French Art

Japanese: フランス美術 - ふらんすびじゅつ
French Art

France has a large amount of artistic heritage from the Paleolithic and Neolithic periods. Since then, up to the present day, France has been one of the centers of artistic activity that is superior in both quality and quantity to other European countries. The cave paintings of so-called Franco-Cantabrian art suggest that the richness of France's land has made it a suitable environment for artistic production since the Paleolithic period, and they are also an artistic heritage of which France is proud, but they are not related to French art in the strict sense. From the perspective of art with ethnic and national characteristics, strictly speaking, the period covered is from the establishment of the Capetian dynasty in 987 onwards, and further on, from the Gallo-Roman period (1st to 5th centuries) and the Frankish Kingdom period (late 5th century to 10th century) onwards, which are its prehistory.

The Gallo-Roman period was a time of coexistence and mixing of Celtic and Roman aesthetics, and it cannot be denied that elements of both gave certain aesthetic characteristics to subsequent French art. The subsequent Merovingian and Carolingian art of the Frankish Kingdom were the most important parts of Christian art in the early Middle Ages in Western Europe, the former showing Germanic and abstract tendencies, the latter showing classical and naturalistic tendencies due to its orientation to antiquity, and both played a major role in the formation of subsequent French art.

[Kimio Nakayama]

10th to 12th centuries, Romanesque art


This period, which had regained stability after a long period of confusion and emptiness, produced the construction of monasteries and churches with far greater vigor than ever before. The description that "churches in various places began to wear white robes" speaks of the vigor of architecture in this period and the transition from wooden to stone architecture. Architectural structures also changed from the simplicity of the basilica style to more complex structures, with the addition of multiple naves and transepts, and the diversification of apses. This architecture became the core of the flowering of various arts, such as murals, sculptures, manuscripts, and precious metal crafts such as ritual implements. The cultural activities that supported this period were the result of the great pilgrimages to Rome and Santiago de Compostela, and so naturally, in the churches and monasteries along the route to Spain, murals with a strong Spanish influence can be seen. Alternatively, in the case of illuminated manuscripts of various liturgical books, which were a medium for missionary work and iconographic transmission, the style of the English Isles, where monasteries had their own ateliers from an early period, spread to areas close to this region.

In the second half of the 11th century, Romanesque art entered its mature stage, and the culture of northern France, centered on Paris, which would emerge as the leader of civilization during the Gothic period, can be said to have originated from the final chapter of French Romanesque.

[Kimio Nakayama]

Late 12th century to early 16th century, Gothic art

Early Gothic

The Gothic period, the most mature period of medieval Christian culture, is where France's uniqueness and leading position are revealed. The highly rationalistic development of church architecture in northern France led to the solution of roof construction methods for stone buildings with lofty interior spaces. From the semi-cylindrical vault (tubular vault) that spans between walls alongside arches, to the groin vault (cross vault) in which semi-cylindrical vaults cross at right angles, to the rib vault (rib vault) in which pointed arches are used as ribs to distribute the load efficiently to the corner columns. This eliminated the need to support the roof with heavy walls, and also prevented the roof from becoming unstable, which often caused collapses during construction. Also, by using composite columns and strengthening them with flying beams, it became possible to build lofty buildings that were worthy of religious faith or the competitive spirit of cities.

The first example of the use of these new techniques was the rebuilding of the abbey of Saint-Denis, consecrated in 1144. Notre-Dame de Paris is a prime example of Early Gothic, while the 13th-century cathedrals of Chartres, Reims, and Amiens are the most accomplished and magnificent examples of the classical period of Gothic.

Without compromising the clear structure of these cathedrals, the interior and exterior of the cathedrals were decorated with decorative sculptures that were like "encyclopedias in stone." The impression of apocalyptic atmosphere, fantasy of Eastern influence, and strictness of law that Romanesque sculptures showed disappeared, and gentleness, naturalness, and humanity were seen. Classical humanism was revived along with the systematization of symbolic iconography.

Meanwhile, stained glass appeared, replacing the murals that dominated Romanesque cathedrals. When the heavy walls disappeared and the interior space of the pillar structure was established, with the spaces between the pillars becoming windows, a new art was born that was most suitable for this lofty religious space. It is an art that is an extension of the cold cloisonné technique and sensibility that the French have been familiar with for a long time, and its mysteriousness of color and transmitted light completes the aesthetics of Gothic cathedrals. Cold cloisonné is a technique that produces a similar effect to cloisonné, which uses a firing method, by inlaying semi-precious stones and glass beads into metal plates. This decorative technique was favored by European invaders under the influence of Eastern techniques, and it was a forerunner of the colorful and abstract nature of medieval art. These achievements in northern France were spread throughout France and even to other countries. Gothic cathedrals and the arts associated with them constituted the pinnacle of medieval culture wherever they were created, but there is no doubt that their roots lay in France.

[Kimio Nakayama]

Late Gothic

Many cathedrals were built in the late Gothic period from the 14th century onwards, and they moved towards refinement and decoration. The ribs of the vaults and the tracery of the windows were designed in complex flame-like patterns of curved and counter-curved lines, and were even literally called the "flamboyant" style. However, this autonomous development of decorativeness led to a separation between decoration and architecture. Similarly, sculpture also became detached from architecture and moved towards carved in the round, and stained glass became more complex in colour in pursuit of realistic effect and decorativeness, and it began to focus on the depiction of details, losing its original strong effect and mysticism. The era of cathedrals came to an end, and the era of secular architecture began.

[Kimio Nakayama]

15th-16th centuries, Renaissance and Mannerism

From the completion of late Gothic to Renaissance modernity

It may be said that the glory of France, which led the medieval culture, delayed the perception of the new breath of the Renaissance. Moreover, France was forced into a period of stagnation and blankness due to the Hundred Years' War until at least the first half of the 15th century, and the royal court moved from place to place. Nevertheless, we cannot ignore the existence of France's unique efforts to complete its own world from late Gothic to Renaissance modernity, influenced by Flanders and Italy.

Although Paris had long been abandoned, there were several artistic centers in Valenciennes, the Loire Valley, and Provence, the region that includes the two cities of Avignon, the seat of the papacy, and Aix-en-Provence, the seat of the court of King René of Anjou, which produced many outstanding artists and works.

First, the height of artistic activity in Provence is shown by the painter known as the "Aix Annunciation Painter," who is credited with creating only one painting, "The Annunciation." The work was originally painted for the Saint-Sauveur Church in Aix, but the central panel of the triptych is now preserved in the Sainte-Madeleine Church in Aix. Its detailed depiction of texture and Flemish perspective mark the completion of late Gothic.

Enguerrand Quarton (c. 1415-after 1466), who was active in Aix and then Avignon, exhibited "Pietà d'Avignon" at the Louvre and "The Coronation of the Virgin" at the Avignon Hospital, which show both the Gothic self-sufficiency that France achieved during this period and its unique approach to Renaissance modernity in terms of their overwhelming power, the depth of introspection that connects reality with the transcendental world, and the heightened imagery that connects clarity with the dramatic world. The same can be said about "The Burning Bush" by Nicolas Froment (c. 1430-1483/1484), who was also active in Aix.

Fouquet, an outstanding artist who painted at the court of the Loire Valley, achieved a new sensibility that was truly Renaissance and French, blending French Gothic, Flemish and Italian influences. Very few of his works remain, but his Portrait of Charles VII and Jouvenel des Joursins (both at the Louvre) and Moulins Altarpiece (Royal Museum of Fine Arts, Antwerp) all show a unique modernity in their keen observation of human nature, clarity of form and color, and abstraction.

In painters who inherited this world of Fouquet, such as the "Moulins Painters," we can see the modernization of French sensibility, which harmonizes worldliness with sensitivity, clarity of vision with introspective observation.

[Kimio Nakayama]

The First School of Fontainebleau and Mannerism

However, it is interesting to note that, as if ignoring the efforts of these French artists, the French kings of the time, including Charles VIII, Louis XII, and Francis I, continued to be interested in Italy. And it seems that their ambitions of conquest were inextricably linked to an irrepressible interest in the new Italian culture and its breath. It is well known that Francis I treated Leonardo da Vinci well in his final years. With the intention of recreating the Italian Renaissance, he invited Italian architects and painters one after another to renovate and expand the Château de Fontainebleau. Not only that, he even set up a tapestry factory, a bronze foundry, a furniture factory, and a printing press within the annex of the chateau. He probably dreamed of the glory of being a Renaissance monarch who engaged in intellectual and artistic activities.

Many artists came to Rome, including Rosso Fiorentino, Francesco Primaticcio (1505-1570), Niccolo dell'Abbate (c. 1509-1571), Cellini, Vignola, and others. Needless to say, they were all Mannerist painters, craftsmen, and architects who had already made a name for themselves in Italy. Their art, which added fantasy and sensuality to classical mythology and favored intellectual games such as metaphor, allegory, and symbolism, was combined with the elegance, refinement, and pleasure of the court to create a world that was even more unique than that of Italian Mannerism.

However, the original characteristics of France, and the Renaissance atmosphere of Francis I and his brothers were not entirely lost. The intellectual gaze and psychological observations in Clouet's portraits of Jean and Francis, who served the kings of Fontainebleau for two generations, are also connected to Fouquet's portraits, and show the state of the French Renaissance.

[Kimio Nakayama]

17th century

Second School of Fontainebleau

The accession of Henry IV to the throne and the restoration of peace brought back the vitality of young artists to France in the early 17th century. The expansion and renovation of Fontainebleau Castle and the Louvre Palace also began, and urban remodeling of Paris was also undertaken. The Place des Vosges that remains today is a vestige of the modern urban planning of the time. The so-called Second School of Fontainebleau, which was active under Henry IV, was composed of French artists, unlike the First School of Fontainebleau under Francis I. However, all of them died in the early 17th century, and Henry IV himself met a tragic end in 1610, after only 11 years on the throne. Therefore, the great series "Life of Marie de' Medici" by the Flemish master Rubens characterizes the artistic activity in France in the first quarter of the 17th century. The situation changed little by little from this time until the reign of Louis XIV.

[Kimio Nakayama]

The influence of Italian Baroque and the design of the Louvre's east facade

Painters who trained in Italy and returned to France, such as Claude Vignon (1593-1670), Boué, and Jacques Blanchard (1600-1638), naturally adopted the dynamic composition and dramatic emotion of Italian Baroque painting, but they did not lose the clarity of the French style and their work became even more French after they returned home.

After the glory of the Middle Ages faded, France struggled to maintain its identity, torn between the two cultural spheres of Flanders and Italy. However, a symbolic event occurred during the construction of the façade of the east wing of the Louvre. Initially, Louis XIV invited the already renowned Italian architect Bernini to France to design the building. Bernini visited Paris in a royal procession and was treated very well. However, his magnificent plan was eventually rejected. Various reasons are speculated, including budgetary overruns and opposition from French architects, but this event can be considered a display of French nationalism, which was gradually strengthening the country's national power and increasing its prestige as a centralized state. The construction was entrusted to a committee consisting of Lebeau, Claude Perrault (1613-1688), and Lebrun. Like Mansart, who had worked on the Louvre's construction prior to this incident, the east wing was completed as a classical building, excluding Baroque decorativeness.

[Kimio Nakayama]

The Establishment of the Louis XIV Style and the Palace of Versailles

Around this time, the Louis XIV style, which was essentially classical, rapidly took shape in French art, even though it inherited some of the principles of Italian Baroque. The Palace of Versailles was built by Lebeau, Lebrun, and Le Notre. Even after that, the rejection of Italianism and the ideal of classicism as an expression of royal prestige seemed to have been promoted as a deliberate policy by the king's entourage, such as Colbert, rather than by the artists themselves.

A similar situation can be seen in painting. Boué and his disciples also gradually moved from the Italian Baroque to a more clearly decorative style, and Champagne from Flanders entered the restrained world of Jansenism, filled with asceticism and quiet spirituality, at the Abbey of Port-Royal. Georges de La Tour, who started with Caravaggio-style light and genre themes, created a space that could be called religious, with quiet movement in a single light source, an extremely spiritualized religious atmosphere, and almost abstract human bodies.

In contrast to La Tour, who was active in the provincial environment of Lorraine, the peasant paintings of the Le Nain brothers (Louis, Antoine and Mathieu), so-called peasant painters, also present the weight of individual human existence in quiet, restrained light and shadow. It remains unclear what purpose or customer these peasant paintings were intended for, but they contain a baroque sentiment that exalts human existence to an extreme degree, and a sincere and astonishing attitude of French classicism in the face of such existence. In fact, there is no doubt that the rise of classicism surpassed the initial political nationalism and elevated 17th century French art to a certain pinnacle.

[Kimio Nakayama]

Poussin, Rolland and the Rise of Academicism

The outstanding painters Poussin and Claude Lorrain (Claude Gerret) were also at the core of Academism, which was the promotion of nationalism created by Colbert and others. Both Lorrain and Poussin studied in Italy and spent most of their lives there. Needless to say, what they learned was not the Baroque of the time, but the genuine Italian Renaissance, or the glory of antiquity, which was its source. Their outstanding talent and many works were enough to lay the foundations of the French Academy. Poussin produced many mythological, historical, and religious paintings, and realized a methodical order in the composition and arrangement of the paintings. On the other hand, Lorrain, who liked landscape paintings, especially seascapes and harbor paintings, found magnificent poetry in the synthesis of classical stories, architectural composition, and natural light.

