American Theatre

Japanese: アメリカ演劇 - あめりかえんげき

In colonial New England, theater was banned due to the Puritan asceticism, but in the mid-18th century, professional theater companies from England began to perform in America, and some even settled in America. After the American Revolution (1776), permanent theaters were built all over the country and the number of theater companies began to increase, but the reality was that most of the plays performed were European, mainly from England. Among them, the first work written by an American and set in America was Contrasts (1787) by Royall Tyler (1757-1826), which became the forerunner of the Yankee play trend that celebrated the American spirit. In the 19th century, New York City surpassed other cities to become the center of theater, and large theaters were built one after another, laying the foundation for the formation of today's Broadway commercial theater district. At the same time, with the opening of the transcontinental railroad in 1869, the number of touring theater companies rapidly increased, and theater became popular as a form of mass entertainment. In this trend, American-born actors who could perform in the UK also appeared, but there was no growth in playwrights. The main reason for this was that melodramas, which required more skilled dramaturgy than artistic or literary content, dominated the stage at the time. Melodramas were often structured as spectacular plays with a basic structure of conflict between good and evil, and were mostly consumed as entertainment. However, they also contributed to the formation of the national identity of the time, as seen in Uncle Tom's Cabin (1852), which was the biggest hit of the 19th century and helped to build momentum for the Civil War.

[Shiro Narumi and Kazuo Ichinose, November 19, 2018]

The development of modern drama

In the second half of the 19th century, melodramas began to demand more verisimilitude, and various attempts at realism were made between 1880 and 1920. These included the experiments of director David Belasco, who tried to make the stage sets as realistic as possible, Rachel Crothers (1878-1958), who focused on the inner lives of women, William V. Moody, who depicted human conflicts caused by differences in lifestyles and values, and Edward Sheldon (1886-1946), who recreated the reality of slums on stage. Furthermore, Harvard University drama scholar George P. Baker opened a playwriting course in 1905, beginning practical drama education, and new European drama styles began to be introduced. In the 1910s, amid this trend, small theater movements began to develop in various places. Two small experimental theater companies, the Washington Square Players and the Provincetown Players, were founded in New York in 1915, the former introducing new European plays while the latter launched Eugene O'Neill in 1916. In the same year, the Theatrical Syndicate, which had monopolized performance rights at major theaters across the country from the late 19th century to the early 20th century and had hindered the artistic development of theater by prioritizing commercialism, also disappeared, ushering in a new era for American theater.

The 1920s was the blooming period of American theater. O'Neill rapidly produced a number of ambitious works, including expressionist experimental plays such as The Emperor Jones (1920) and The Hairy Ape (1922), realistic psychological dramas such as Desire Under the Elms (1924), Great God Brown (1926), which uses masks to explore the origins of existence, Strange Interludes (1928), which expresses inner psychology through asides, and Electra in Mourning (1931), which attempted to fuse Greek tragedy with modern psychology. At the same time, a diverse range of writers emerged, including Elmer Rice, who wrote the expressionist The Calculating Machine (1923) and the naturalist Street Scene (1929), Maxwell Anderson, who aimed to revive verse drama, and Sidney Howard, who displayed his talent for dramaturgy, and realism, expressionism, psychological drama, conceptual drama, problem drama, and farce all flourished at once. Talented newcomers also began to work in the fields of directing, acting, set design, and lighting, and Broadway also absorbed these new trends and prospered, reaching a thriving figure with approximately 300 plays performed per year in 1927 and 1928, just before the Great Depression.

During the Great Depression of the 1930s, social drama and left-wing drama became popular, reflecting the anxious social situation. Directors Harold Clurman and Lee Strasberg split off from the Theatre Guild, which had led the 1920s, to form the Group Theatre, from which playwright Clifford Odets and director Elia Kazan emerged. Works such as Odets's Waiting for Lefty (1935), which deals with a labor dispute, Sidney Kingsley's (1906-1995) social drama Dead End (1935), and Irwin Shaw's anti-war play Bury Your Dead (1936) are direct reflections of this era. On the other hand, Anderson's series of historical dramas, the comedies of George S. Kauffman and Samuel N. Behrman, the family dramas of Lillian Hellman (1905-1984), Thornton Wilder's Our Town (1938), which questions the meaning of life from a cosmic perspective, and William Saroyan's When You Were There (1939), a hymn to humanity, could be seen as reactions to this dark era.

