよばれるミンストレルズminstrels、およびボードビルがあった。ミンストレルズは白人芸人が黒人をまねて歌い、踊り、掛合い漫才、寸劇などを演じるショーで、その最初は1827年ごろジョージ・ディクソンGeorge Washington Dixonが黒塗りの顔で歌ったこととみられている。ミンストレルズのグループの草分けは、1843年にニューヨークで人気をよんだ「オリジナル・バージニア・ミンストレルズ」だという。エドウィン・P・クリスティ一座の人気も高く、クリスティEdwin P.Christy（1815―1862）はフォスターの歌曲を買い取って流行させたことでも知られている。一方、ボードビルは、フランスで発達した通俗喜劇がイギリスに入り、音楽の要素を強めて新しいスタイルが生まれたことに始まる。南北戦争（1861～1865）のあと、ミンストレルズの人気が下降したころ、ボードビルにミンストレルズの要素が加わり、歌、寸劇、ダンス、奇術、漫談などを次々と繰り出すエンターテイメントのスタイルが形成され、ミンストレルズをしのぐ人気を得た。ミンストレルズから派生した大衆芸能といえる。その芸人を総称してボードビリアンとよぶ。アメリカのボードビルの草分けは1871年2月、ケンタッキー州のルイビルで上演されたH・J・サージェント一座による「シカゴから来たサージェントのすばらしいボードビル」という出し物だとされている。アメリカのボードビルは初めのころバラエティ、またはバラエティ・ショーともよばれていた。

　ミュージカルの原形は1728年にロンドンで上演されたバラッド・オペラ『乞食(こじき)オペラ』だとする説がある。だがアメリカのミュージカルの最初の作品は、1866年にニューヨークのブロードウェーで上演された『ブラック・クルック（黒衣の怪盗）』だとするのが定説である。フランスからきたバレエ団を使い、ほとんどを既成曲でまとめ、ミュージカル・エクストラバガンザMusical Extravaganza（音楽笑劇）と銘打って1年4か月続演の大ヒットとなった。その後、次々とくふうをみせた作品が現れ、1885年には、ボードビル界の大物トニー・パスターTony Pastor（1837―1908）が制作し、美人女優リリアン・ラッセルLillian Russell（1861―1922）が主演した『連隊の娘ポリー』が大ヒットになった。

　なお、ミュージカルでもっとも多いタイプのミュージカル・コメディという名称は、1893年イギリスのロンドン上演の『ゲイティ・ガール』にこの名をつけたことに始まっている。

［青木　啓　2018年7月20日］

ミュージカルの発展

1900～1920年代

20世紀に入ってミュージカルに対する一般の関心はさらに高まり、優れた作者が相次いで出現した。まず、アイルランドからアメリカに移住した作曲家ビクター・ハーバートVictor Herbert（1859―1924）は『おもちゃの国のベイブス』（1903）で大成功を収め、『ノーティ・マリエッタ』（1910）、『恋人たち』（1913）などもヒットしたが、それらはオペレッタとよぶべき作品だった。アメリカ生まれでボードビル界出身のジョージ・M・コーハンGeorge M. Cohan（1878―1942）は作詞、作曲、俳優、演出、制作で知られる才人だが、彼の『リトル・ジョニー・ジョーンズ』（1904）はニューヨークに住む人々の生活感覚が躍動するヒット作となった。このコーハンの作品こそアメリカのミュージカルとよべる最初の作品と評価された。チェコスロバキアからアメリカに渡った作曲家ルドルフ・フリムルは『ローズ・マリー』（1924）を書き、ハンガリー生まれのシグムンド・ロンバーグは『学生王子』（1924）、『砂漠の歌』（1926）や『ニュー・ムーン』（1928、作詞オスカー・ハマースタイン2世）などの名作を生んだが、これらもオペレッタ系の作品であった。

　しかし、1920年代後半には、アメリカ人の生活感覚を強く打ち出し、ポピュラー音楽やジャズを導入した作品が増加する。ビンセント・ユーマンスVincent Youmans（1898―1946）作曲の『ノー・ノー・ナネット』（1925）はその好例である。そして、ジェローム・カーン作曲の『ショー・ボート』（1927、台本・作詞ハマースタイン2世）は人間生活の現実を鋭く描き、白人と黒人の人種問題に踏み込んだ点でミュージカルに新たな次元を開いた画期的な傑作となった。