Needless to say, many other artists were active around these two painters. It could be said that the Classical period was a time when French art, torn between Gothic and Mannerism and not fully baptized by the true Renaissance, experienced it belatedly with its whole body. One painter who caught my eye during this period was Lubin Baugin (1610-1663), who painted still lifes with extremely clear and geometric order. It seems that what he was trying to know was a world where nature and ideals were united, a Renaissance experience of the poetry of space.

[Kimio Nakayama]

18th century

The emergence of sensualism

In any country, social history and art history are naturally inseparable, but in France, the changes are remarkable because both social change and aesthetic trends are constantly changing and stimulating each other. At the end of the last century, toward the end of the reign of the Sun King Louis XIV, a backlash began to emerge. Rubenstianism (a tendency to favor color and free-form dynamism, a sensualist trend) was born against Poussinism (classicism that emphasizes line and formal order). A simple life, but one that is not lacking in charm and delicacy, a private lifestyle, was preferred against the extravagant ceremonial life of Versailles. The valiant era of warriors was over, and a salon-style social life dominated by women (of course for that time) was preferred, and lightness, smallness, cuteness, individuality, in other words, "freedom" was sought.

Just when this new desire was becoming unbearable, the death of Louis XIV was announced, heralding the beginning of the regency of Philippe, Duke of Orléans. In January 1716, four months after the death of Louis XIV, a ball for the common people was held at the Opera, and the long-banned Italian comedy was lifted.

[Kimio Nakayama]

Rococo and Pompadour style

The changes to the new era were evident in everyday life itself, and then extended to the decoration of the spaces for daily life, costumes, accessories, furniture, and crafts. The asymmetrical decoration, the extensive use of white mirror panels, and the emphasis on delicacy and fantasy created a light, dreamy, feminine space. An example is Bouffran's Salle du Soubise (1737). The exterior of the Petit Trianon (1768) built in Versailles by Ange-Jacques Gabriel (1698-1782) was already in vogue for classicism, and was in an even simpler Corinthian style.

Furniture was widely used not only by the nobility and wealthy citizens, but also by the middle class and farmers, and the names of furniture makers began to remain. Pottery production was also thriving, and the development of Meissen porcelain in Germany prompted the establishment of the royal pottery factory, the Sèvres Manufactory. Tapestry was also produced in various places, and painters and designers provided a wealth of fascinating themes and images for these decorative crafts.

The name "Rococo" evolved from a derogatory term for "rocaille decoration" to a general term, and strictly speaking refers to the period from the Regency to the early reign of Louis XV. After that, the name "Pompadour style" was used, named after Madame de Pompadour, who was favored by the king and led art and culture together with her brother, the Marquis de Marigny, who was the general director of architecture. Furthermore, in the mid-18th century, there was a shift to a new classicism, which became popular with the discovery of the ruins of Pompeii. The period of essentially Rococo tastes continued until the arrival of classicism (also known as neoclassicism) around the time of the Revolution.

[Kimio Nakayama]

Watteau and Boucher

Antoine Watteau, a painter who expressed the "freedom" of human nature through this kind of taste and simple everyday aesthetics, symbolizes the state of this century. Watteau depicted the transience of life, the ceaseless movement of the heart, and ultimately the "freedom" that is not bound by anything, through poetic reverie, stage plays, dances, and outdoor parties. He showed a world that contrasted with the people of the previous century who were attracted to greatness and nobility. These were things that were criticized by the moral climate and heroism around the time of the Great Revolution, but it can be said that true freedom was rather obtained by the establishment of a sensory freedom that was close to this "libertinage". Watteau's style of painting was welcomed by the Academy, at least at first, and was named "paintings of elegant banquets (fête-galantes)". Thus, many elegant banquet painters were born around Watteau.

Boucher, who was active in all fields of decorative arts from the end of the Regency period to the reign of Louis XV as director of the Gobelins Manufacture, painter to the king, and president of the Academie, and who left behind 1,000 oil paintings and 10,000 drawings in his lifetime, also left behind 180 etchings of Watteau's works in his youth. Riding the trend of classicism, his world, which gave brightness and dignity to Rococo dreams and sensual subjects, can be said to be the source of the secular and popular elements that French art gave to modern painting.

[Kimio Nakayama]

Chardin and Fragonard

Needless to say, alongside the fantasies of elegant banquet paintings, a steady approach to people, objects, and nature gradually appeared in painters' field of vision as the middle class grew. Needless to say, Dutch landscape and still-life paintings also had an influence. The most outstanding of these painters is Chardin. Recognized by the Academy with "The Red Roof," Chardin first approached the existence of objects in our everyday field of vision with kitchen still-lifes, hunting prey, and allegorical still-lifes, and then approached the everyday customs of the Parisian middle class with works such as "The Castle of Cards" and "Prayer before Meals." In his later years, he established the existence of the common people with his self-portraits and portraits of Madame Chardin. Although he belonged to the Academy his whole life, the middle class was not necessarily well-treated, but their outstanding self-awareness, along with other still-lifes and genre paintings, have become one of the indicators for the 19th century Impressionists and later.

The Provencal-born Fragonard, who left behind many "whimsical portraits" that were completed in less than an hour with "one pose, one louis in gold," was probably the last Rococo painter of this century. This painter, who combined the dreaminess and whimsy of Watteau with the sensibilities of the common people, was also a pioneer of romantic landscape painters.

[Kimio Nakayama]

Robert and Houdon

Hubert Robert (1733-1808), a friend of Fragonard's during his study abroad and painter of the king's gardens, also produced pre-Romantic landscapes and paintings of ruins.

Sculptors, too, have broken away from the baroque or classical conception of man, and have turned to character and psychological depictions with a keen and merciless eye, such as Houdon.

[Kimio Nakayama]

Antique taste and reaction against Rococo

For David and other painters around him, the ancient taste, which was only a part of the Rococo taste, became a social ethic and a spiritual norm before and after the Revolution. Even though a backlash against the Rococo had begun, David's heroism at least had a highly sentimental element, and on the other hand, it also contained a role as a testimony of the bloody reality of the Revolution.

[Kimio Nakayama]

19th century

David's Neoclassicism and the Beginnings of Romanticism

From the Revolution to the Napoleonic era, classical painting, centered around David, enjoyed its heyday. However, as David's masterpiece "The Coronation of Napoleon" (1801) shows, it is impossible to deny the change from ascetic neoclassicism to extravagant and festive paintings. On the other hand, it is also true that portraits of new classes of citizens and soldiers in this new era began to lead painters' eyes to realistic human observation. Because of the high fees David could charge, his students, Gros, Anne-Louis Girodet (Girodet Trioson), and Baron François-Pascal-Simon Gérard (1770-1837), began to paint more of Napoleon and his army's battles, and their works were inspired by the dramatic nature of the battle scenes, and their experiences abroad enhanced their taste for exoticism. In the 18th century, the influence of the East had already been flowing into French culture in various forms, but his military experience accelerated this trend. In this way, the romantic atmosphere gradually permeated the classical painters. The revolution liberated the individual, and each painter sought to expand his or her ego. Having lost orders from the court and the church, painters had to present and assert their own world.

[Kimio Nakayama]

Ingres and Delacroix

Thus was created a long-running conflict between Ingres, who succeeded David as the leader of the Official Painting school and neoclassicism, and the Romantic school led by the independent Delacroix.

However, in reality, the new classicists such as Ingres were academic in style and technique, but they also contained sweet romantic elements in terms of theme and mood. Ingres, a master of the classics, left behind many portraits, which show his sharp observation and meticulous depiction of the emerging classes. Society, nature, and humans became more important elements in the life of citizens after Napoleon. Everydayness, empirical evidence, and social awareness as citizens opened up new perspectives.

[Kimio Nakayama]

New developments in landscape painting

It was in the 18th century that landscape painting began to develop again, when painters such as Corot, Millet and Daubigny, who gathered in the Forest of Fontainebleau and the village of Barbizon, began to focus exclusively on landscape painting. Corot moved from the bright and elegant landscapes he had studied in Italy to painting softer landscapes such as those of the Seine Valley mixed with classical poetic ideas, as well as portraits of women that were also full of poetic emotion. Millet, who rarely returned to his hometown but still painted every aspect of peasant life, including work, family life and seasonal scenery, is thought to have been an assertion of the poor peasant class that had not been sufficiently improved even by the Revolution.

[Kimio Nakayama]

Daumier and Courbet

Similarly, Daumier paints political caricatures as a source of life, while on the other hand conveying the lives of the poor urban workers in its dark, poetic atmosphere.

Courbet boldly denys traditional subjects and declares that he will paint a visible real life. To follow this claim, he held a solo exhibition at the World's Fair in 1855, which included works that were rejected, and called the "Le Rayriist." He not only challenged the traditional academism tradition in terms of subject matter, but also challenged traditional painting techniques using strong coating using palette knives.

[Kimio Nakayama]

Establishing citizen life and changing consciousness

In fact, from the second imperial era in the middle of the 19th century to the relatively quick recovery from the pain of the Franco-Prussian War and the Paris Commune, the establishment of civic life changes its perspective. The urban remodeling of Paris, the development of transportation networks, the emergence of trains and steamships, the development of bridges and ports, the use of steel frames, and the modernization of industry not only changed the concrete view, but also changed the image of consciousness, or the sense of time.

Without waiting for Courbet's declaration, the world supported by academism was already beginning to collapse. However, not only academism itself, but also the general public did not believe in its superficial changes, creating a tragedy that new eminents and Impressionist painters were not accepted by society for quite some time. The scandal of Manet's Lunch on the Grass, which was exhibited at the 1863 exhibition in the salon, and Olympia, which became a salon in 1865, shows the gap between the old and new perceptions of the old and new perceptions.

[Kimio Nakayama]

Appearance of Impressionism and Establishing Daily Vision

The first Impressionist Exhibition in 1874, where painters who gathered as a pre-emptive impressionist questioned their first achievements, were also subject to scandals and neglect, except for a small number of people who understand and resonate, indicating the difficulty of realizing change.

になったんです。 English: The first thing you can do is to find the best one to do.

In painting such "modern life," we use a technique in which we create outdoors to depict the brightness and changes in light that our everyday vision has, and instead of mixing paint on a palette, we apply a technique in which we line up several brushes and place spots of primary colors, and mix them within the visual to obtain an expression of the effect of light. Therefore, we adopt various principles such as not using black.

They have not only established the everyday vision of the modern civic class, but also established the accompanying consciousness, a sense of happiness, and a view of nature that captures changing things. Impressionism itself only received social recognition in the 20th century. However, since then, as its market prices suggest, it has gained a great deal of sympathy. Furthermore, the spread of Impressionism to various countries has been transmitted to other countries, as if it were accompanied by the growth of citizens' consciousness with the establishment of modern society.

[Kimio Nakayama]

Neo-Impressionism and Late Impressionism

Around 1890, various changes emerge as we approach the so-called "end of the century." Impressionist painters themselves, realizing that Impressionist works depicting real life were not fully accepted by society, gradually entered into their own lonely lives and landscapes. Monet, who retired to Giberny, Cezanne, who painted alone in Aix, and Sisley, who was less fortunate than anyone else around Moret. However, this loneliness further heightened their landscape.

Eventually, the Neo-Impressionism of Seurat and Signac, who tried to make the work of Impressionism even more scientifically precise. Lautrec, Gauguin, and Van Gogh, also studied impressionism and painted works with a more assertive subject and style. Impressionist painters, at least in the early stages, trusted and praised the new modern society to which they belong, but the next generation of Lautrec and the others were clearly aware of the tragic gap between society and themselves. These Lautrec and Gauguin are sometimes referred to as late impressionism.

However, the characteristic phenomenon of the end of the century is the heyday of "symbolicism," which seems to have appeared as a more broad cultural phenomenon, and the extremely widespread trend of the "Art Nouveau" hobby.

[Kimio Nakayama]

Symbolicism and Art Nouveau

This was already beginning to become clear in the Impressionist era, but the idea of ​​modern progress, scientific empiricality and advancement through technological innovation is frustrating. For example, the harshness of the work of the machinery industry has created friction in society and political conflict, and the maturity of civil society has produced various degradation and corruption phenomena. Thus, as if to oppose the Impressionist worldview that was an optimistic affirmation of reality, art expressions that emphasize symbolism, fantasy, and innerity occur throughout Europe. In France, Redon, who looked at the inner world in a meticulous craftsmanship, depicts the transcendence of the mythical world, and Puvis de Chabannes, who painted the murals of the quiet poetry of a classic paradise.

In literature, the symbolism of Marlmet and others treated Gauguin as an art symbolist, and the Navisian group, a group of young artists founded with Gauguin's teachings, is also part of French symbolism.

On the other hand, the end of the century was immersed in the fields of furniture, crafts and interior decoration, and was also immersed in the global waves of Art Nouveau from the 1890s to the early 20th century. In this case, like symbolism, France was one of the important sources.

になったんです。 English: The first thing you can do is to find the best one to do. Examples include Castel Bellanger, a home, and Guimard, who designed the decorations for the entrance to the Paris metro.

If we continue to observe further, we will learn that much of the art nouveau decoration often contains symbolic meanings, as Galle's works typically show, and conversely, that curves clearly act on the composition of late, neo-Impressionist, and symbolic paintings.