[Shiro Narumi and Kazuo Ichinose, November 19, 2018]

After World War II

Just after the war, two talented playwrights, Tennessee Williams and Arthur Miller, appeared, and American theater reached its maturity. The former's works, such as The Glass Menagerie (1945) and A Streetcar Named Desire (1947), and the latter's Death of a Salesman (1949), were acclaimed worldwide for raising the standard of contemporary theater in terms of both form and content, and had a major impact on the development of theater thereafter. Both works focus on the suffering of isolated people in a complex modern society, but the former succeeds in poetically expressing the distorted inner psychology of the defeated, while the latter succeeds in depicting the protagonist's flow of consciousness with a three-dimensional stage treatment from the standpoint of social criticism. However, in the 1950s, although some excellent works such as Williams' Cat on a Tin Roof (1955), Miller's The Crucible (1953), and O'Neill's final work Long Day's Journey Into Night (1956) were released, Broadway generally stagnated, and the Off-Broadway small theater movement became prominent instead. This began as a backlash against Broadway's relapse into commercialism that catered to the masses, mainly due to the rising cost of theater production, and the lack of opportunities for experimental and ambitious works. Theater companies such as Circle in the Square and Living Theatre, based in small theaters, have been successful in nurturing new playwrights, putting into practice new directing ideas, and introducing European avant-garde theater. It was Off-Broadway that Edward Albee was discovered. His one-act plays such as "Zoo Story" (1960) and "American Dream" (1961) satirized the American society that had been driven into a barren situation by a breakdown in communication, and he was considered an American absurdist. His later Broadway play "Who's Afraid of Virginia Woolf" (1962) attracted attention for the impact of its extremely sharp-tongued lines.

Off-Broadway gradually became more commercialized in the early 1960s, and so the Off-Off-Broadway movement began in rebellion against this trend. It was a new theater movement that used small spaces such as coffee houses, churches, warehouses, and garages, and Café La Mama (later La Mama Experimental Theater), Open Theater, and Performance Group, with talented directors, performed experimental theater using almost every imaginable technique. At the time, American society was in turmoil due to a series of political assassinations, the Vietnam War, the rise of the Black Power movement, the women's liberation movement, and the gay liberation movement, as well as drug problems and social unrest. These groups, including the Living Theater, which had just returned from a European tour, boldly launched anti-war and anti-establishment movements by making full use of new means of expression such as happenings, street theater, nude theater, environmental theater, audience participation theater, and puppet theater. Playwrights such as Jean-Claude Van Itallie (1936-), Sam Shepard, and black writers Leroi Jones (Imam Amiri Baraka) and Ed Bullins were nurtured here, and they continued to have long-lasting careers.

In comparison, the 1970s was a time of inward-looking and marginalizing. In a sense, the optimistic ideals of reform of the 1960s were frustrated, and the collapse of traditional American values, symbolized by President Nixon's resignation in 1974 due to the Watergate Scandal, caused the theater world to lose support for writers who told "grand" stories, such as Williams, Miller, and Albee. Instead, Robert Wilson (1941- ) and Richard Foreman (1937- ), who faced their own inner selves apart from political and social issues and depicted their spiritual worlds in images rather than words, began to attract attention. At the same time, the 1970s and 1980s were a time when various groups that had previously been pushed to the margins as minorities began to make their own claims. These movements can be broadly divided into the following four categories.

(1) First, there is the rise of female playwrights. This was linked to the feminist movement that began in the 1960s, and it became a major trend to question the systems that had been conditioned by male dominance, not only in terms of theme but also in terms of form, and to revitalize American theater. Writers include Marsha Norman (1947-), Wendy Wasserstein (1950-2006), Tina Howe (1937-), as well as avant-garde playwrights Adrienne Kennedy (1931-) and Maria Irene Fornés (1930-2018), and young playwrights are appearing one after another in their wake.

(2) In the world of African-American theater, which had been stagnant for some time after rising in conjunction with the civil rights movement of the 1960s, large-scale playwrights who transcend narrow genre classifications began to appear. In particular, August Wilson, who produced a series of plays dividing the lives of African-Americans in the 20th century into ten-year periods, is regarded as a representative playwright of American theater in the second half of the 20th century, transcending the boundaries of African-American theater. Other talented playwrights include George C. Wolfe (1954-), who led the New York Shakespeare Festival (Public Theater), a leading Off-Broadway theater founded by Joseph Papp (1921-1991); Anna Deavere Smith (1950-), who uses journalistic methods to analyze the problems of American society, which is made up of multiple ethnicities; and Suzan-Lori Parks (1963-), who uses avant-garde methods to question American history and identity.