［青木　啓　2018年7月20日］

1930年代

1930年代にミュージカル界はいっそう充実した。作詞家アイラIra Gershwin（1896―1983）と作曲家ジョージのガーシュイン兄弟は名作『ポーギーとベス』を1935年に上演。これはアメリカ黒人の生活と愛の物語をオペラ化したもので、黒人の生活と民俗音楽に根ざしているという理由からガーシュインがフォーク・オペラと名づけた異色作である。作詞家ロレンツ・ハートLorenz Hart（1895―1943）と作曲家リチャード・ロジャーズのコンビは『ジャンボ』（1935）、『パル・ジョーイ』（1940）など都会趣味の佳作を書き、作詞と作曲の才人コール・ポーターは『陽気な離婚』（1932）、『エニシング・ゴーズ』（1934）、『ジュビリー』（1935）、『デュバリーは貴婦人』（1939）などに洗練されたセンスとユニークな作風をみせてミュージカルの幅を広げた。レビュー作品（『バンド・ワゴン』など）が多い作詞家ハワード・ディーツHoward Dietz（1896―1983）と作曲家アーサー・シュワルツArthur Schwaltz（1900―1984）のコンビ、台本作家ガイ・ボルトンGuy Bolton（1884―1979）、モス・ハートらの活躍も忘れられない。ミュージカルの女王と称されるエセル・マーマンEthel Merman（1908―1984）、メアリー・マーチンMary Martin（1913―1990）が登場したのも1930年代のことである。

［青木　啓　2018年7月20日］

1940～1960年代

第二次世界大戦中の1943年に上演されたロジャーズとハマースタイン2世の『オクラホマ！』は、農家の物語を野外場面で展開するという型破りの試みに成功した。このコンビは『南太平洋』（1949）、『王様と私』（1951）、『サウンド・オブ・ミュージック』（1959）ほかを書き、クルト・ワイル作曲の『ロスト・イン・ザ・スターズ』（1949）やハロルド・アーレンHarold Arlen（1905―1986）作曲の『花の家』（1954）などとともにシリアスなミュージカルの魅力を大きなものにしている。大歌曲作家アービング・バーリンは『アニーよ銃をとれ』（1946）でミュージカルでの実力を示した。

　1950年代では『マイ・フェア・レディ』（1956）、現代感覚と人種問題を正面に出した『ウェスト・サイド物語』（1957）が光っている。1960年代の作品では、懐古趣味的な『ハロー・ドーリー！』（1964、作詞・作曲ジェリー・ハーマンJerry Herman（1931―2019））、ユダヤ民族の哀歓を描いた『屋根の上のバイオリン弾き』（1964）、『ラ・マンチャの男』（1965、台本デール・ワッサーマンDale Wasserman（1914―2008）、作詞ジョー・ダリオンJoe Darion（1911―2001）、作曲ミッチ・リーMitch Leigh（1928―2014））、ベトナム戦争を反映した若者の新しい意識をロック音楽で表現する『ヘアー！』（1967、台本・作詞ジェローム・ラニGerome Ragni（1935―1991）とジェームス・ラドJames Rado（1932―　）、作曲ギャルト・マクダーモットGalt MacDermot（1928―2018））がとくに注目された。

［青木　啓　2019年1月21日］

1970～1980年代

1970年以降は、さまざまなタイプと手法による融合的作品が多い。とくに、ミュージカル・スターを目ざす若者の生活と内面をオーディションの形で描いた『コーラスライン』（1975、台本ジェームズ・カークウッドJames Kirkwood（1924―1989）とニコラス・ダンテNicholas Dante（1941―1991）、作詞エドワード・クレバンEdward Kleban（1939―1987）、作曲マービン・ハムリッシュMarvin Hamlisch（1944―2012）、原案・演出・振付けマイケル・ベネットMichael Bennett（1943―1987））は1975年の初演から1990年の最終公演までに6137回ものロングラン（長期連続興行）を果たし、後に『キャッツ』（1981、作詞T・S・エリオット）にその記録を抜かれるまで、ブロードウェーにおける連続公演の最多記録を誇っていた。そのほか、黒人ミュージカル『パーリー！』（1970）、『ウィズ』（1975）、『ドリームガールズ』（1981）、ロックン・ロールによる青春物語『グリーズ』（1972）などがミュージカルに新風を吹き込んだ。