[Kimio Nakayama]

The 19th century as an era of painting

Each era has an art that plays a leading role. The 19th century was clearly an era of painting. It was also a relatively small size of oil paintings framed in picture, that is, smaller in size compared to the murals that adorn the interiors of palaces and churches up to the 18th century. Of course, there were no painters in this era who painted murals and large works for architecture, like Delacroix and Chabannes. However, these were exceptional orders and fewer opportunities to be seen. The majority of artists who ordered art were civic class, and would have been great if they were large enough to decorate the walls of their homes and villas. The same reason was that the subjects were preferred by the everydayness of the landscape, customs, still lifes and portraits. Therefore, painters focused everything on realizing their world within the square frame frame, without much concern about the wishes of the orderers, their suitability to architecture, or their subject matter, or rather, without being able to imagine them.

[Kimio Nakayama]

19th century architecture and sculpture

Clearly, architecture in the 19th century was an incidental art. Classicism trends include ancient styles, romanticism uses retrospective Gothic revivals, and later reconstruction of the dynasty styles, and eventually become eclectic. Of course, there are several important monuments in Paris, including the Arc de Triomphe, the Opera and the Eiffel Tower, and it remains the center of Paris' urban landscape today. However, what is even more important in architecture is the development and creation of the new Parisian city.

The sculptures were also not always active, losing many of the public orders. David d'Angers (1788-1856), Lude and Carpoux, such as the so-called "Roman Prize" sculptors, were sent to Italy, but only a few venues have been given to present monumental works, such as the Arc de Triomphe on the Place de la Etoard and the Pantheon in Paris.

National projects suddenly declined, and as a result, local governments or private organizations and associations have narrowly become the orders of sculptors since the Third Republic era. The Paris City Hall, which has been built since 1874, decorated the building with 230 sculptors portraits of the great people of Paris. The Balzac statue of Rodin was ordered by the Association of Literature, and the plaster statue was exhibited at a salon in 1898, but the association refused, and the bronze statue was finally on Rue Laspail in 1939. Even Rodin had to be reeled in the form of a salon. However, Rodin's sculpture, which was internally poetic, sensible, and sometimes passionate, externally naturalistic understanding of the form, and the fleshing of light and shadow, was the establishment of modern sculpture.

[Kimio Nakayama]

20th century

Impressionist perception

From the end of the 19th century to the early 20th century, Van Gogh, Lautrec, Gauguin, Pissarro, and Cezanne passed away one after another. The 1901 Paris World Exposition revealed the victory of Art Nouveau, but the "Centenary of French Painting" at this time was also the first expression of the social and public recognition of Impressionists. Retrospectives of the posthumous Impressionists and Late Impressionists who passed away were held one after another, and the results of impressionism and late Impressionism were once again engraved on young painters. In particular, the retrospectives of Van Gogh, Gauguin, and Cezanne had a shocking effect.

[Kimio Nakayama]

Forbism and Cubism

1900 was the year Picasso first stayed in Paris, and Black also went to Paris in the same year to enroll in the School of Beauty, but it was not long before the two met. 1901 was the year in which Matisse, who had already met Doran and Marquet and others at the School of Beauty, met Bramanc, who had already met Doran, who had his studio in Chatoux, near Paris, to introduce Doran. Thus, in 1905, a group called "Fobe" was born in a room at Salon Dautonne, and a few years later, Picasso drew the earliest Cubism's work, "Daughters of Avignon," and soon met Black. Black also painted Cezanism's works, which attempted to simplify things into squares and cylindrical shapes, and realized a new visual revolution.

Since the Renaissance, Western painting, which has developed based on the fundamental principles of realism, has never abandoned the fact that it is a form and color that anyone can recognize, even if it depicts the form and color of nature quite arbitrarily. In the same way, the principles of perspective that make up space continue to be observed. Cezanne, Van Gogh, and Gauguin remain within the frame by the last line. In contrast, Forvism overturned the norms of realism in terms of color, and Cubism of Picasso and Black have made a similar revolution in terms of form and perspective. The former is a revolution in emotional and expressiveness, while the latter is a revolution in intellectual understanding and modeling logic of reality.

What prompted Faubism begins with the recognition of the value of color itself through the expressionist use of color in the works of Lautrec, Van Gogh and Gauguin, and neoplasticism, especially Signac's highly coloured pointilism. Cubism, on the other hand, begins with the stimulation of Cezanne's simplification of object and multi-view perspective, which Cezanne had already used extensively, and the stimulation of African black and Iberian sculpture.

End of the century Europe was finally recognizing different cultures not merely as muscular interests or exotic feelings, but as independent cultures themselves, and trying to acquire new vision. The emotional stimulation of the new era of the 20th century and the image of the mechanical age overlapped therewith. Both Forvism and Cubism, with the obstacles of World War I, played their roles as groups in a short time and were resolved in an advanced manner, but became essential for art in the 20th century.

[Kimio Nakayama]

Montmartre and Montparnasse

Before World War I, Montmartre, and after that, Montparnasse gradually became more popular, but the emerging residential areas with low prices and rents became a den of artists, literary scholars, students, foreigners and exiles, making Paris an attractive world city just as attractive as medieval Paris. Many foreign artists gathered together to enjoy their youth, creating an atmosphere of solidarity.

[Kimio Nakayama]

Ecole de Paris

になったんです。 English: The first thing you can do is to find the best one to do.

[Kimio Nakayama]

World War I to the 1920s
Cubism's development and Surrealist

During World War I and after the war, Cubism changed from an analytical Cubism to a comprehensive Cubism, and Picasso himself revived the classical image of humanity as if to enjoy the restoration of humanity after the war, but Cubism's principles, the restored naturalism and humanism, also appear in the works of many painters.

On the other hand, this peaceful 1920s was also the era of Breton's declaration of surrealistism. Surrealists have one of the origins of the Duchamps and his friends, which occurred in Zurich, Switzerland during World War I. Under Freud's influence, new images emerge through the combination of an attitude of looking at the irrational world under consciousness, a kind of automatic description, and a combination of methods such as frottage and collage.

[Kimio Nakayama]

Orphism and the Road to Abstract

On the other hand, schools derived from Cubism prepare the path to abstraction, such as Robert Delaunay's Orphism, for example, to futurist or, if you look at it in a different way. In fact, Kandinsky in Germany and Mondrian in the Netherlands approached abstraction early, and eventually the direction of creating the heyday of abstraction in the 1930s and after World War II was determined.

[Kimio Nakayama]

Chagall and Milo

Chagall, who has been strongly stimulated by Cubism, and Milo, who is from Spain and has had more contact with Surrealists, together create a world that can be called Surnaturalism. Between nostalgia for fabrics and the shape of Paris, Chagagur continues to create images that ignore the gravity and other laws of nature. Milo connects with nature and the universe, and creates a unique world through symbolization and symbolization techniques.

Thus, from the end of World War I to the Great Depression of the late 1920s, French art presents a variety of directions with an incredible variety of talent, and often these greedy talents have incorporated in part other alien techniques and directions to make them more lively.

[Kimio Nakayama]

Leger, Bonnard, Builard

As if urging by Picasso, who temporarily revived classical revival and praised humanism, and in search of a "return to order" after World War I, a kind of classicist direction blends with the abstract direction or connects with surrealism. The synthesis of human and machine images and praise for mechanicalism arises from the synthesis of Cubism and classicist orientation. Bonnard and Buillard look at indoor and rural life with a more vivid gaze than in the Navitic period.

[Kimio Nakayama]

The spread of print albums and stage art

It is also worth noting that there have been a huge amount of print albums being produced and sold since this period. At the end of the 19th century, Bonard and Lautrec began to lay hands on posters that had been left in the hands of specialist poster artists until then, prints began to spread rapidly under the name of popular art. Art dealers Bolard became publishers and provided work to painters. Almost all painters, including Rouot, Picasso, Matisse, Chagall, and Bonard, published albums that display stories and poetry collections while exploring print techniques.

Many painters also worked on the stage sets and costumes for plays, ballet and opera, while Duffy and others supply fashion designers with the patterns and styles of costumes. Furthermore, in the gorgeous semi-social world (Domi Monde), where high-class prostitutes appear, Van Dongen and others reigned as gorgeous portrait artists.

[Kimio Nakayama]

1930s

Not only is the economic slowdown caused by the Great Depression, but the political environment of this era gradually casts a shadow of an uneasy foreboding the world of art. On the surface, the atmosphere and glamour continued to be more mature than in the 1920s, but perhaps the tension of the era between the two wars was instinctively perceived.

In the 1930s, there was an atmosphere that made the impression that their movement would finally come to fruition. This was because anxiety and rejection of reality fostered a spirit of abstraction. In 1932 a group of painters seeking non-fictionalism was formed in Paris. The group, named "Apstraxion Claision," was the group of painters who were the group Mondrian, Kandinsky, Robert and Sonia's Delaunay, Pebsner, Gabo, Nicholson and Brancusi.

Eventually, in the late 1930s, anxiety began to become a reality. Picasso's Guernica and Dali's Premonition of a Civil War were depicted. Fascist "Degenerate Art Exhibitions" were held all over Germany, and war was eventually opened, and many painters left Paris or fled to America.

[Kimio Nakayama]

Sculptures from the first half of the 20th century
Writers of Bouledel, Mayor and Section d'Or

Bouledelle, who served as a long-time assistant under Rodin, can be considered the inception of French sculpture in the 20th century. By interfering with the bulkiness and tactile nature of the sculpture with the space that envelops it, Bouledelle's sculpture, which inherited Rodin's techniques and spirit, which gave life to modern sculpture, while also providing a constructivist, architectural dynamic, revealing a trend of the 20th century. Mailère, who also debuted under Rodin's influence, revived a bright classic human expression and revitalized Mediterranean sensibilities.

The history of paintings in the first half of the 20th century, which naturally flowed in the direction of non-figurative and abstraction, naturally influenced sculpture, including the names of sculptors who joined the "section dolls" such as Laurence, Lipschitz and Arkipenko.

[Kimio Nakayama]

Sculpture by the painter

It was quite common in this century for many painters to attempt to sculpture, and sculptors to demonstrate their talents and intentions in other fields. For example, the names of Degas, Gauguin, Modigliani, Matisse, Picasso, Black, Dali and Milo. This is extremely interesting as an expression of the point in which pictorial vision corresponds to and comes into contact with the sculptural touch.

[Kimio Nakayama]

The influence of sculptures from other civilizations

It is also worth noting that many of them have been learned and started from the sculptures of other civilizations, rather than from the history of European sculpture. Gauguin created their sculptures from the folk sculptures of Latin America, Oceania, or Brittany. Picasso often draws hints from prehistorical sculptures that remain in black Africans and museums along the Mediterranean coast. Modigliani's sculptures include revelations of African sculptures, in addition to the medieval sculptures of Northern Italy. These alien forms teach that, for example, European sculptures, which have pursued only bulk spaces and full spaces, that imaginary spaces are also an important element of sculpture. Although these later modern sculptures and three-dimensional sculptures, such influences could only be achieved in the free environments of France in the early 20th century.

[Kimio Nakayama]

The idea of ​​the object

Meanwhile, Dada and Surrealist also established the idea of ​​"objects," causing a revolution that could become a negative opportunity for the very existence of sculpture. The softening of the form in Surrealist played the same role by making the mass itself an amorphous shape.

[Kimio Nakayama]

Cubism Sculpture and Purism

The victory of Art Nouveau was a state of architecture and crafts in the early 20th century, but in 1912, sculptor Raymond Duchamp Billon designed the Cubist Hall, exhibiting the works of Jacques Billon, Laurent-Saint, and Roger de La Fresnaye (1885-1925) causing scandal. Unfortunately, Duchamp Billon was killed during World War I, but in a book called "After Cubism," Le Corbusier and Ozanfan advocated the need for modernism to France, and in the magazine Esprit Nouveau (1920-1925), he advocated the Purism, which preached the "purification of the language of sculpture" in various arts.

[Kimio Nakayama]

Post-World War II art
"1946: Revival of Art" Exhibition

During World War II, many artists scattered, and Picasso and a few artists were able to continue their work in Paris, but they had to continue their lives tolerance during all wartime, including shortages of supplies, and dark and patient productions under the surveillance of the German army. This is proof of this. Many artists fled to America, or even continued to produce in rural areas. Nevertheless, the production was made, and exhibition attempts were secretly made. Therefore, the revival of art after the liberation of Paris seemed surprisingly quick.

になったんです。 English: The first thing you can do is to find the best one to do. The basic driving factors of the art are either war memories or hope for the postwar world, and the techniques unfold freely as if to respond to the theme.

[Kimio Nakayama]

Arts and Society

From this period onwards, French art has been shaken up for quite some time by issues of wartime cooperation with Germany, as well as political and social participation, as symbolized by Picasso's entry into the Communist Party. The society or country of France often calls for social participation in the art, for example, from the Louis XIV era, during the Revolution, and during the Napoleon era. This can also be considered to be useful in the sustaining and manifestation of French-like things, both in the good and bad senses.

[Kimio Nakayama]

The heyday of abstractism and the unformel
The rise of abstractism

A "Specific Art Exhibition" was held in Paris shortly after its liberation in 1945. This exhibition features pre-war works by Mondrian, the Alpes and Delaunay, as well as wartime works by Kandinsky and Pebsner. Mondrian, who had fled to America, and Kandinsky, who had settled in France since 1933, coincidentally, they passed away in 1944. However, the younger generation who started out with their works had already grown up.