(3) The rise of Asian American playwrights, who had been largely ignored in the world of theater until then, culminating with David Henry Hwang's (1957- ) Broadway play M. Butterfly (1988), which won a Tony Award.

(4) The rise of gay theatre. It was in 1969 that gays, who had long been oppressed, began to assert their rights. In 1982, Harvey Fierstein's (1954- ) Torch Song Trilogy won a Tony Award, bringing him to the forefront of the theatre world. Shortly after, the AIDS epidemic began, and he produced a number of excellent plays depicting the fight against AIDS. Then, in 1993, Tony Kushner's (1956- ) Angels in America was released, which is said to be the masterpiece that marked the end of the 20th century, depicting the culturally and politically complicated reality of America with a rich imagination.

American theater has developed through a clash between tradition and innovation. The once Broadway-centric structure has already collapsed, and American theater is now made up of a diverse mix of Broadway, Off-Broadway, Off-Off-Broadway, and regional theater. Some have pointed out that Broadway has lost its former vitality and has become a showcase for large-scale musicals for tourists and famous works of the past, and Off-Broadway is becoming a sort of subcontractor for Broadway. However, whether it is Broadway or Off-Broadway, the essence of always opening itself up to the outside world and incorporating that vitality into itself to innovate itself has not been lost even now.

[Shiro Narumi and Kazuo Ichinose]

"The Fate of Tragedy - Contemporary American Theatre" by Sata Masanori (1972, Kenkyusha Publishing)" ▽ "Contemporary American Theatre" by Suzuki Shuji (1977, Hyoronsha Publishing)" ▽ "Contemporary American Theatre" by Kurahashi Ken (1978, Nagundo Publishing)" ▽ "Development of Postwar American Theatre" edited by Suenaga Kuniaki and Ishizuka Koji (1983, Bun'eido Publishing) ▽ "American Theatre Studies" by Nakamura Eiichi (1994, Eihosha Publishing) ▽ "American Theatre Studies - The Rhetoric of American Realism" by Takashima Kuniko (1996, Kokusho Kankokai Publishing) ▽ "Contemporary American Theatre - An Exploration of Alternative Theatre" by Theodore Shank, translated by Kou Hideyoshi, Hoshino Kyo and Oshima Yukio (1998, Keiso Shobo Publishing)" ▽ "From Melodrama to Performance: 20th Century American Theatre Theory" by Uchino Tadashi (2001, University of Tokyo Press) " "American Theatre Beyond Borders: Understanding Alternative Theatre" edited by Ichinose Kazuo and Tonooka Naomi (2001, Minerva Shobo)

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

植民地時代のニュー・イングランドでは、清教徒（ピューリタン）の禁欲主義から演劇が禁止されたりもしたが、18世紀中ごろにはイギリスから職業劇団が渡米公演を行うようになり、なかにはアメリカに定住する一座も現れた。独立革命（1776）後になると各地に常設劇場が建築されるようになり、劇団の数も増え始めるが、上演される作品はほぼイギリスを中心としたヨーロッパものというのが実態だった。そのなかで、アメリカ人が書いた、アメリカを舞台にした最初の作品となったのは、ロイヤル・タイラーRoyall Tyler（1757―1826）の『コントラスト』（1787）で、アメリカ魂をたたえるヤンキー劇流行の先駆けになった。19世紀に入ると、他の都市をしのいでニューヨーク市が演劇の中心地となり、大劇場の建築が相次ぎ、今日のブロードウェー商業劇場街を形成する基礎ができた。同時に、1869年の大陸横断鉄道の開通も手伝って、地方を巡回する劇団の数も急増し、演劇は大衆的娯楽として人気を博するようになる。こういった流れのなかで、本場イギリスでも通用するアメリカ生まれの俳優も登場するが、劇作家に関しては不毛だった。その大きな理由は、当時の舞台を席巻(せっけん)していたのが、芸術的、文学的な内容よりも職人的な作劇術が必要とされるメロドラマだったこともある。メロドラマは善悪の葛藤(かっとう)を基本構造に、波瀾万丈(はらんばんじょう)のスペクタクル劇として構成されることが多く、ほとんどの場合娯楽として消費された。しかし、小説を劇化して19世紀最大のヒット作となり、南北戦争への機運を高めるきっかけにもなった『アンクル・トムの小屋』（1852）にみられるように、その時代のナショナル・アイデンティティ（国民的または民族的一体感）の形成に寄与するところもあった。