　イギリスの作曲家アンドリュー・ロイド・ウェバーAndrew Lloyd Webber（1948―　）の『ジーザス・クライスト・スーパースター』（1970）、『エビータ』（1978、作詞はともにティム・ライスTim Rice（1944―　））、『キャッツ』（1981）、『スターライト・エクスプレス』（1984）、『オペラ座の怪人』（1986）はブロードウェーでも大成功を収めた。とくに『キャッツ』は、1997年6月に『コーラスライン』の連続上演記録を抜き、ブロードウェーにおける最長のロングラン上演記録を達成した。ロイド・ウェバーはその後も力作『アスペクツ・オブ・ラブ』（1989）、『サンセット大通り』（1993）などを発表している。

　ビクトル・ユゴーの名作小説による1985年ロンドン初演の『レ・ミゼラブル』（作詞アラン・ブーブリルAlan Boublil（1941―　）、作曲クロード・ミシェル・シェーンベルクClaude-Michel Schönberg（1944―　））は、1987年からブロードウェーでも大ヒットした。ベトナム戦争末期のサイゴンを舞台にアメリカ軍兵士とベトナム人娼婦の悲恋を描いた、1989年ロンドン初演の『ミス・サイゴン』（作詞A・ブーブリルとリチャード・マルトビー・ジュニアRichard Maltby,Jr.（1937―　）、作曲C・M・シェーンベルク）も、1991年からブロードウェーで上演されて大きな話題となった。

　一方、『ウェスト・サイド物語』の作詞で最初の成功を収めた作詞・作曲家スティーブン・ソンドハイムStephen Sondheim（1930―2021）は、みごとな構成、知性と深い情感の光る『日曜日に公園でジョージと』（1984、ピュリッツァー賞受賞）、『イントゥ・ザ・ウッズ』（1987）などで名声を高めた。

［青木　啓　2018年7月20日］

1990年代以降

1990年代に入って、映画会社のウォルト・ディズニーがブロードウェー・ミュージカルに進出し、アニメ映画のミュージカル化作品『美女と野獣』（1994、作詞ハワード・アシュマンHoward Ashman（1950―1991）とティム・ライス、作曲アラン・メンケンAlan Menken（1949―　））、『ライオン・キング』（1997、作詞ティム・ライス、作曲エルトン・ジョン）が大ヒットとなった。1995年、ヘンリー・マンシーニ作曲の『ビクター・ビクトリア』（作詞レスリー・ブリッカスLeslie Bricusse（1931―2021））の上演では、『サウンド・オブ・ミュージック』の主演で知られる往年のミュージカル・スター、ジュリー・アンドリュースJulie Andrews（1935―　）が35年ぶりにブロードウェーに復帰して話題をよんだ。アンドリュースは、アメリカ演劇・ミュージカル最高の栄誉であるトニー賞の主演女優賞に選ばれたが、受賞を辞退して人々を驚かせた。

　プッチーニのオペラ『ボエーム』の現代版ロック・ミュージカル『レント』（1996、台本・作詞・作曲ジョナサン・ラーソンJonathan Larson（1960―1996））は、若者たちの友情、恋、苦悩、エイズ問題などを描いて人々を感動させた。このほかに異色の話題作として、沈没した豪華客船の悲劇を描いた『タイタニック』（1997、作詞・作曲モーリー・イェストンMaury Yeston（1945―　））、20世紀初めのアメリカの世相を描写した『ラグタイム』（1998、作詞リン・アーレンズLynn Ahrens（1948―　）、作曲スティーブン・フラハティStephen Flaherty（1960―　））などがあげられる。また、名振付け師ボブ・フォッシーBob Fosse（1927―1987）の傑作ダンス場面をまとめて再現した『フォッシー』（1999）は、時代を超えた彼の魅力を示してヒットとなる。コメディ映画監督メル・ブルックスMel Brooks（1926―　）が制作・脚本・音楽を手がけた舞台『プロデューサーズ』（2000）は大当たりし、2001年度トニー賞の作品、演出、脚本、振付け、主演男優、助演男・女優、作・編曲、美術、照明、衣装の計12部門、主演女優賞以外のすべてを受賞という大記録を樹立している。