1945年設立の「サロン・ド・メ」展、翌1946年の「サロン・デ・レアリテ・ヌーベル」展は、ともに若い世代、それも抽象傾向の画家たちが顔をそろえている。バゼーヌ、エステーブMaurice Estève（1904―2001）、シュネデールGérard Schneider（1896―1986）たちである。

[Kimio Nakayama]

アンフォルメルの衝撃と拡散

抽象の方向には、先駆者モンドリアンとカンディンスキーにみられるように、幾何学的抽象と叙情的抽象の差があったが、それらはしだいに、ほとんど区別しがたいほどに接近し、あるいは半抽象に近い画風も現れ、一般的には表現主義的傾向を内在させることになった。こうした状態のなかで、批評家ミシェル・タピエが1951年、ボルス、マチュー、ポロック、デ・クーニングなどフランス外の画家たちをも含む展覧会「対立する激情」を開催し、翌年にはファルケッティ画廊の店主となって「アンフォルメルの意味するもの」と名づけられた展覧会を催している。「抽象的でもなく具象的でもない」マチエールや線の発する内面的な世界の発現で、新しい時代の『別の芸術』（タピエが1952年に刊行した小冊子のタイトル）を主張するこの運動は、戦後の一時代をつくるほど国際的な広がりをもち、インパクトをもった。

フォートリエの『人質』の連作、デュビュッフェの仮面や偶像たち、ボルスの形態を喪失し、それでも生きようとするとき内部で何かをはじけさせずにはおかないといった作品群、ミショーの遠い彼方を見つめるインクの詩。いずれも内的な激情によってしか描きえない精神のあり方を示している。

タピエの運動は、1950年代末から1960年代なかばにかけて、さまざまな方向へと拡散することによってエネルギーを失い始める。マチューなどのパフォーマンスによって、作品より行為へと拡大してゆくとき、もはや絵画の領域ではなくなる。また国際的な連帯、とりわけアメリカの現代絵画と結び付いたが、いつのまにか舞台はアメリカとなっていたのである。そしてフランスは、いつのまにか独自の、内的なモチーフを見失いだしていた。

若い世代の伸び悩みを埋め合わせるかのように、戦前からの巨匠たちはいずれも長命であり、大量に作品を制作し、話題性に事欠かなかった。また美術館の整備は進み、良質の展覧会が多くの観光客をひきつけている。

[Kimio Nakayama]

『ミシェル・ラゴン著、小海永二訳『美の前衛たち フランス現代絵画』（1962・美術出版社）』 ▽ 『篠田浩一郎著『フランス 美と歴史を歩く』（1977・美術出版社）』 ▽ 『京都国立近代美術館編『フランスのポスター美術 18世紀から現代まで』（1979・講談社）』 ▽ 『池上忠治著『フランス美術断章』（1980・美術公論社）』 ▽ 『『原色世界の美術1 フランス1 ルーヴル美術館』『原色世界の美術2 フランス2 パリの美術館』（ともに1983・小学館）』 ▽ 『岡部あおみ著『アート・フィールド フランス現代美術』（1992・スカイドア）』 ▽ 『鈴木杜幾子著『ナポレオン伝説の形成――フランス19世紀美術のもう一つの顔』（1994・筑摩書房）』 ▽ 『フランソワーズ・ルヴァイアン著、谷川多佳子ほか訳『記号の殺戮』（1995・みすず書房）』 ▽ 『エミール・カウフマン著、白井秀和訳『理性の時代の建築 フランス篇 フランスにおけるバロックとバロック以後』（1997・中央公論美術出版）』 ▽ 『井出洋一郎著『フランス美術鑑賞紀行1 パリ編』』 ▽ 『井出洋一郎著『フランス美術鑑賞紀行2 パリ近郊と南仏編』（ともに1998・美術出版社）』 ▽ 『山梨俊夫・長門佐季著『フランス美術基本用語』（1998・大修館書店）』 ▽ 『天野知香著『装飾／芸術 19―20世紀フランスにおける「芸術」の位相』（2001・ブリュッケ）』

[参照項目] |アミアン大聖堂|アール・ヌーボー|アングル|アンフォルメル|印象主義|ウードン|エコール・ド・パリ|オザンファン|オブジェ|オルフィスム|カルポー|ガレ|カロリング朝美術|カンディンスキー|キスリング|ギマール|キュビスム|教会堂建築|クルーエ（父子） |クールベ|グロ|ゴシック美術|古典主義|コラージュ|サロン・ドートンヌ|サン・ドニ修道院|シャガール|シャルダン|シャルトル大聖堂|シャンペーニュ|シュルレアリスム|象徴主義|ジロデ|スーチン|ステンドグラス|セーブル磁器|退廃芸術展|ダダ|ダビッド|チェッリーニ|抽象美術|デュシャン|デュシャン・ビヨン|デュビュッフェ|デュフィ|ド・スタール|ドービニー|ドーミエ|ドラクロワ|ドラン|ドローネー|ドンゲン|ナビ派|ノートル・ダム大聖堂|バシリカ|バゼーヌ|パフォーマンス|バロック美術|ビュイヤール|ピュビス・ド・シャバンヌ|ピューリスム|ビヨン|風景画|ブーエ|フォートリエ|フォービスム|フーケ|プサン|ブーシェ|藤田嗣治|フラゴナール|ブラマンク|ブールデル|フロッタージュ|ペブスナー|ベルサイユ宮殿|ボナール|ボフラン|ボールト|マイヨール|マニエリスム|マルケ|マンサール|ミショー|ミロ|ムーランの画家|メロビング朝美術|モロー|モンドリアン|ラ・トゥール|ランス大聖堂|リプシッツ|リュード|ルイ王朝様式|ル・ナン（兄弟） |ル・ノートル|ルブラン|ルーベンス|ルボー|レジェ|ロカイユ|ロココ美術|ロッソ・フィオレンティーノ|ロマネスク美術|ロマン主義美術|ロラン|ローランス|ワトー
Amiens Cathedral
The west facade of the cathedral is a representative example of French High Gothic. The sculptures decorating the three entrances are the source of the late 13th century style. World Heritage Site "Amiens Cathedral" (France, registered in 1981) Amiens, France ©Shogakukan ">

Amiens Cathedral

Eiffel Tower
Built for the 1889 Paris World's Fair, it was the tallest steel tower in the world at the time. It is said that 7,300 tons of wrought iron were used in its construction. It is 324 meters tall. Part of the World Heritage Site "Banks of the Seine in Paris" (France, registered in 1991) France, Paris ©Shogakukan ">

Eiffel Tower

Arc de Triomphe
A victory monument standing in Place Charles de Gaulle. It was designed by French architect Chalgrin at the command of Napoleon in 1806 and completed in 1836. It is 50m high, 45m wide, and 22m deep. The tomb of the Unknown Soldier is placed directly under the great arch. France Paris ©Shogakukan ">

Arc de Triomphe

Chartres Cathedral
This is a representative French building that retains the characteristics of the transitional period from Romanesque to Gothic style. The photo shows the west facade. The facade, excluding the rose window, and the two north and south towers survived the fire of 1194. The height of the south tower is about 106m, and the north tower about 115m. The three portals (King's Gate) are decorated with sculptures representing "The Birth of Christ," "The Ascension of Christ," and "The Glory of Christ." World Heritage Site "Chartres Cathedral" (France, registered in 1979) Chartres, France ©Masashi Tanaka ">

Chartres Cathedral

Notre Dame Cathedral (Paris)
A typical early French Gothic building. The photo shows the west front. It features two bell towers over 60m tall, with a rose window of 9.6m in diameter attached to the center. Under the rose window are 28 statues of the Old Testament kings. Part of the World Cultural Heritage Site "The Seine River in Paris" (registered in 1991) France Paris ©Masashi Tanaka ">

Notre Dame Cathedral (Paris)

Paris Opera
Originating from the Royal Academy of Music of France, founded in 1669, this is France's leading opera house. The current building was designed by architect Charles Garnier and completed in 1875. It is also called the Palais Garnier (Opera Garnier). France, Paris ©Masashi Tanaka ">

Paris Opera

Palace of Fontainebleau
In the 16th century, Francis I, who was devoted to the Italian Renaissance, invited painters, sculptors, and architects from Italy to complete the palace. It was expanded and remodeled several times after that, but it fell into ruin during the French Revolution and was restored by Napoleon in the 19th century. Part of the World Heritage Site "Palace and Gardens of Fontainebleau" (France, registered in 1981) Fontainebleau, France © Fujino Yuya ">

Palace of Fontainebleau

Place des Vosges
Place Royale (King's Square) was built by King Henri IV. It was completed in 1612 and renamed to its current name in 1800. It is located in the Marais district (4th arrondissement), east of the Paris City Hall. France, Paris ©Masashi Tanaka ">

Place des Vosges

Reims Cathedral
A Gothic cathedral built in the 13th century. The west façade (pictured) was completed in the 14th century. It is well known as the venue for the coronation ceremonies of successive French kings. Part of the World Heritage Site "Notre-Dame Cathedral, Saint-Remi Abbey and Tau Palace" (France, registered in 1991) France Reims ©Shogakukan ">

Reims Cathedral

Ingres' "The Duchess of De Broglie"
1851-1853 Oil on canvas, Metropolitan Museum of Art

Ingres' "The Duchess of De Broglie"

Courbet's "Landscape at Ornans"
Probably mid-1850s, oil painting , Metropolitan Museum of Art

Courbet's "Landscape at Ornans"

Gauguin "I Adore Mary"
1891 Oil painting , Metropolitan Museum of Art

Gauguin "I Adore Mary"

Corot's "Bille Dubray"
1870 Oil painting , Metropolitan Museum of Art

Corot's "Bille Dubray"

Sisley's "The Bridge at Villeneuve-la-Garenne"
1872 Oil painting , Metropolitan Museum of Art

Sisley's The Bridge at Villeneuve-la-Garenne...

The Fortune Teller by Georges de La Tour
Probably 1630s Oil on canvas, Metropolitan Museum of Art

The Fortune Teller by Georges de La Tour

Seurat's "Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte"
1884-1886 Oil painting , owned by the Art Institute of Chicago

Seurat's "A Sunday on the Island of La Grande Jatte"

Cezanne "Bathers"
1874-1875 Oil painting , Metropolitan Museum of Art

Cezanne "Bathers"

David's "Portrait of Mr and Mrs Lavoisier"
1788 Oil on canvas, Metropolitan Museum of Art

David's "Portrait of Mr and Mrs Lavoisier"

Degas "The Dance Lesson"
1874 Oil painting , Metropolitan Museum of Art

Degas "The Dance Lesson"

Daumier's "The Washerwoman"
Probably 1863 Oil on canvas, Metropolitan Museum of Art

Daumier's "The Washerwoman"

ドラクロワ『レベッカの掠奪』
1846年 油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ドラクロワ『レベッカの掠奪』

Pissarro, "The Tuileries Garden on a Winter Afternoon"
1899年 油彩メトロポリタン美術館所蔵">

Pissarro, "The Tuileries Garden on a Winter Afternoon"

ピュビス・ド・シャバンヌ『諸芸術とミューズたちの集う聖なる森』
1884～1889年 油彩シカゴ美術研究所所蔵">

ピュビス・ド・シャバンヌ『諸芸術とミュ…

Poussin's "Landscape with Saint John on the Island of Patmos"
1640 Oil on canvas (Collection of the Art Institute of Chicago )

Poussin: Landscape with St. John on the Island of Patmos...

ミュシャ『椿姫』
女優サラ・ベルナールを描いたポスター。1896年 リトグラフParisMusées ">

ミュシャ『椿姫』

Monet's "Haystacks, Late Summer"
1890-1891 Oil painting , owned by the Art Institute of Chicago

Monet's "Haystacks, Late Summer"

モロー『オイディプスとスフィンクス』
1864年 油彩メトロポリタン美術館所蔵">

モロー『オイディプスとスフィンクス』

ルソー『ライオンの食事』
1907年ころ 油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ルソー『ライオンの食事』

ルドン『花の雲』
1903年ころ パステルシカゴ美術研究所所蔵">

ルドン『花の雲』

Renoir "On the Terrace (Two Sisters)"
1881 Oil painting (Collection of the Art Institute of Chicago )

Renoir "On the Terrace (Two Sisters)"

ロートレック『ムーラン・ルージュにて』
1892～1895年 油彩シカゴ美術研究所所蔵">

ロートレック『ムーラン・ルージュにて』

Lorrain "Landscape with the Port of Santa Marinella"
Oil painting, around 1639, Paris Museum

Lorrain: "Landscape with the Port of Santa Marinella..."

