American Music

In the broad sense, American music refers to the music of North and South America, and includes a variety of musical styles from different ethnic groups. Representative musical styles include the music of the indigenous American Indian tribes of both continents, the art music of immigrants from Europe (mainly Anglo-Saxon in North America, and mainly Latin in Central and South America), and spirituals and jazz by immigrants from West Africa. Since the beginning of the 20th century, there have been attempts to fuse Anglo-Saxon art music with jazz of West African origin, and there are connections between these different musical styles, but there is no unified musical style that can be called "American music." This article focuses mainly on art music from the United States. The three-century history of art music in the United States can be divided into three periods: (1) the transplantation of European music (1620-1820), (2) the pursuit of the ideals of classical music (1821-1919), and (3) the new era of American art music (1920 onwards). Over these 300 years, music ranging from simple hymns to computer music has been produced.

The first American colonists of the 17th century brought a lot of music from their homeland. The northern colonists brought Ainsworth's Psalter (1612) and eventually published the Bay Psalter (1640), the first printed work in the northern colonies, and gradually began to forge their own path in New England. The popularization of hymns in the early 18th century, which accompanied the "religious revival," led to the spread of singing schools and produced semi-professional composers such as William Billings (1746-1800). They favored "fuging tunes," choral pieces with a canon at the center of the song. On the other hand, the southern colonies were more commercial and secular than the north, and in 1735 the ballad opera Flora, a precursor to musicals, was performed, and European music concerts gradually became more widespread. American art music in the 18th century was still carried out by people born in Europe or those who were content with a copy of European music.

In the 19th century, orchestras such as the New York Philharmonic Society (founded in 1842) and the Boston Symphony Orchestra (1891) were established one after another all over the United States, and music schools such as the Oberlin Conservatory (1865) and the New England Conservatory of Music (1867) were also established one after another, laying the groundwork for the development of music in the next era. However, in the field of composition, America was still stuck in the stage of imitating European classical music, and musicians such as Lowell Mason (1792-1872) and Henry Russell (1812-1900), who were active in the first half of the 19th century, were unable to leave behind works that went beyond salon music, family music, and light comedies. George Friederick Bristow's (1825-1898) Rip Van Winkle (1855) and William Henry Fry's (1813-1864) Leonora (1845) were pioneers of American opera, but they were little more than rehashes of Italian operas.

The first American composer to gain international fame was Louis Moreau Gottschalk (1829-1869), but he only produced small pieces as a composer. Stephen Foster wrote nearly 200 songs, salon-style instrumental pieces, and many arrangements, becoming America's first national composer. Inspired by the European national school of music, America also began to assert its national identity in the mid-19th century.

New England has a conservative musical tradition dating back to John Knowles Paine (1839-1906) and Dudley Buck (1839-1909), but at the end of the 19th century, a group of composers known as the New England Academicians or Boston Classicists, including Arthur W. Foote (1853-1937), George Whitefield Chadwick (1854-1931), and Horatio William Parker (1863-1919), produced works based on German Romanticism. MacDowell, although also Celtic, belongs to this lineage.

Charles Ives, a student of Horatio Parker, was a true revolutionary in American music, and his avant-garde techniques, such as dissonance, atonal polyrhythms, and quotation, were only recognized after the Second World War. The avant-garde path that began with him included Carl Ruggles (1876-1971), who developed a new counterpoint technique, Henry Dixon Cowell (1897-1965), who invented tone clusters (a technique in which the piano keys are held down with the bent forearm or struck with the fist), Harry Pearch (1901-1976), who created new instruments, John Cage, who developed aleatoric music, Reich, who developed repetitive music, and John Zorn, who was heavily influenced by Jewish music, jazz, and film music.

Other notable figures include John A. Carpenter (1876-1951), Aaron Copland, and George Gershwin, whose work from the 1920s onwards was influenced by jazz and the French Six. After World War II, successful conservatives included Elliott Carter (1908-2012), Sessions, and Milton Babbitt (1916-2011).

[Takashi Funayama and Shuhei Hosokawa]

"American Music: From the Colonial Era to the Present" by Keiji Okuda (1970, Ongaku No Tomosha) "Degree Zero of Music" by John Cage, translated by Jo Kondo (1980, Asahi Press)

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

広義のアメリカ音楽は、南北アメリカ大陸の音楽を意味し、異民族の多様な音楽様式を含んでいる。両大陸の先住民のアメリカ・インディアン諸部族の音楽、ヨーロッパからの移民（北米ではおもにアングロ・サクソン系、中南米ではおもにラテン系）の芸術音楽、西アフリカからの移住民によるスピリチュアルやジャズなどが、その代表的な音楽様式である。20世紀に入ってからは、アングロ・サクソン系の芸術音楽と西アフリカ起源のジャズの融合が試みられるなど、これらの異質の音楽様式の間の関連づけもみられるが、「アメリカ音楽」という統一的な音楽様式は存在していない。ここではおもに、アメリカ合衆国の芸術音楽を扱う。アメリカ合衆国の3世紀にわたる芸術音楽の歴史は、(1)ヨーロッパ音楽の移植の時代（1620～1820）、(2)古典主義音楽の理想の追求の時代（1821～1919）、(3)新しいアメリカ合衆国の芸術音楽の時代（1920以降）という三つの時期に区分され、この300年の間に、単純な賛美歌からコンピュータ・ミュージックまでの音楽を生み出してきた。