［青木　啓］

日本のミュージカル

黎明(れいめい)期

日本のミュージカルの歴史は、同じ音楽劇であるオペラ、オペレッタの草創期の諸運動、なかでも1917年（大正6）に伊庭孝(いばたかし)、佐々紅華(さっさこうか)（1886―1961）がおこした浅草オペラの創作作品に始まる。「コロッケの唄(うた)」で知られる佐々の作品『カフェーの夜』には「ミュージカル・プレー」と銘記されていて、「日本ミュージカル事始め」といってよい。そのルーツは益田太郎冠者(ますだたろうかじゃ)（1875―1953）の音楽喜劇だが、これは宝塚歌劇にも大きな影響を与え、『モン・パリ』や『パリゼット』にもミュージカルの萌芽(ほうが)をみることができる。浅草オペラは関東大震災（1923）で壊滅するが、榎本健一(えのもとけんいち)（通称エノケン）や古川緑波(ろっぱ)（通称ロッパ）らによって演じられた大衆演劇のなかに形を変えて受け継がれた。日中戦争を経て太平洋戦争に突入するとジャズなどの敵性音楽は禁止され、ミュージカルは空白期に入るが、このはざまの1941年（昭和16）に宝塚歌劇団の白井鉄造(てつぞう)が「東宝国民劇」の名称のもとに作・演出した『エノケン竜宮へ行く』と『木蘭(もくらん)従軍』はもっともミュージカルらしい作品で、戦後の「帝劇ミュージカルス」の先駆けとなった。

［寺崎裕則　2018年7月20日］

第二次世界大戦後

第二次世界大戦後「ミュージカル」の名を冠して上演された最初の作品は、1950年（昭和25）6月、丸の内ピカデリー実験劇場の『ファニー』（パニョルの戯曲に基づく翻案ミュージカルで、服部正(はっとりただし)（1908―2008）音楽、中原淳一(なかはらじゅんいち)台本・演出）であった。しかし、ミュージカルとは銘打たなかったが、終戦直後の1946年からは日本劇場をはじめとする大劇場で、歌えるスターを中心にした歌入り芝居が次々に上演されて人気をよんだ。そのなかには、笠置(かさぎ)シヅ子（1914―1985）主演、服部良一(りょういち)編曲の『ジャズ・カルメン』などがある。東京宝塚劇場をアメリカ軍に接収されて本拠を失っていた宝塚歌劇は、1950年から帝国劇場を常打ち小屋にレビュー公演を再開したが、その合間を縫って帝劇社長秦豊吉(はたとよきち)（1892―1956）がプロデュースして「帝劇ミュージカルス」が始まった。第1回は1951年2～3月公演の『モルガンお雪』（山内匡二・松本四郎音楽、水守三郎（1905―1973）・東信一台本）で、越路吹雪(こしじふぶき)と古川緑波が主演した。以後、帝劇が映画館に転向する1954年までに『マダム貞奴(さだやっこ)』（山内匡二・松本四郎音楽、菊田一夫(きくたかずお)台本）、『お軽と勘平』（服部良一・松井八郎（1919―1976）音楽、菊田一夫台本）、『天勝(てんかつ)と天一(てんいち)』（服部良一・平岡照章（1907―1992）音楽、東宝文芸部台本）などが上演された。

　1955年春、東京宝塚劇場の接収が解除されると、東宝は演劇部を強化、担当重役に浅草「笑(わらい)の王国」以来の大衆演劇のヒットメーカー菊田一夫を起用した。菊田は1956年2月の『恋すれど恋すれど物語』（古関裕而(こせきゆうじ)（1909―1989）音楽）を第1回に「東宝ミュージカル」と名のる大衆演劇を8年間に20作上演、興行的にはほとんど成功したが、喜劇人中心の歌入り芝居で、当時発展を続けていたアメリカのミュージカルからはほど遠いものであった。だが、歌えて踊れて芝居ができる役者づくり、スタッフの育成などの点で、後の翻訳ミュージカル上演の土台づくりになったことは見逃せない。