ロダン『バルザック像』
モンパルナスの中心部、ラスパイユ通りとモンパルナス通りの交点に立つ、フランスの小説家バルザックのブロンズ像。フランス パリ©Masashi Tanaka ">

ロダン『バルザック像』

セーブル磁器（蓋付き花瓶）
1782年 軟質磁器メトロポリタン美術館所蔵">

セーブル磁器（蓋付き花瓶）


Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

フランスは、旧石器時代・新石器時代の美術遺産を数多くもっている。以後、今日に至るまで、他のヨーロッパ諸国に比しても、フランスは質的にも量的にも、もっとも優れた造形活動の中心の一つであり続けた。いわゆるフランコ・カンタブリア美術の洞窟(どうくつ)壁画などは、フランスという国土が、その豊かさにおいて、旧石器時代以来、芸術的生産に適した風土であったことを推定させ、これもフランスの誇る美術遺産であるが、しかし、狭義のフランス美術とは関係がない。民族的、国家的特質を備えた美術という観点からすれば、厳密には987年のカペー朝の成立以後、さらにその前史としてのガロ・ロマン時代（1～5世紀）およびフランク王国時代（5世紀末～10世紀）以降が対象となる。

　ガロ・ロマン時代は、ケルト人の造形とローマ帝国のそれとの共存と混合の時代であり、その両者の要素はともに、その後のフランス美術になんらかの造形的特性を与えたことは否定できない。続くフランク王国のメロビング朝美術、カロリング朝美術は、西欧初期中世のキリスト教美術のもっとも重要な部分であり、前者はゲルマン的、抽象的な傾向を、後者はその古代志向によって古典的、自然主義的傾向を示し、それぞれに以後のフランス美術の形成に多大な役割を担った。

［中山公男］

10～12世紀、ロマネスク美術


　長い混乱と空白のあと安定を取りもどしたこの時代は、以前をはるかにしのぐ活力で修道院や教会堂建築を生み出す。「各地で教協会が白い衣をまとい始めた」と形容されるのは、この時代の建築の旺盛(おうせい)さと木造建築から石造への移行を物語っている。多身廊(たしんろう)、袖廊(しゅうろう)の付加、後陣部の多様化など、建築の構造もバシリカ形式の単純さからより複雑な構造へと転化する。そして、この建築を核として、壁画、彫刻、写本、祭具類など貴金属工芸といった諸芸術の開花をみることになる。この時代を支えた文化的活動は、ローマやサンティアゴ・デ・コンポステラなどに至る大巡礼によるものであったが、スペインへの経路上にある教会や修道院建築では、当然スペインの影響の強い壁画がみられる。あるいはまた、布教と図像伝達の媒体である各種典礼書の手写本彩飾画では、早くから修道院にアトリエをもっていたイングランド諸島の様式が、この地に近い地方に流布されるといった状況である。

　11世紀後半ともなると、ロマネスク美術は成熟段階へと入るが、やがてゴシック期にこの時代の文明のいわば主導者として現れるパリを中心とする北フランスの文化は、フランス・ロマネスクの終章に発するものといってよい。

［中山公男］

12世紀後半～16世紀初頭、ゴシック美術

前期ゴシック

中世キリスト教文化の最成熟期であるゴシック期にこそ、フランスの独自性と主導的位置が示される。北フランスの地において継続的になされた教会堂建築のきわめて合理主義的な発展は、とりわけ、高大な内部空間をもつ石造建築の屋根の架構方法の解決をもたらす。壁間にアーチと並べて架ける半円筒穹窿(きゅうりゅう)（筒形ボールト）から、半円筒を直角に交差させる交差穹窿（グロイン・ボールト）へ、さらにこれに尖頭(せんとう)アーチを肋骨(ろっこつ)として併用し、荷重をむだなく隅柱に流す肋骨穹窿（リブ・ボールト）が生まれる。こうして、もはや重厚な壁体によって屋根を支える必要がなくなり、またその屋根がしばしば建築途中で崩落事故をおこすような不安定さも免れるようになった。また柱を複合柱とし、さらに飛梁(とびばり)を用いて強化しさえすれば、信仰心、あるいは都市間の競争心にふさわしい、高大な建築が可能になる。

　これらの新技術を駆使した最初の例が、サン・ドニ修道院聖堂（1144年献堂）の再建である。パリのノートル・ダム大聖堂は初期ゴシックの典型であり、13世紀のシャルトル大聖堂、ランス大聖堂、アミアン大聖堂はもっとも完成されたゴシックの古典期の壮麗な例である。

　これらの大聖堂の明快な構造を損なうことなく、聖堂の内外には「石の百科事典」としての装飾彫刻がほどこされる。そこには、ロマネスクの彫刻の示していた黙示録的雰囲気、東方の影響の幻想性、戒律の厳しさといった印象は消え、優しさ、自然らしさ、人間らしさがみられる。象徴主義の図像の体系化とともに、古典的なヒューマニズムが復活しているのである。

　一方、ロマネスクの聖堂を支配した壁画にかわって、ステンドグラスが登場する。重厚な壁体が消え、柱構造の内部空間が成立してその柱間が窓となったとき、新しく、しかもこの高大な宗教空間にもっともふさわしい芸術が成立するのである。フランス人たちが古くから親しんできたコールド・クロワゾンネcold cloisonnéの技法や感性の延長線上にある芸術であるが、その色彩と透過する光による神秘性が、ゴシックの大聖堂の美学を完成させる。コールド・クロワゾンネとは、焼成法を用いる七宝焼（クロワゾンネ）に対して、準貴石やガラス玉などを金属板に嵌入(かんにゅう)（はめ込み）して同様な効果を出す技法。これは東方の技法の影響下にヨーロッパ侵入族たちが愛用した装飾技法で、中世美術の色彩性、抽象性の先駆となっている。こうした北フランスにおける成果が、フランス各地へ、さらにフランス以外の国々にも伝えられる。ゴシック大聖堂とそれに付随する諸芸術は、どの地においても中世文化の頂点を形成したが、その根底にフランスでの成果があったことは疑えない。

［中山公男］

後期ゴシック

14世紀以降の後期ゴシック期にも多くの聖堂建築がなされ、洗練と装飾化へと向かう。穹窿の肋骨や窓の狭間飾り（トレーサリー）は、曲線と反曲線の複雑な火焔(かえん)状の文様となり、文字どおり「フランボワイヤン（燃えあがる）」様式とさえよばれた。しかし、こうした装飾性の自律的な展開は装飾と建築の遊離を生む。同じように、彫刻も建築から遊離して丸彫り彫刻へと向かい、ステンドグラスは写実的効果と装飾性を求めて色彩を複雑化させ、細部の描写にこだわりだして本来の強い効果と神秘性を失う。大聖堂の時代は終わり、世俗的建築の時代へと移行する。

［中山公男］

15～16世紀、ルネサンスとマニエリスム

後期ゴシックの完結からルネサンス的近代へ

中世文化を導いたフランスの栄光が、かえってルネサンスの新しい息吹を感じとることを遅らせたといえるかもしれない。しかもフランスは、少なくとも15世紀の前半まで百年戦争による空白と停滞を強いられ、宮廷も各地を転々とするありさまであった。それにもかかわらず、フランドル、イタリアの影響のなかで、後期ゴシックからルネッサンス的近代へと自己の世界を完結させようとするフランス独自の努力の存在を無視することはできない。

　パリは見捨てられて久しかったが、バランシェンヌ、ロアールの谷、プロバンスなどいくつかの芸術の中心地があった。とくに教皇庁が置かれていたアビニョンとルネ・ダンジュー王の宮廷の置かれたエクサン・プロバンスの2都市をもつプロバンス地方は、何人もの優れた芸術家と作品を残している。

　まず、このプロバンスでの芸術活動の高さをみせるのが、「エクスの受胎告知の画家」と名づけられ、この『聖告』1点のみが確実視されている画家とその作品である。本来作品はエクスのサン・ソーブール聖堂のために描かれたが、三翼祭壇画の中央パネルが、現在エクスのサント・マドレーヌ聖堂に保存されている。緻密(ちみつ)な質感描写、フランドル風の遠近法などで、後期ゴシックの完結を物語る。

　アンゲラン・カルトンEnguerrand Quarton（1415ごろ―1466以後）はエクス、ついでアビニョンで活躍したが、ルーブル美術館の『アビニョンのピエタ』、アビニョンの施療院に残る『聖母の戴冠』は、圧倒的な迫力、現実と超越界を結び付ける内省の深さ、明晰(めいせき)さと劇的な世界を結び付けるイメージの高まりなどの点で、フランスがこの時期に到達したゴシック的自己完結と、フランス独自のルネサンス的近代への接近の双方をみせてくれる。やはりエクスで活躍したフロマンNicolas Froment（1430ごろ―1483／1484）の『燃える柴(しば)』についても同じことがいえるだろう。

　ロアール峡谷の宮廷で描いた傑出した画才フーケは、フランス・ゴシック、フランドルとイタリアの影響のなかから、真にルネサンス的で、またフランス的でもある新しい感覚を実現している。残された作品は彼の場合もきわめて少ないが、『シャルル7世の肖像』『ジュブネル・デ・ジュルサン』（いずれもルーブル美術館）、『ムーランの祭壇画』（アントウェルペン王室美術館）は、いずれも人間観察の鋭さ、形態や色彩の明晰さ、抽象化といった点で独自な近代性を示している。

　このフーケの世界を受け継ぐ画家たち、たとえば「ムーランの画家」などにも、世俗性と繊細さ、明快な視野と内省的な観察の調和するフランス的な感性の近代化をみることができる。

［中山公男］

第一次フォンテンブロー派とマニエリスム

しかし、興味深いことであるが、こうしたフランスの芸術家たちの努力を無視するかのように、シャルル8世、ルイ12世、フランソア1世など当時のフランス王たちは、イタリアに関心をもち続けた。そしてその征服の野望には、イタリアの新しい文化とその息吹への抑えがたい関心が内在していたと思われる。フランソア1世が最晩年のレオナルド・ダ・ビンチを厚遇したことはよく知られている。フランソア1世は、イタリア・ルネサンスのいわば再現を意図して、フォンテンブロー城の改築・増築のためイタリア人の建築家や画家を次々に招いている。それだけではなく、城館の付属建築の内部に、タピスリー製作所、ブロンズ鋳造所、家具製作所、印刷所まで設けた。知的・芸術的活動をいとなむルネサンス君主としての栄光を夢みていたのであろう。

　ロッソ・フィオレンティーノ、プリマティッチオFrancesco Primaticcio（1505―1570）、ニッコロ・デル・アッバーテNiccolo dell'Abbate（1509ごろ―1571）のほかチェッリーニ、ビニョーラなど数多くの芸術家がやってくる。いうまでもなく、彼らはすでにイタリアで名をなしていたマニエリスムの画家・工芸家・建築家たちである。古典神話に幻想性、官能性が加味され、暗喩(あんゆ)、寓意(ぐうい)、象徴などの知的遊戯を好む彼らの芸術に、宮廷の優雅さ、洗練、あるいは逸楽性が加わり、イタリアのマニエリスム以上に特異な世界を生み出したといってよいであろう。

　しかし本来のフランスのもっていた特質、あるいはフランソア1世たちのもっていたルネサンス的な雰囲気がすべて失われたわけではない。親子二代にわたってフォンテンブローの王たちに仕えたジャンとフランソアのクルーエ父子の肖像画の知的なまなざし、心理学的な観察などは、フーケの肖像にもつながるものであり、フランスのルネサンスのあり方を示している。

［中山公男］

17世紀

第二次フォンテンブロー派

アンリ4世の即位と平和の回復は、17世紀初頭のフランスに若手の活力を取りもどさせた。フォンテンブロー城、ルーブル宮殿の増築・改築も始まり、パリの都市改造にも手がつけられる。今日残るボージュ広場は、当時の近代的な都市計画の名残(なごり)である。アンリ4世のもとで活動したいわゆる第二次フォンテンブロー派は、フランソア1世当時の第一次フォンテンブロー派と異なってフランス人の芸術家たちであった。しかし彼らはいずれも17世紀初頭に生を終え、アンリ4世自身も在位わずか11年の1610年、非業の最期を遂げることになる。したがって、17世紀最初の四半世紀におけるフランスの芸術活動を特徴づけるのは、フランドルの巨匠ルーベンスによる『マリ・ド・メディシスの生涯』の大連作ということになる。このころからルイ14世時代までの間に、少しずつ情勢は変化する。

［中山公男］

イタリア・バロックの影響とルーブル東翼正面の設計

イタリアで修業して帰国した画家たち、ビニョンClaude Vignon（1593―1670）、ブーエ、ブランシャールJacques Blanchard（1600―1638）たちは、いうまでもなくイタリア・バロック絵画の動的な構図、劇的な情緒性を特色としたが、フランス風の明晰を失うことなく、帰国後はいっそうフランス的な特質を明らかにしてゆく。

　中世の栄光が消え去ったあと、フランスはフランドルとイタリアという二つの文化圏の間に揺れながら、かろうじて自己を保とうと努力してきた。しかしルーブル宮殿東翼正面部の築造にあたって、象徴的な事件がおこった。最初、ルイ14世はこの建築の設計を、すでに令名高いイタリアの大建築家ベルニーニに委ねるべく、彼をフランスに招く。ベルニーニは王者の如き行列でパリを訪れ厚遇を受ける。しかし彼の提出した華麗なプランは、やがて不採用となる。予算の超過、フランスの建築家たちの反発など、さまざまな理由が推測されるが、しだいに国力を充実させ、中央集権国家としての威信を高めつつあるフランスのナショナリズムの発揮と考えてよい事件であろう。建築は、ルボー、ペローClaude Perrault（1613―1688）、ルブランの委員会に委ねられた。この事件以前にルーブルの建築に携わっていたマンサールもそうだったが、東翼正面は、バロック的装飾性を排した古典主義的な建築として完成された。

［中山公男］

ルイ14世様式の成立とベルサイユ宮殿

この前後からフランス美術においては、イタリア・バロックの原理をある部分で継承してはいても、本質的に古典主義的なルイ14世様式が急速度で成立する。ベルサイユ宮殿はルボー、ルブラン、ル・ノートルたちによって建築される。それ以降も、イタリアニズムの排除や王室の威信の表明としての古典主義的理想は、芸術家たち自身というより、コルベールなど王の側近たちの意図的な政策として推進されたようである。