［鳴海四郎・一ノ瀬和夫　2018年11月19日］

近代劇の展開

19世紀後半になると、こういったメロドラマにも「本当らしさ」が求められるようになり、1880年から1920年ごろにかけてさまざまなリアリズムへの試みが繰り返された。そのなかには、舞台装置を可能な限り本物に近づけようとした演出家デイビッド・ベラスコの実験もあれば、女性の内面に光を当てたレイチェル・クロザーズRachel Crothers（1878―1958）、生活習慣や価値観の違いによる人間の葛藤を描いたウィリアム・V・ムーディ、貧民街の実態を舞台に再現したエドワード・シェルドンEdward Sheldon（1886―1946）などの写実的演劇が含まれる。さらにハーバード大学の演劇学者ジョージ・P・ベーカーは1905年に劇作コースを開設して実践的な演劇教育を開始し、ヨーロッパの新しい演劇も紹介され始めた。こういった流れのなかで1910年代になると各地に小劇場運動が展開されるようになった。ニューヨークでは1915年にワシントン・スクエア・プレイヤーズWashington Square Playersとプロビンスタウン・プレイヤーズProvincetown Playersという二つの実験的小劇団が誕生し、前者はおもにヨーロッパの新しい戯曲を紹介する一方、後者は1916年ユージン・オニールを世に送り出した。同1916年には、19世紀末から20世紀初頭にかけて全国の主要劇場の上演権を独占し、商業性を優先させて演劇の芸術的発展を阻害していたシアトリカル・シンジケートTheatrical Syndicate（劇場企業連合）も消滅して、アメリカ演劇は新しい時代を迎えることになった。

　1920年代はアメリカ演劇の開花期であった。オニールは『皇帝ジョーンズ』（1920）、『毛猿』（1922）などの表現主義的実験劇、『楡(にれ)の木陰の欲望』（1924）などの写実的心理劇、仮面を使い存在の根源を追求する『偉大なる神ブラウン』（1926）、傍白によって内面心理を表現する『奇妙な幕間(まくあい)狂言』（1928）、さらにはギリシア悲劇と現代心理学の融合を図る『喪服の似合うエレクトラ』（1931）など数々の野心作を矢つぎばやに発表した。それとともに、表現主義の『計算器』（1923）や自然主義の『街(まち)の風景』（1929）を書いたエルマー・ライス、詩劇の復活を目ざしたマクスウェル・アンダーソン、作劇術の才を発揮したシドニー・ハワードなど多彩な作家が輩出して、写実派も表現派も、心理劇も観念劇も、問題劇もファルスも、一気に花を咲かせた。演出、演技、装置、照明の分野でも有能な新人が活動を始め、ブロードウェーもそれら新時代の動きを吸収して繁栄し、大恐慌直前の1927、1928年度には年間約300本の劇が上演されるという盛況になった。

　1930年代の大不況期には不安な社会状況を投影して社会劇や左翼演劇が盛んになった。演出家のハロルド・クラーマンやリー・ストラスバーグらが1920年代をリードした劇団シアター・ギルドから分かれてグループ・シアターを組織し、そのなかから劇作家クリフォード・オデッツや演出家エリア・カザンが登場した。オデッツの労働争議を扱った『レフティを待ちつつ』（1935）、シドニー・キングズリーSidney Kingsley（1906―1995）の社会劇『デッド・エンド』（1935）、アーウィン・ショーの反戦劇『死者を葬れ』（1936）などはこの時代の直接の反映である。一方、アンダーソンの一連の歴史詩劇、ジョージ・S・コーフマンやサミュエル・N・ベーアマンらの喜劇、リリアン・ヘルマンLillian Hellman（1905―1984）の家庭劇、人生の意味を宇宙的な視点から問いかけるソーントン・ワイルダーの『わが町』（1938）、人間賛歌を奏でるウィリアム・サロイヤンの『君が人生の時』（1939）などは、この暗い時代への反作用といえるかもしれない。