［寺崎裕則　2018年7月20日］

翻訳ミュージカル

日本のミュージカルが興行的に定着するのは海外ヒット作の輸入上演においてであり、その第一作は1963年9月、東京宝塚劇場で菊田一夫がプロデュースしたブロードウェー・ミュージカル『マイ・フェア・レディ』であった。この翻訳ミュージカルの成功が、第二次世界大戦後、日本ミュージカルの新たな出発点となり、アメリカからのミュージカル映画が続々と封切られ、本格的なミュージカルの上演も行われた。なかでも映画『ウェスト・サイド物語』の公開（1962）、1964年の日生劇場開場1周年記念で来日した本場の『ウェスト・サイド物語』の舞台に日本の演劇界、音楽界は強烈なカルチャー・ショックを受けると同時に、ミュージカル・ファンが激増し、以後日本のミュージカルは急成長を遂げる。

　東宝ミュージカルは、1965年（昭和40）にオスカー・ハマースタイン2世とリチャード・ロジャーズのコンビによる『サウンド・オブ・ミュージック』と『王様と私』、翌1966年に『南太平洋』を上演、1967年、小劇場のための『ファンタスティックス』（台本トム・ジョーンズTom Jones（1928―　）、音楽ハーベイ・シュミットHarvey Sshmidt（1929―2018））と『屋根の上のバイオリン弾き』の名作を立て続けに翻訳上演した。1969年には6世市川染五郎（1981年から9世松本幸四郎、2018年から2世松本白鸚）主演の『ラ・マンチャの男』、1975年再演の森繁久弥主演『屋根の上のバイオリン弾き』をロングランさせ、東宝は商業演劇のスター・システム（人気俳優＝スターを中心にした興行システム）でミュージカルの雄となった。

　演出家の浅利慶太（1933―2018）が主宰する劇団四季は、当初ジロドゥーやアヌイといったフランス現代劇を旗印にしていたが、「ニッセイ名作劇場」（1964）の子供のためのミュージカルがきっかけとなり、1973年（昭和48）アンドリュー・ロイド・ウェバー音楽、トニー・ライス作詞による『ジーザス・クライスト・スーパースター』で一躍脚光を浴びた。翌1974年『ウェスト・サイド物語』、1979年『コーラス・ライン』と、スター・システムならぬ新劇ならではのアンサンブル・ミュージカルで次々とヒットをとばした。アンサンブルとは、人気俳優（スター）を中心にせず、出演者全員が一体となって稽古(けいこ)を長く積み、一つの作品を創りあげることをいう。以後、『エビータ』（1982）に続き、『キャッツ』（1983）を、自らつくった新宿の仮設テント劇場で大ヒットさせ、1988年に同じロイド・ウェバー音楽・台本の『オペラ座の怪人』でまさに一方の雄となった。そして1992年（平成4）、大阪でもキャッツシアターをつくり、15か月間ロングランさせ、いまや日本のミュージカル界の最大手になっている。同時に、東宝ミュージカル、劇団四季をはじめ松竹、宝塚歌劇団の商業演劇、ホリプロなどで上演される翻訳ミュージカルは、米英のミュージカルの歩みにほんの少し遅れるだけで足並みをそろえるようになり、東京は世界一の買い手市場となった。

［寺崎裕則　2018年7月20日］

戦後創作ミュージカルの系譜

商業演劇路線ではまだ慎重だった創作ミュージカルの分野に大胆に挑んだのは、大阪労音を中心とする全国の労音組織で、安定した動員力を基盤に採算を図り、1958年（昭和33）から1966年にかけて活発な運動を展開した。『あなたのためにうたうジョニー』（1958、飯田三郎（1912―2003）音楽、藤田敏雄（1928―2020）台本）に始まり、『可愛(かわい)い女』（1959、黛(まゆずみ)敏郎音楽、安部公房台本）、『見上げてごらん夜の星を』（1960、いずみたく音楽、永六輔（1933―2016）台本）、『泥の中のルビー』（1960、いずみたく音楽、八木格一郎台本）などが発表された。この初期の労音ミュージカルに欠かせなかった作曲家がいずみたくで、『死神』（1952、藤田敏雄台本）、『夜明けのうた』（1965、松木ひろし（1928―2016）台本）、『俺(おれ)たちは天使じゃない』（1974、藤田敏雄台本）、『洪水の前』（1980、藤田敏雄台本）などの創作ミュージカル活動で知られ、のちには自主制作で公演を続けた。