　絵画においても類似の状況がみられる。ブーエとその弟子たちも、イタリア風のバロックからより明快な装飾的画風にしだいに移行したし、フランドルからきたシャンペーニュは、ポール・ロアイヤル修道院のジャンセニスムの禁欲性、静かな精神性に満ちた抑制された画境に入ってゆく。カラバッジョ風の光線、風俗画的主題から入ったジョルジュ・ド・ラ・トゥールは、唯一の光源のなかでの静かな動き、極度に精神化された宗教的雰囲気、ほとんど抽象化された人体で、宗教的というべき空間をつくりだす。

　ロレーヌの地方的環境で活動したラ・トゥールに対して、いわゆる農民の画家ル・ナン兄弟（ルイ、アントアーヌ、マチュー）たちの農民画も、静かな抑制された光と影のなかに人間個々の存在の重さを提示している。どのような目的なり顧客を想定してこの種の農民画が描かれたか疑問が残るが、ここには、人間存在を極度に偉大化するバロック的感情と、そうした存在を前にして真摯(しんし)な目を見張るフランス古典主義の姿勢がある。実際、古典主義の昂揚(こうよう)が当初の政治的なナショナリズムを越えて、17世紀フランスの美術を一つの頂点にまで高めたことは疑えない。

［中山公男］

プサン、ロランとアカデミズムの成立

コルベールたちによってつくられたナショナリズムの発揚としてのアカデミズムの中核にも、プサンとクロード・ロラン（クロード・ジュレ）という傑出した画家たちが出ている。ロランとプサンはいずれもイタリアに留学し、生涯の大半をイタリアで過ごしている。いうまでもなく、彼らが学んだのは同時代のバロックではなく、純正なイタリア・ルネサンス、あるいはその源泉でもあった古代の栄光であって、その傑出した才能と多くの制作は、フランス・アカデミーの礎(いしずえ)をつくるに十分であった。プサンは神話画、歴史画、宗教画を数多く制作し、画面の構成、配置の方法的な秩序を実現した。一方、風景画、とくに海景、港湾画を好んだロランは、古典の物語と建築的構成と自然の光との総合に壮大な詩をみいだした。

　この2人の画家の周辺に数多くの画家たちの活動があったことはいうまでもない。それらは、ゴシックとマニエリスムの間に揺さぶられ、真の意味でのルネサンスの洗礼を十分に受けることのなかったフランス美術が、遅まきながら、それを全身をもって体験した時期がこの古典主義時代だったといえるのではないか。この時期、きわめて明晰で幾何学的な秩序をもった静物画を描いたボージャンLubin Baugin（1610―1663）という画家が目をひくが、まさに彼が知ろうとしているのは、自然と理想と合体した世界、空間の詩というルネサンス的な体験であったようにも思える。

［中山公男］

18世紀

感覚主義の発生

どの国の場合でも社会史と美術史は当然のこととして相即しているが、フランスの場合、社会的変化と美的傾向との双方がつねに変転し続け、互いに他方を刺戟(しげき)しあっているため、その変化は著しい。前世紀末、太陽王ルイ14世の治世の末期、反動が生まれ始める。プサン主義（線と形態的秩序を重視する古典主義）に対して、ルーベンスト主義（色彩感と自由な形態の運動性を好む傾向、感覚主義の潮流）が生まれる。ベルサイユ風の大げさな儀式的生活に対して、簡素な、といっても魅惑と繊細さには事欠かない生活、プライベートな生活様式が好まれる。武人たちの勇ましい時代は終わり、女性優位（もちろん当時としては）のサロン風の社交生活が好まれ、軽やかさ、小ささ、かわいらしさ、個人性、つまり「自由」が求められていたのである。

　この新しい欲求が耐ええないほどふくらみだしたとき、ルイ14世の死、オルレアン公フィリップの摂政(せっしょう)時代の始まりが布告される。1716年1月、ルイ14世の没後4か月という時点で、オペラ座において庶民のための舞踏会が開催され、長らく禁止されていたイタリア喜劇も解禁となる。

［中山公男］

ロココとポンパドゥール様式

新しい時代への変化は、日常生活そのものに現れ、ついで日常生活のための空間の装飾、衣装、アクセサリー、家具、工芸品に及んでゆく。装飾の非対称化、白い鏡板(かがみいた)の多用、繊細さや幻想性の強調が、軽やかで夢想的な女性的な空間を生み出す。ボフランの「スービーズ公妃の間」（1737）などがその例である。ガブリエルAnge-Jacques Gabriel（1698―1782）がベルサイユに建てた「プチ・トリアノン宮」（1768）の外装は、すでに古典主義の流行で、いっそう簡素なコリント様式になっている。

　家具が貴族や富裕な市民だけではなく、中産階級や農家においても多用され、家具製作者の名前も残り始める。陶器の製作も盛んで、ドイツのマイセン磁器の開発に促されて王立の製陶工場セーブル製作所が設立された。タピスリーも各地でつくられ、画家やデザイナーたちは、これらの装飾工芸に魅惑的な主題、図像をふんだんに供給する。

　「ロココ」の名称は、「ロカイユ装飾」に発する蔑称(べっしょう)から一般的な呼称となったもので、厳密にいえば摂政時代からルイ15世時代の初期までのものをさす。その後は、王の寵(ちょう)を受けて弟の建築総監マリニー侯爵とともに美術、文化をリードしたポンパドゥール夫人の名をとって「ポンパドゥール様式」の名が用いられる。さらに18世紀なかば、ポンペイの遺跡の発見によってブームとなった古代趣味、新しい古典主義へと移行してゆく。本質的にロココ的な趣味の時代が、大革命前後からの古典主義（新古典主義ともよばれる）まで持続する。

［中山公男］

ワトーとブーシェ

こうした趣味性、単なる日常的な美学に、人間の本性である「自由」を託して表現した一人の画家アントアーヌ・ワトーの存在は、この世紀のあり方を象徴している。詩的な夢想、舞台の劇や踊り、野外の宴などに託して、人生のはかなさ、たえまのない心の動き、そして最終的に何ものにもとらわれることのない「自由」を描いたワトーは、前世紀の偉大さや高貴さにひかれた人間とは対照的な世界を示している。それらは大革命前後の道徳的な風潮や英雄主義によって非難される性質のものではあったが、本当の自由はむしろこの「自由放縦（リベルティナージュ）」に近い感覚的自由の確立によって得られたものといってよい。ワトーの画風は、少なくとも最初は、アカデミーによって歓迎され、「雅(みやび)な宴（フェート・ガラント）の絵」と名づけられる。こうしてワトーの周辺に多くの雅宴画家が生まれる。

　摂政時代末からルイ15世時代まで、ゴブラン製作所長、王の画家、アカデミー会長として装飾芸術のあらゆる分野で活躍し、生涯に1000点の油彩と1万点のデッサンを残したブーシェも、青年期、ワトーの作品をエッチングにした180点の版画を残している。古典主義の流行に乗って、ロココ的夢想や官能的な題材に明るさや格調を与えた彼の世界は、フランス美術が近代絵画に与えた世俗的、大衆的要素の源泉といってよい。

［中山公男］

シャルダンとフラゴナール

雅宴画の夢想の一方に、いうまでもなく、人、物、自然に対する着実な接近が、市民階級の成長とともにしだいに画家たちの視野に現れる。オランダの風景画・静物画なども影響を与えたことはいうまでもない。そのもっとも優れた画家として、シャルダンの名があげられる。『赤えい』でアカデミーに認められたシャルダンは、最初は台所の静物、狩の獲物、寓意(ぐうい)的静物で日常の視野のなかの物の存在に迫り、やがて『カードの城』『食前の祈り』などパリの中産階級の日常の風俗に迫ってゆく。晩年には自画像やシャルダン夫人像で庶民階級の存在を確定する。アカデミーに終生属しながら、かならずしも厚遇されたわけではない中産階級の自己認識の卓抜さは、ほかの静物画、風俗画などとともに19世紀印象派以降にとっての指標の一つとなっている。

　もっと軽やかに、「たった1回のポーズ、金貨1ルイ」、1時間たらずで仕上げた「気まぐれの肖像画」を多く残したプロバンス生まれのフラゴナールは、この世紀最後のロココ的画家であろう。ワトーの夢想性、気まぐれと、庶民の感覚が融合したこの画家は、ロマン主義的な風景画家の先駆でもある。

［中山公男］

ロベールとウードン

このフラゴナールの留学時代の友人であり、王の庭園の画家でもあったユベール・ロベールHubert Robert（1733―1808）も、先ロマン主義的な風景画や廃墟(はいきょ)画を描いている。

　彫刻家もまたバロック的あるいは古典主義的人間観を脱却し、機敏で容赦のない目で性格描写、心理描写を行う。ウードンたちがその例である。

［中山公男］

古代趣味とロココへの反動

ロココ趣味の一部でしかなかった古代趣味は、ダビッドとその周辺の画家たちにとっては、大革命前後における社会的倫理、精神的規範となる。ロココへの反動が開始するとはいっても、少なくともダビッドの英雄主義はきわめてセンチメンタルな部分をもち、他方で、革命の血なまぐさい現実の証言としての役割をも含んでいる。

［中山公男］

19世紀

ダビッドの新古典主義とロマン主義の萌芽

大革命時からナポレオン時代にかけて、ダビッドを中心とする古典主義的絵画の全盛期が持続する。とはいっても、ダビッドの大作『ナポレオンの戴冠』（1801）が示すように、禁欲的な新古典主義から、豪奢(ごうしゃ)で祝祭的な画面への変質を否定することはできない。他方では、この新時代の新しい階級の市民たちや軍人たちを描く肖像が、現実主義的な人間観察へと画家たちの視線を導き始めたことも事実である。ダビッドの画稿料の高さのために、彼の弟子たち、グロ、アンヌ・ルイ・ジロデ（ジロデ・トリオゾン）、フランソア・ジェラールBaron François-Pascal-Simon Gérard（1770―1837）たちがナポレオンやその軍隊の戦いなどを描くことが多くなるが、それらの作品は、戦闘の情景の劇的な性格に促されるし、外地での経験は異国情緒趣味を高める。すでに18世紀、東方の刺戟はさまざまな形でフランス文化に流入していたが、従軍の経験はその傾向に拍車をかける。こうして、いつのまにか古典主義派の画家たちにもロマン主義的な雰囲気が浸透する。革命によって個人が解放され、それぞれの画家たちは自我の拡大を求める。宮廷と教会の注文を失った画家たちは、自らの世界を提示し主張しなければならない。

［中山公男］

アングルとドラクロワ

こうしてダビッドの後を受けて官展派、新古典主義の領袖(りょうしゅう)となったアングルと、いわば在野のドラクロワによって率いられたロマン派の長い対立構図ができあがる。

　しかし実際には、このアングルたちの新しい古典派も、様式や技法ではアカデミックであったが、主題や情調の点では甘美なロマン主義的な要素を含んでいた。また、この古典派の巨匠アングルは、多くの肖像画を残したが、そこには新興階級をとらえる鋭い観察、緻密(ちみつ)な描写力も示されている。社会、自然、人間は、ナポレオン以後の市民生活でより重要な要素となる。日常性、実証性、そして市民としての社会的自覚が、新しい視野を開くことになる。

［中山公男］

風景画の新しい展開

フォンテンブローの森、バルビゾンの村に集って描いたコロー、ミレー、ドービニーたちが風景画をもっぱら描くようになったのは、18世紀に開始した風景画の再度の発展である。コローは、イタリアで学んだ明るく格調の高い風景から、しだいにセーヌの谷などの柔らかな風景に古典的な詩想を混じえて描いた作品や、やはり詩情にあふれる婦人肖像画を描く。ほとんど郷里に帰ることなく、それでも農民生活のあらゆる局面、労働や家族の生活、四季折々の景色を描いたミレーは、革命によっても十分に改善されぬままの貧しい農民階級の自己主張をしていたと思われる。

［中山公男］

ドーミエとクールベ

同様に、ドーミエは政治的な戯画を生活の資として描きながら、他方で都市の貧しい労働者たちの生活を、その暗い詩的な雰囲気で伝える。

　クールベは、もっと大胆に伝統的な主題を否定し、目に見える現実生活を描くことを宣言する。彼はこの主張を貫くため、1855年の万国博覧会の際、それに落選した作品などを集めた個展を開いて「ル・レアリスト」と名のっている。単に主題の点で従来のアカデミズムの伝統に挑戦しただけではなく、パレットナイフを使った強い塗りなどの技法で、伝統的な画法にも挑戦している。

［中山公男］

市民生活の確立と意識の変化

実際、19世紀なかば過ぎの第二帝政期から、普仏戦争とパリ・コミューンの痛みから比較的早く回復しえた後まで、まさに市民生活の確立が視野を変える。オスマン男爵のもとに行われたパリの都市改造、交通網の整備、汽車や汽船の登場、橋梁(きょうりょう)や港湾の整備、鉄骨の使用、産業の近代化は、具体的な視野を変えただけでなく、意識のなかのイメージ、あるいは時間の感覚を変える。