［鳴海四郎・一ノ瀬和夫　2018年11月19日］

第二次世界大戦後

大戦直後にはテネシー・ウィリアムズとアーサー・ミラーの2人の優れた素質をもつ劇作家が現れ、アメリカ演劇はその成熟期に達した。前者の『ガラスの動物園』（1945）や『欲望という名の電車』（1947）、後者の『セールスマンの死』（1949）などの作品は、形式と内容の両面から現代演劇の水準を高めるものとして世界的に評価され、その後の演劇の発展に大きな影響を残した。どちらも複雑な現代社会のなかで孤立した人間の苦悩に焦点をあてているが、前者は敗北者のゆがめられた内面心理を詩的に表現することに成功し、後者は社会批判の立場から立体的な舞台処理で主人公の意識の流れを描き出すのに成功した。しかし1950年代に入ると、ウィリアムズの『やけたトタン屋根の猫』（1955）、ミラーの『るつぼ』（1953）、オニールの遺作『夜への長い旅路』（1956）などの秀作も発表されたが、概してブロードウェーは沈滞し、それにかわってオフ・ブロードウェーの小劇場運動が目だつようになった。これは演劇制作費の高騰が主因で、ブロードウェーがふたたび大衆に迎合する商業主義に陥り、実験作や野心作の登場する機会が乏しくなったことへの反発として始まった。サークル・イン・ザ・スクエアCircle in the Squareやリビング・シアターLiving Theatreなどの劇団が小劇場を拠点として、新進劇作家の育成、新しい演出理念の実践、ヨーロッパの前衛劇の紹介に乗り出して成果をあげた。エドワード・オールビーが発掘されたのもオフ・ブロードウェーである。『動物園物語』（1960）、『アメリカの夢』（1961）などの一幕劇は、コミュニケーションが断絶し、不毛の状況に追い込まれたアメリカ社会を風刺したもので、彼はアメリカの不条理演劇作家とみなされた。のちにブロードウェーに発表した『バージニア・ウルフなんかこわくない』（1962）は、その毒舌をきわめた台詞(せりふ)のインパクトで話題となった。

　そのオフ・ブロードウェーも1960年代初めにはしだいに商業化の傾向が強くなったため、それに反逆するオフ・オフ・ブロードウェー運動が始まった。コーヒーハウス、教会、倉庫、ガレージなどの小空間を利用した新しい演劇運動で、カフェ・ラ・ママ（のちラ・ママ実験劇場）、オープン・シアター、パフォーマンス・グループなどが有能な演出家を擁して、およそ考えられる限りの手法の実験劇を繰り広げた。おりしも政治的暗殺事件が相次ぎ、ベトナム戦争は拡大の一途をたどり、ブラック・パワー運動、女性解放運動、ゲイ解放運動などが台頭、さらに麻薬問題、社会不安などでアメリカ社会が揺れ動く時期だっただけに、ヨーロッパ巡演から戻ったリビング・シアターを含めて彼らは、ハプニング、街頭演劇、ヌード劇、環境演劇、観客参加劇、人形劇などの新しい表現手段を駆使して果敢に反戦運動、反体制運動を展開した。劇作家ではジャン・クロード・バン・イタリーJean-Claude Van Itallie（1936―　）、サム・シェパードや、黒人作家のリロイ・ジョーンズ（イマム・アミリ・バラカ）やエド・ブリンズが育ち、その後も息の長い活躍を続けた。

　それと比較すれば1970年代は内向化と周縁化の時代だった。ある意味で楽天的な1960年代的変革の理想が挫折(ざせつ)し、1974年のウォーターゲート事件による大統領ニクソンの辞任で象徴されるアメリカの伝統的な価値観の崩壊を受けて、演劇の世界ではウィリアムズ、ミラー、オールビーといった「大きな」物語を語る作家たちは支持を失った。それにかわって政治や社会の問題とは切れたところで自己の内面に向かい合い、その精神世界をことばではなくイメージとして描くロバート・ウィルソンRobert Wilson（1941―　）やリチャード・フォアマンRichard Foreman（1937―　）が注目を集めるようになる。それと同時に1970年代から1980年代にかけては、それまでマイノリティ（少数派）として周縁に押しやられていたさまざまなグループがそれぞれの主張を発し始めた時代でもあった。その動きは大きく分けて次の四つである。