　しかし、第二次世界大戦後の日本のミュージカル初期における創作ミュージカルをみてゆくと、もっとも数多く創作ミュージカルをつくり出しているのは宝塚歌劇団である。かつては白井鉄造、高木史朗（1915―1985）といった作・演出家は、ミュージカルの元祖オペレッタをフランス、ドイツ、オーストリアといったヨーロッパの音楽から借り、あるいは模して「歌劇」を創作してきたが、両巨匠が没すると急速にミュージカルに傾き、『オクラホマ！』『ウェスト・サイド物語』『回転木馬』（以上、音楽リチャード・ロジャーズ）、『ブリガドーン』（音楽フレデリック・ロウFrederick Loewe（1901―1988））、『ガイズ・アンド・ドールズ』（音楽フランク・レッサーFrank Loesser（1910―1969））、『ミー・アンド・マイガール』（音楽ノエル・ゲイNoel Gay（1898―1954））、『キス・ミー・ケイト』（音楽コール・ポーター）、『グランド・ホテル』（音楽ロバート・ライトRobert Wright（1914―2005））など、一連のアメリカ・ミュージカルを翻訳上演しながらその手法を吸収し、ほとんど2か月に一度のペースで、宝塚の座付き作曲家と作・演出家がオリジナル・ミュージカルを創作し続けている。第二次世界大戦後最大のヒット作の一つは、漫画家池田理代子(りよこ)（1947―　）の作品をミュージカル化した寺田瀧雄(たきお)（1931―2000）音楽ほか、植田紳爾(しんじ)（1933―　）台本の『ベルサイユのばら』（1974）であり、名作として何度も再演されている。また、ウィーン発のミュージカル『エリザベート』（台本ミヒャエル・クンツェMichael Kunze（1943―　）、音楽シルベスター・リーバイSylvester Levay（1945―　））を、1996年（平成8）に日本初演したのも特筆すべきことである。

　他方、前述の労音ミュージカルに刺激されてか、戦後の新劇でも、文学座は服部正音楽、飯沢匡(ただす)（1909―1994）台本『楊貴妃(ようきひ)』（1957）、武満徹音楽、矢代静一台本『国性爺(こくせんや)』（1958）、青年座は平井澄子（1913―2002）音楽、田中千禾夫(ちかお)台本『八段』（1960）などを上演した。俳優座系のスタジオ劇団合同公演として上演された、林光（1931―2012）音楽、福田善之(よしゆき)台本、千田是也(これや)演出の『真田風雲録』（1962）は大きな話題となったが、創作ミュージカルは劇団四季以外は青年座を除いてしだいに下火となり、その後は木山潔(きよし)（1942―2013）代表の木山事務所が、福田善之作『壁の中の妖精』『私の下町』などを上演している。

　だが、1970年代終わりになると、オンシアター自由劇場が越部信義(こしべのぶよし)（1933―2014）音楽、斎藤憐(れん)（1940―2011）台本で『上海バンスキング』（1979）を上演して好評を博し、1980年代には音楽座と劇団ふるさときゃらばんの二つのミュージカル集団が誕生した。音楽座は上田聖子、筒井広志（1935―1999）、小室哲哉(てつや)（1958―　）、船山基紀(もとき)（1951―　）らの音楽で、座付き作家兼演出家である横山由和(よしかず)（1953―　）による『ヴェローナ物語』（1978）、『シャボン玉とんだ宇宙(そら)までとんだ』（1988）、『とってもゴースト』（1989）、『マドモアゼル・モーツァルト』（1991）、『アイ・ラブ・坊ちゃん』（1993）などを次々に上演。劇団ふるさときゃらばんは「日本の風土、日本の暮らしに根ざした日本人のための大衆的なミュージカル」を目ざし、農村を舞台にした「カントリー・ミュージカル」と会社を舞台にした「サラリーマン・ミュージカル」を展開している。音楽の寺本建雄(たてお)（1946―　）、作・演出の石塚克彦（1937―2015）を中心に『親父と嫁さん』（1983）、『兄(あ)んちゃん』（1985）、『ザ・結婚』（1986）、『ムラは3・3・7拍子』（1988）などコミカルかつエネルギッシュな作品を創作、居酒屋付仮設劇場などの試みで大衆動員し、ユニークな活動を続けていて、ミュージカルが日本の土壌に着実に根を下ろし、芽吹き、花を咲かせつつあることは間違いない。