　クールベの宣言を待つまでもなく、アカデミズムの支える世界はすでに崩壊し始めていたのである。ただ、アカデミズム自身はもちろんのこと、一般社会もその表面上の変化さえ信じていなかったことが、新しく登場してきたマネや印象派（印象主義）の画家たちがかなり長期間にわたって社会に受け入れられなかった悲劇を生む。1863年の落選展出品のマネの『草上の昼食』や1865年のサロン出品の『オランピア』がスキャンダルになったことが、この新旧の認識のギャップを示している。

［中山公男］

印象派の登場と日常的な視覚の確立

このマネの認識を先蹤(せんしょう)として集まった画家たちが、その最初の成果を問うた1874年の第1回印象派展も、ごく一部の理解者や共鳴者を除けば、スキャンダルや無視の対象となったことも、変化を実現することの困難さを物語っている。

　印象派、モネ、ドガ、ピサロ、ルノアール、バジールJean-Frédéric Bazille（1841―1870）、シスレー、セザンヌたちは、それぞれ画風も気質も方向も異なっているが、まず、ボードレールのいう「現代生活」を描いている点で共通の基盤をもっている。水辺の風景を描くモネ、競馬、取引所、劇場、ブティック、洗濯女など、第二帝政期、第三共和政時代の社会生活を題材とし続けたドガ、ミレーを尊敬し、社会主義的心情の持ち主であり、農村風景、のちには都市風景を描いたピサロ、何よりも人々の集う行楽地の風景、ダンス場、レストラン、そして少女たちや花を愛したルノアール、やはり水辺の風景を愛し不遇のなかに生を終えたシスレーなど、どの画家たちの作品も、当時のパリを、農村を、行楽地を題材としている。

　そして、そうした「現代生活」を描くにあたって、日常の視野のもっている明るさ、光の変化を描くため、戸外制作を行い、パレット上で絵の具を混ぜ合わせるのではなく、いくつかの筆触を並べて原色の斑点(はんてん)を置き、その視覚内での混合で光の効果の表現を得るという手法を適用する。したがって黒を使用しないといった諸原則を取り入れている。

　彼らはまさに近代市民階級の日常的な視覚を確立しただけではなく、それに伴う意識、幸福感や変化するものをとらえる自然観などをも確立したといってよい。印象主義そのものが社会的認知を受けるのは20世紀になってからのことである。しかしそれ以後、その市場価格が示すように、実に多くの共感を得ている。また、印象主義の各国への伝播(でんぱ)は、近代社会の成立に伴う市民たちの意識の成長に伴うかのように、他の国々にも伝わっている。

［中山公男］

新印象派と後期印象派

1890年前後、いわゆる「世紀末」に近づくにしたがって、さまざまな変化が現れる。現実の生活を描いた印象派の作品が十分に社会に受容されていないことを知った印象派の画家たち自身が、しだいにそれぞれの孤独な生活と画境のなかに入る。ジベルニーに隠棲(いんせい)したモネ、エクスで孤独に描いたセザンヌ、モレ周辺でだれよりも不遇だったシスレーなど。しかしこうした孤独がいっそう彼らの画境を高めた。

　やがて印象派の仕事をより科学的に厳密化しようとしたスーラ、シニャックたちの新印象派が成立する。また、ロートレック、ゴーギャン、ゴッホたちは、印象主義に学びつつより自己主張の強い主題、画風で作品を描く。印象派の画家たちは、少なくとも初期には自らの属する新しい近代社会を信頼し礼讃(らいさん)していたが、ロートレックたち次の世代は、はっきりと社会と自分たちの間に横たわる悲劇的な隔たりを自覚していた。このロートレックやゴーギャンたちをあわせて後期印象派とよぶ場合もある。

　しかし「世紀末」の特徴的な現象は、もっと広範な文化現象として現れたかのように思える「象徴主義」の全盛と、「アール・ヌーボー」趣味のやはりきわめて広範な流行である。

［中山公男］

象徴主義とアール・ヌーボー

すでに印象派の時代にしだいにはっきりし始めていたことだが、近代の進歩、科学的実証性と技術革新による進歩という観念は挫折(ざせつ)する。たとえば機械産業の労働の苛酷(かこく)さは、社会の摩擦、政治的な争いを生み市民社会の爛熟(らんじゅく)は、さまざまな堕落、腐敗現象を生む。こうして、楽天的な現実肯定であった印象派的世界観に対置するかのように、象徴性、幻想性、内面性を重視する美術表現が全ヨーロッパ的におこる。フランスでも、ひたすらに内面の世界を見つめたルドン、神話的世界の超越性を精緻な工芸的な表現で描いたモロー、同じく古典的な楽園の静かな詩情を壁画に描いたピュビス・ド・シャバンヌたちが出ている。

　また文学のほうではマラルメたちの象徴派が、ゴーギャンを美術の象徴主義者として遇していたし、ゴーギャンの教えを契機として発足した若い芸術家たちのグループ「ナビ派」もやはりフランス象徴主義の一角をなしている。

　他方、「世紀末」は、家具、工芸、室内装飾といった分野で、1890年代から20世紀初頭にかけて、アール・ヌーボーのやはり全世界的な波に浸されている。この場合も象徴主義と同様、フランスは重要な発信源の一つであった。

　パリで装飾美術の店「アール・ヌーボー」を開いたビングSamuel Bing（1838―1905）、ポスターで一世を風靡(ふうび)したミュシャ、ナンシーの装飾工芸家たちを引き連れたガレ。ジャポニスムをはじめとしてさまざまな異国情緒的な装飾原理が取り入れられる。19世紀後半のヨーロッパは、各地で開催される万国博覧会で新しい異国の装飾原理に接触する機会をもち、なかでもジャポニスムはもっとも芸術的な刺戟であった。すでに印象派の画家たちにとって、あるいはそれ以前からジャポニスムは重要な啓示であったが、工芸、装飾、建築にとっても大きな刺戟であった。植物、花、昆虫、波、雲、それらの自由な曲線やシルエットが彼らに新しい装飾原理を教える。さまざまな異国情緒を導入してきたヨーロッパは、世紀末、自らに閉じこもるためのもっとも安定した原理を求める。壁紙、家具、装身具、さらに建築へとアール・ヌーボーは展開する。住宅のカステル・ベランジェやパリのメトロの入口の装飾を設計したギマールなどがその例である。

　さらに観察を進めるなら、アール・ヌーボーの装飾の多くは、ガレの作品が典型的に示すように、象徴主義的な意味をしばしば含んでいるということ、逆に、後期印象派、新印象派、そして象徴派の絵画作品の構図に、明らかにアール・ヌーボーと同質の曲線が作用しているのを知ることになる。

［中山公男］

絵画の時代としての19世紀

それぞれの時代に主導的な役割を果たす芸術がある。19世紀は、明らかに絵画の時代であった。それも額縁に入れられた比較的小さな、つまり18世紀までの宮殿や教会内部を飾る壁画類に比べて小さなサイズの油彩画である。もちろんこの時代にも、ドラクロワやシャバンヌのように、建築のための壁画や大作を描いた画家たちがいなかったわけではない。けれども、それらはごく例外的な注文であったし、人目に触れる機会は少なかった。芸術の注文主の大多数は市民階級であり、彼らの住宅や別荘の壁面を飾るのに十分な大きさであればよかった。主題が風景、風俗、静物、肖像といった日常性が好まれたのも同じ理由である。したがって画家たちは、注文主の意向や建築への適合性や主題にさほど気がねすることなく、というよりそれらを想定しえないままに、自らの世界を四角い額縁の枠のなかに実現することにすべてを傾けた。

［中山公男］

19世紀の建築と彫刻

明らかに19世紀の建築は付随的な芸術であった。古典主義の流行には古代風の様式が、ロマン主義には回顧的なゴシック様式のリバイバルが、その後の復古時代には王朝期風の復古様式が用いられ、そしてやがて折衷主義となる。もちろん、パリの凱旋門(がいせんもん)、オペラ座、エッフェル塔と、いくつかの重要な記念建造物があり、今日でもパリの都市風景の中心をなしている。しかし、建築でそれ以上に重要なことは、新しいパリの市街地の整備と造成であろう。

　彫刻も、公共の注文の多くを失って、かならずしも活動的であったとはいえない。ダビッド・ダンジェDavid d'Angers（1788―1856）、リュード、カルポーら、いわゆる「ローマ賞」の彫刻家たちはイタリアへ送り出されたが、エトアール広場の凱旋門、パリのパンテオンなどモニュメンタルな作品を発表する場はわずかしか与えられていない。

　国家的なプロジェクトが急速度に減少し、それにかわるように第三共和政時代以降、地方自治体あるいは民間の団体や協会が、かろうじて彫刻家への発注主になる。1874年以来造営されてきたパリ市庁舎は、パリ市の偉人たちの肖像を230人の彫刻家に注文して庁舎を飾った。ロダンのバルザック像は文芸家協会の発注で、1898年のサロンにその石膏像が出品されたが、協会はこれを拒否し、最終的にブロンズ像がラスパイユ通りに立つのは1939年のことである。ロダンでさえサロン出品という形で世に問わねばならなくなっていた。しかしロダンの、内的には詩的、思索的、ときには激情的な精神をはらみ、外的には自然主義的な形態把握と、光と影をつくる肉付けによって量塊の美しさなり強さなりを生む彫刻は、まさに近代彫刻の確立であった。

［中山公男］

20世紀

印象派の認知

19世紀末から20世紀初頭にかけて、ゴッホ、ロートレック、ゴーギャン、ピサロ、セザンヌたちが次々と世を去っている。1901年のパリ万国博覧会は、アール・ヌーボーの勝利を明らかにしたが、このときの「フランス絵画百年展」は、印象派の社会的、公的な認知の最初の表明でもあった。世を去った印象派、後期印象派の画家たちの没後回顧展は次々と開催され、改めて印象主義、後期印象主義の成果を若い画家たちに刻印する。とりわけゴッホ、ゴーギャン、セザンヌの回顧展は衝撃的な効果を与える。

［中山公男］

フォービスムとキュビスム

1900年は、ピカソがパリに最初に滞在した年で、ブラックも同じ年にパリに出て美学校に入学するが、2人が出会うのはかなり後である。1901年は、すでに美学校でドラン、マルケたちと知り合っていたマチスが、ドランの紹介でパリ近郊のシャトゥーにアトリエを構えていたブラマンクに出会う年である。こうして1905年、サロン・ドートンヌの一室で「野獣（フォーブ）」と名づけられたグループが誕生し、数年後、ピカソは最初期のキュビスムの作品『アビニョンの娘たち』を描き上げ、まもなくブラックと出会う。ブラックもセザンヌの教訓から、方形や円筒形へと事物の単純化を試みるセザニスムの作品を描き、新しい視覚革命を実現したころである。

　ルネサンス以来、写実主義の基本的な原則に基づいて発展してきた西欧絵画は、自然の形態や色彩をかなり恣意(しい)的に描いても、だれにも認知しうる形であり色であることを放棄したことはない。同じように、空間を構成する遠近法の原則も守られ続けている。セザンヌ、ゴッホ、ゴーギャンもぎりぎりの線でその枠内にとどまっている。それに対して、フォービスムは色彩の点で写実主義の規範をくつがえし、ピカソ、ブラックたちのキュビスムは、形態と遠近法という点で同種の革命をなしとげたといえるであろう。前者は情緒と表現性に関する革命であり、後者は現実の知的把握と造形論理の変革となる。

　フォービスムを促したのは、一方ではロートレック、ゴッホ、ゴーギャンの作品における色彩の表現主義的な使用、そして新印象主義、とくにシニャックのきわめて色彩的な点描主義によって、色彩それ自体の価値に気づいたことに始まる。他方、キュビスムは、すでにセザンヌが多用していた物体の単純化と多視点的な遠近法というセザニスムと、アフリカの黒人彫刻、イベリア彫刻の刺戟によって始まる。

　世紀末ヨーロッパは、ようやく異文化を、単なる博物館学的興味や異国情緒としてではなく、それ自体独立した文化として認知し、新しい視覚を獲得しようとしていた。20世紀という新しい時代の情緒的な刺戟と機械時代のイメージがそこに重なってくる。フォービスムもキュビスムも、第一次世界大戦という障害もあり、短時日でそのグループとしての役割を果たして発展的に解消するが、20世紀の美術にとって本質的なものとなった。

［中山公男］

モンマルトルとモンパルナス

第一次世界大戦前はモンマルトル、その後しだいにモンパルナスのほうが盛んになるが、物価も家賃も安い新興の住宅地が、芸術家、文学者、学生、異国人たち、亡命者たちの巣窟(そうくつ)となり、パリを、中世のパリに劣らず魅力的な世界都市とする。多くの外国人芸術家たちが集散して青春を謳歌(おうか)したため、ある種の連帯のような雰囲気が成立する。

［中山公男］

エコール・ド・パリ

モディリアニ、スーチン、キスリング、パスキンたち、それにユトリロや藤田嗣治(つぐはる)たち、あるいはピカソやシャガールらも加えて、エコール・ド・パリと名づけられる場合がある。外国人作家たちは、いずれも故国の絵画的な伝統、文化的な感性をいわば核として、さまざまに個性的な世界をつくりあげ、20世紀初頭から第二次世界大戦前までのフランス美術をつくりあげる。無国籍に近い芸術家たちの放埒(ほうらつ)さと哀愁、そして青春が彼らの作品を彩る。このエコール・ド・パリは、フランス風の表現主義と考えるべきであろう。ユトリロの叙情的世界もまたそれであり、ピカソ、ブラック、マチスたちに並ぶ巨匠ルオーは、より精神性の高い表現主義画家である。ピカソが親交し、作品まで購入したアンリ・ルソーは、単なる日曜画家であることをはるか超えて、アンデパンダンな世界を築いている。