　17世紀のアメリカ最初の植民者たちは、母国から数多くの音楽を運んできた。エインズワースの詩編集（1612）を持ち込んだ北部植民者は、やがて北部植民地最初の印刷物として『ベイ詩編集』（1640）を出版し、しだいにニュー・イングランド独自の道を築き始めた。18世紀前半の「信仰復興運動」に伴う賛美歌の大衆化は、シンギング・スクールの普及につながり、ビリングスWilliam Billings（1746―1800）をはじめとする半職業的な作曲家を輩出させた。彼らは、曲の中心部にカノンをもつ合唱曲「フューギング・チューン」fuging tuneを好んで作曲した。一方、南部植民地は、北部に比べ商業的、世俗的で、1735年にはミュージカルの前身にあたるバラッド・オペラ『フローラ』が上演され、ヨーロッパ音楽の演奏会がすこしずつ広まっていった。18世紀のアメリカ芸術音楽は、まだヨーロッパ生まれの人々か、ヨーロッパ音楽の亜流に甘んずる人々によって担われていた。

　19世紀にはニューヨーク・フィルハーモニー協会（1842設立）、ボストン交響楽団（1891）など、アメリカ各地にオーケストラが次々に誕生し、また、オバーリン音楽院（1865）、ニューイングランド音楽院（1867）などの音楽学校も次々に設立され、次の時代の音楽の発展の下地がつくられた。しかし、作曲の分野は、まだヨーロッパの古典音楽の模倣の段階を脱しきれず、19世紀前半に活躍したメイスンLowell Mason（1792―1872）、ラッセルHenry Russel（1812―1900）らはサロン音楽、家庭音楽、軽喜劇以上の作品を残せなかった。ブリストーGeorge Friederick Bristow（1825―1898）の『リップ・バン・ウィンクル』（1855）、フライWilliam Henry Fry（1813―1864）の『レオノーラ』（1845）はアメリカのオペラの草分けだが、イタリア・オペラの焼き直し以上のものではなかった。

　アメリカ音楽史上で、初めて国際的名声を得たのはゴットショークLouis Moreau Gottschalk（1829―1869）であるが、作曲家としては小品を残しているにすぎない。スティーブン・フォスターは200曲近い歌曲、サロン音楽風の器楽曲、多くの編曲を残し、アメリカ初の国民的作曲家になった。ヨーロッパの国民楽派に刺激されて、アメリカの国民性を主張し始めたのも、19世紀中ごろである。

　ニュー・イングランドにはペインJohn Knowles Paine（1839―1906）や、バックDudley Buck（1839―1909）にさかのぼる保守的な音楽の伝統がみられるが、19世紀末にはニュー・イングランド・アカデミシャンあるいはボストン・クラシシストとよばれる一群の作曲家であるフットArthur W. Foote（1853―1937）、チャドウィックGeorge Whitefield Chadwick（1854―1931）、パーカーHoratio William Parker（1863―1919）などが、ドイツ・ロマン主義を踏まえた作品を残した。マクダウェルもケルト的であるが、この系譜に属する。

　ホレイシオ・パーカーの弟子にあたるチャールズ・アイブスは、アメリカ音楽の真の革命家であり、不協和音、無調性ポリリズム、引用などの前衛的手法は、第二次世界大戦後ようやく認められた。彼に始まる前衛の道には、新しい対位法のラッグルスCarl Ruggles（1876―1971）、トーン・クラスター（ピアノ鍵盤(けんばん)を屈曲させた前腕で押さえたり拳(こぶし)でたたいたりする技法）の考案者カウエルHenry Dixon Cowell（1897―1965）、新楽器制作のパーチHarry Pearch（1901―1976）、偶然性音楽のジョン・ケージ、反復音楽のライヒ、ユダヤ音楽、ジャズや映画音楽からの影響の強いジョン・ゾーンらが連なる。

　それとは別に、カーペンターJohn A. Carpenter（1876―1951）、アーロン・コープランド、ジョージ・ガーシュインが、1920年代以降、ジャズやフランス6人組の影響を受けた作品によって知られている。第二次世界大戦後、保守派として成功した人々のなかには、カーターElliott Carter（1908―2012）、セッションズ、バビットMilton Babbitt（1916―2011）らがいる。

［船山　隆・細川周平］

『奥田恵二著『アメリカの音楽――植民時代から現代まで』（1970・音楽之友社）』▽『ジョン・ケージ著、近藤譲訳『音楽の零度』（1980・朝日出版社）』

出典　小学館　日本大百科全書(ニッポニカ)日本大百科全書(ニッポニカ)について　情報 | 凡例