［寺崎裕則］

現状と課題

日本のミュージカルの現状をみるとき、ヨーロッパではミュージカルがオペラやオペレッタと同じ音楽劇であるのに対し、日本では米英と同じ演劇のジャンルにあって、米英と違うところは、作曲においても歌においても音楽面がまだまだ弱い点である。「歌って踊って芝居ができて」がミュージカル草創期の合いことばだったが、踊りは急速に上達しているものの、役者の歌唱力は弱く、クラシックの歌手は声はよくても芝居や踊りに弱く、そのうえ歌う日本語がよく伝わらない。その音楽の弱さゆえに、日本ではミュージカルが欧米のように「大人が楽しむ音楽劇」にはならず、若者が中心で、顧客の幅が狭いのは残念である。その原因の一つは、ミュージカルの元祖であるオペレッタの王国を経ず、オペレッタに近い初期アメリカ・ミュージカルをも一足飛びして、いきなり1950年代以降のアメリカ・ミュージカルを上演してしまったからである。

　ミュージカルは本来、オペラ、オペレッタと同様に「音楽で人間の本当の姿を描くドラマ」なのである。それにはクラシックの歌・芝居・踊りの三拍子そろった歌役者が必要で、しかも魅力あふれるエンターテイナーでなければならない。その養成が急務であることのほか、米英と同様、美しいメロディを生める作曲家が強く求められている。「ミュージカルはブロードウェー」の決まり文句が揺らぎ、ミュージカルの中心がロンドンのウェスト・エンドに移ったのは1980年代以降である。その原因は、美しいメロディの喪失にあり、結果、リズム中心となって飽きられ、『キャッツ』などの美しいメロディを生んだロイド・ウェバーの出現でミュージカルの振り子はウェスト・エンドに大きく振れた。だが、そのロイド・ウェバーでさえメロディを喪失し、次世代が現れないため、日本を含めた世界のミュージカルは大きな壁にぶつかってしまったのである。そこに21世紀のミュージカルの問題と未来がかかっている。

［寺崎裕則］

『大平和登著『ブロードウェイ』（1980・作品社）』▽『浅井英雄著『ミュージカル入門』（1982・荒地出版社）』▽『芝邦夫編『ブロードウェイ・ミュージカル事典』（1984・劇書房）』▽『小藤田千栄子著『ミュージカル・コレクション』（1986・講談社）』▽『石川敏雄・寺崎裕則著『現代英国演劇』（1986・朝日出版社）』▽『柳生すみまろ著『ミュージカル映画　フィルム・アートシアター』（1988・芳賀書店）』▽『A・J・ラーナー著、千葉文夫・星優子・梅本淳子訳『ミュージカル物語――オッフェンバックから「キャッツ」まで』（1990・筑摩書房）』▽『宮本哲著『ミュージカルへの招待』（1995・丸善）』▽『石原隆司・松崎巌著『まるごと1冊ミュージカル』（1998・音楽之友社）』▽『音楽之友社編・刊『ミュージカル完全ガイド』（2000）』▽『萩野瞳著『ミュージカルに連れてって！』（2000・青弓社）』▽『扇田昭彦著『ミュージカルの時代――魅惑の舞台を解き明かす』（2000・キネマ旬報社）』▽『清島利典著『日本ミュージカル事始め』（1982・刊行社）』▽『テアトロ編・刊『新劇便覧　1984』（1983）』▽『雑喉潤著『浅草六区はいつもモダンだった』（1984・朝日新聞社）』▽『扇田昭彦著『ビバ！ミュージカル！』（1994・朝日新聞社）』▽『安部寧著『VIVA！劇団四季ミュージカル』（2000・日之出出版）』