(1)まずは、女性劇作家の台頭である。これは1960年代から始まったフェミニズム運動の流れとも連動し、テーマだけでなく形式においても、男性中心主義によって条件づけられてきた諸制度を問い直し、アメリカ演劇の活性化を促す大きな流れとなった。作家としてはマーシャ・ノーマンMarsha Norman（1947―　）、ウェンディ・ワッサスティンWendy Wasserstein（1950―2006）、ティナ・ハウTina Howe（1937―　）をはじめ、前衛として活動を続けるアドリアンヌ・ケネディAdrienne Kennedy（1931―　）、マリア・アイリーン・フォルネスMaria Irene Fornés（1930―2018）などがいて、彼女たちに続く若手劇作家も次々と登場している。

(2)1960年代の公民権運動に連動して盛り上がった後しばらく停滞していた黒人演劇の世界から、狭いジャンル分けを超越するスケールの大きな劇作家が登場し始めたこと。とくに20世紀のアフリカ系アメリカ人の生の実態を10年ごとに区切り、連作として発表したオーガスト・ウィルソンは、黒人演劇の枠を越えて20世紀後半のアメリカ演劇を代表する劇作家と評価されている。そのほかジョゼフ・パップJoseph Papp（1921―1991）が設立したオフ・ブロードウェーの雄、ニューヨーク・シェークスピア・フェスティバル（パブリック・シアター）を率いるジョージ・ウルフGeorge C. Wolfe（1954―　）、ジャーナリスティックな手法で多民族で構成されるアメリカ社会の問題を分析するアンナ・ダビア・スミスAnna Deavere Smith（1950―　）、前衛的な方法を駆使してアメリカの歴史とアイデンティティを問い直すスーザン・ロリ・パークスSuzan-Lori Parks（1963―　）など、多くの才能が登場している。

(3)それまで演劇の世界ではほとんど無視されてきたアジア系アメリカ人劇作家の台頭。その頂点をなすのは、ブロードウェーで公演されトニー賞を受賞したデイビッド・ヘンリー・ホアンDavid Henry Hwang（1957―　）の『M．バタフライ』（1988）である。

(4)ゲイ演劇の隆盛。長く抑圧されてきたゲイたちがその権利を主張し始めたのは1969年のことだが、演劇の世界では1982年にハーベイ・ファイアスティーンHarvey Fierstein（1954―　）の『トーチソング・トリロジー』がトニー賞を獲得して表舞台で認知され、直後に始まったエイズ禍の時代には、エイズとの戦いを描く優れた作品を生みだした。そして1993年には20世紀掉尾(とうび)を飾る傑作といわれ、文化的・政治的に錯綜(さくそう)するアメリカの実相を豊かな想像力で描ききったトニー・クシュナーTony Kushner（1956―　）の『エンジェルス・イン・アメリカ』が登場した。

　アメリカ演劇は伝統と革新がぶつかり合いながら展開してきた。一時のブロードウェー中心の構造はすでに崩れ、いまはブロードウェーに加え、オフ・ブロードウェー、オフ・オフ・ブロードウェーと地方演劇がさまざまに絡み合う形でアメリカ演劇は成立している。ブロードウェーに関しては、往時の活力を失い、観光客向けの大型ミュージカルと過去の有名作品のショーケースになっているという指摘もあり、オフ・ブロードウェーもブロードウェーの下請け機関的な存在になりつつある。しかし、ブロードウェーにしろ、オフ・ブロードウェーにしろ、つねに外の世界に対して自らを開き、その活力を自らに取り込んで自己革新していくという本質は、いまも失われてはいない。

［鳴海四郎・一ノ瀬和夫］

『佐多真徳著『悲劇の宿命――現代アメリカ演劇』（1972・研究社出版）』▽『鈴木周二著『現代アメリカ演劇』（1977・評論社）』▽『倉橋健著『現代アメリカの演劇』（1978・南雲堂）』▽『末永国明・石塚浩司編著『戦後アメリカ演劇の展開』（1983・文英堂）』▽『中村英一著『アメリカ演劇研究』（1994・英宝社）』▽『高島邦子著『アメリカ演劇研究――アメリカン・リアリズムのレトリック』（1996・国書刊行会）』▽『セオドア・シャンク著、鴻英良・星野共・大島由紀夫訳『現代アメリカ演劇――オルタナティヴ・シアターの探究』（1998・勁草書房）』▽『内野儀著『メロドラマからパフォーマンスへ――20世紀アメリカ演劇論』（2001・東京大学出版会）』▽『一ノ瀬和夫・外岡尚美編著『境界を越えるアメリカ演劇――オールタナティヴな演劇の理解』（2001・ミネルヴァ書房）』