［中山公男］

第一次世界大戦から1920年代
キュビスムの展開とシュルレアリスム

第一次世界大戦中から戦後にかけて、キュビスムは分析的キュビスムから総合的キュビスムへと変化し、ピカソ自身は大戦後の人間性回復を謳歌するかのように古典的人間像を復活させたりしたが、キュビスムの原理と回復した自然主義、人間主義は、多くの画家たちの作品にも現れる。

　他方、この平和な1920年代は、ブルトンのシュルレアリスム宣言の時代でもある。シュルレアリスムは、第一次世界大戦中にスイスのチューリヒでおこったデュシャンたちのダダをその原点の一つとしている。フロイトの影響のもとに、意識下の非合理な世界を見つめようとする姿勢、ある種の自動記述（オートマチスム）の手法、フロッタージュ、コラージュなどの手法の併用によって新しいイメージが出現する。

［中山公男］

オルフィスムと抽象への道

一方、キュビスムから派生した流派は、たとえばロベール・ドローネーたちのオルフィスムのように、未来派への、あるいは別な見方をすれば抽象への道を準備する。事実ドイツのカンディンスキーやオランダのモンドリアンは早くから抽象に接近し、やがて1930年代の、そして第二次世界大戦後の抽象の全盛期をつくりあげる方向が定まる。

［中山公男］

シャガールとミロ

キュビスムに強い刺戟を受けたシャガール、そしてスペイン出身でより多くシュルレアリスムとの接触のあったミロは、ともにシュルナチュラリスムというべき世界をつくりあげる。生地への郷愁とパリの造形の間で、シャガグールは夢幻的な語り手、熱狂的な愛の吟遊詩人として、自然の重力その他の法則を無視したイメージを生み続ける。ミロは、自然、宇宙に心を通わせ、記号化、象徴化の手法で独自な世界を打ち立てる。

　こうして、第一次世界大戦終了後から1920年代末の世界恐慌まで、フランス美術は驚くべき多様な優れた才能によって多様な方向を提示する。そしてしばしば、こうした貪欲(どんよく)な才能は、他の異質な技法や方向を部分的にとり入れて活気を高めている。

［中山公男］

レジェ、ボナール、ビュイヤール

一時的に古典復活、人間主義礼讃をみせたピカソに促されるかのように、また第一次世界大戦後の「秩序への回帰」を求めて、一種の古典主義的な方向が抽象的方向と融和したり、あるいはシュルレアリスムと結び付いたりする。レジェの試みる人間と機械のイメージの合成、機械主義に対する礼讃は、キュビスムと古典主義志向との合成から生まれる。ボナールやビュイヤールは、ナビ派時代よりももっと生き生きした視線で室内の生活や田園の生活を見つめる。

［中山公男］

版画アルバムの普及と舞台美術

この時期から版画アルバムが実に大量に制作販売されていることも注目に値する。19世紀末、それまで専門のポスター画家の手にゆだねられていたポスター類に、ボナール、ロートレックたちが手を染めだしてから、大衆芸術の名のもとで、急速度に版画類が普及し始める。画商のボラールたちが出版主となり、画家たちに仕事を供給する。ルオー、ピカソ、マチス、シャガール、ボナールなどほとんどすべての画家たちが、版画技法を探求しつつ、物語や詩集を飾るアルバムを出版する。

　また多くの画家たちが劇やバレエやオペラの舞台装置や衣装を担当し、デュフィたちはファッションデザイナーに衣装の模様やスタイルを供給する。さらに社交界、高級娼婦(しょうふ)たちの登場する華麗な半社交界（ドミ・モンド）には、バン・ドンゲンたちが華やかな肖像画家として君臨していた。

［中山公男］

1930年代

世界恐慌による景気の沈滞だけではなく、この時代の政治的環境が、少しずつ芸術の世界にも不安な予感の影を投げかける。表面的には、むしろ1920年代よりも熟した雰囲気、華やかさは持続していたが、二つの大戦の間にある時代の緊張感が本能的に感じとられていたのかもしれない。

　1930年代には、抽象を目ざす画家たちにとっては、ようやく自分たちの運動が実りだすのではないかと思わせる空気もあった。不安や現実拒否こそ、抽象への精神を育てるものであったからである。1932年、パリで非具象主義を求める画家たちのグループが結成される。「抽象・創造（アプストラクシオン・クレアシオン）」と名づけられたこのグループの主要なメンバーは、モンドリアン、カンディンスキー、ロベールとソニアのドローネー夫妻、ペブスナー、ガボ、ニコルソン、ブランクーシたちであった。

　やがて、1930年代後半、不安は現実化してゆく。ピカソの『ゲルニカ』、ダリの『内乱の予感』が描かれる。そしてファシズムによる「退廃芸術展」がドイツ各地で開催され、やがて戦火が開かれ、多くの画家たちがパリを離れ、あるいはアメリカへ亡命という事態となる。

［中山公男］

20世紀前半の彫刻
ブールデル、マイヨールとセクション・ドールの作家たち

ロダンのもとで長く助手を務めたブールデルをもって20世紀のフランス彫刻の発足とみなすことができるであろう。彫刻の塊量性と触覚性を、それを包む空間と干渉させることによって、近代彫刻に生命を与えたロダンの手法と精神を受け継ぎながら、構成主義的な、建築的な力動感を与えたブールデルの彫刻は、20世紀の一つの傾向を明らかにしていたといえる。やはりロダンの影響下にデビューしたマイヨールは、明るい古典的な人体表現で、地中海的な感性を復活させる。

　キュビスム、そしてそこから必然的に非具象、抽象の方向へと流れた20世紀前半の絵画の歴史は、当然彫刻にも影響し、たとえばローランス、リプシッツ、アルキペンコのような「セクション・ドール（黄金分割）」に加わった彫刻家たちの名があげられる。

［中山公男］

画家による彫刻

多くの画家たちが彫刻を試み、彫刻家たちが他の分野で自己の才能なり意図を示そうとすることは、この世紀ではごく普通のことであった。たとえば、ドガ、ゴーギャン、モディリアニ、マチス、ピカソ、ブラック、ダリ、ミロの名があげられる。絵画的な視覚が彫刻的な触覚と対応し、接触する地点の表現として、きわめて興味深い。

［中山公男］

他文明の彫刻の影響

また、ヨーロッパ彫刻史ではなく、他文明の彫刻から学ばれ、出発したものが多いことも注目に値する。ゴーギャンは、中南米、オセアニア、あるいはブルターニュ地方の民俗彫刻などからその造形を生み出した。ピカソは、アフリカの黒人彫刻や地中海沿岸の美術館に残る先史彫刻からしばしばヒントを得ている。モディリアニの彫刻には、北イタリアの中世彫刻などのほかに、アフリカ彫刻の啓示がある。これらの異質の造形は、たとえば、塊量空間、充実空間のみを追求してきたヨーロッパ彫刻に対して、虚空間もまた造形の重要な要素であることを教える。その後の現代彫刻、立体造形にとってきわめて重要な要素であるが、このような影響摂取は、20世紀初頭のフランスがもった自由な環境のなかでのみ成立しえたといってよい。

［中山公男］

オブジェの観念

一方、ダダ、シュルレアリスムも「オブジェ」の観念を定立することによって、彫刻の存在そのものの否定的な契機となりかねない革命を引き起こしている。シュルレアリスムにおける形態の軟体化は、塊量そのものを不定形にすることによって同じ役割を果たした。

［中山公男］

キュビスム彫刻とピューリスム

アール・ヌーボーの勝利が20世紀初頭の建築、工芸の状況であったが、1912年のサロン・ドートンヌに、彫刻家のレイモン・デュシャン・ビヨンは「キュビスト館」を設計し、ジャック・ビヨン、ローランサン、ロジェ・ド・ラ・フレネーNoël-Roger de La Fresnaye（1885―1925）たちの作品を展示してスキャンダルをおこしている。不幸にしてデュシャン・ビヨンは第一次世界大戦中に戦死するが、ル・コルビュジエとオザンファンの2人は「キュビスム以後」という書物でフランスへのモダニズムの導入の必要を説き、さらに雑誌『エスプリ・ヌーボー』（1920～1925）で諸芸術における「造形言語の純粋化」を説くピューリスムを唱導している。

［中山公男］

第二次世界大戦後の美術
「1946年、美術の再興」展

第二次世界大戦中、多くの芸術家たちは四散し、ピカソたちごくわずかの芸術家がパリで制作を継続しえたが、物資の不足などあらゆる戦時下の耐乏生活と、ドイツ軍の監視のなかでの暗い忍耐強い制作を続けざるをえなかった。当時のピカソの作品がその証明である。多くの芸術家はアメリカに亡命し、あるいは地方でやはり不自由な制作を持続している。それにもかかわらず制作はなされたし、展覧会の試みもひそやかになされた。したがってパリ解放後の美術活動の復活は驚くほど早かったようである。

　1946年の時点でフランスに在住し、「フランスの国民的文化を守った」芸術家たちの作品がかなり大規模に展示された「1946年、美術の再興」展（1996、アンティーブ美術館）には、実に迫力ある当時の制作がみられる。中心になるのは、当のアンティーブ美術館がその後身であるグリマルディ城を当時アトリエとしていたピカソの大作『生きる喜び』とその関連作、戦時中、戦後であっても、あくまでも輝かしく光と色彩に満ちた作品を描くボナール、逆に、ダッハウ収容所における虐殺に関する裁判での告発に衝撃を受けて描かれた、オリビエ・ドブレOlivier Debre（1920―1999）の一連の黒い絵。また、やがて「アンフォルメル」として名前の出る一群の若い画家たちが、いずれも戦争の惨禍に直面した世界を描いている。たとえばド・スタールは、まるで木材の破片が無秩序に散らばっているかのような暗い絵に『苛酷な生』と名づけている。戦争の記憶と戦後世界への希望のどちらかが基本的な作画の動因であり、技法はそのテーマに応えるかのように自由に展開する。

［中山公男］

芸術と社会

この時代以降、フランス美術はかなり長期にわたって、戦時中の対独協力の問題、さらにピカソの共産党入党に象徴されるような政治参加、社会参加の問題で揺れる。フランスという社会あるいは国は、たとえば、ルイ14世時代、革命時、ナポレオン時代と、しばしば芸術に社会参加を求めることがある。それが、よい意味でも悪い意味でもフランス的なものの持続と顕現に役だっているとも考えられる。

［中山公男］

抽象主義の全盛期とアンフォルメル
抽象主義の隆盛

1945年、解放後まもないパリで「具体美術展」が開かれている。ここにはモンドリアン、アルプ、ドローネーたちの戦前の作品、カンディンスキーやペブスナーの戦時中の作品が展示された。アメリカに亡命したモンドリアンも、1933年以来フランスに定住していたカンディンスキーも、奇しくも1944年に世を去っている。しかし彼らの作品から出発した若い世代がすでに育っていた。

　1945年設立の「サロン・ド・メ」展、翌1946年の「サロン・デ・レアリテ・ヌーベル」展は、ともに若い世代、それも抽象傾向の画家たちが顔をそろえている。バゼーヌ、エステーブMaurice Estève（1904―2001）、シュネデールGérard Schneider（1896―1986）たちである。

［中山公男］

アンフォルメルの衝撃と拡散

抽象の方向には、先駆者モンドリアンとカンディンスキーにみられるように、幾何学的抽象と叙情的抽象の差があったが、それらはしだいに、ほとんど区別しがたいほどに接近し、あるいは半抽象に近い画風も現れ、一般的には表現主義的傾向を内在させることになった。こうした状態のなかで、批評家ミシェル・タピエが1951年、ボルス、マチュー、ポロック、デ・クーニングなどフランス外の画家たちをも含む展覧会「対立する激情」を開催し、翌年にはファルケッティ画廊の店主となって「アンフォルメルの意味するもの」と名づけられた展覧会を催している。「抽象的でもなく具象的でもない」マチエールや線の発する内面的な世界の発現で、新しい時代の『別の芸術』（タピエが1952年に刊行した小冊子のタイトル）を主張するこの運動は、戦後の一時代をつくるほど国際的な広がりをもち、インパクトをもった。

　フォートリエの『人質』の連作、デュビュッフェの仮面や偶像たち、ボルスの形態を喪失し、それでも生きようとするとき内部で何かをはじけさせずにはおかないといった作品群、ミショーの遠い彼方を見つめるインクの詩。いずれも内的な激情によってしか描きえない精神のあり方を示している。

　タピエの運動は、1950年代末から1960年代なかばにかけて、さまざまな方向へと拡散することによってエネルギーを失い始める。マチューなどのパフォーマンスによって、作品より行為へと拡大してゆくとき、もはや絵画の領域ではなくなる。また国際的な連帯、とりわけアメリカの現代絵画と結び付いたが、いつのまにか舞台はアメリカとなっていたのである。そしてフランスは、いつのまにか独自の、内的なモチーフを見失いだしていた。

　若い世代の伸び悩みを埋め合わせるかのように、戦前からの巨匠たちはいずれも長命であり、大量に作品を制作し、話題性に事欠かなかった。また美術館の整備は進み、良質の展覧会が多くの観光客をひきつけている。

［中山公男］

『ミシェル・ラゴン著、小海永二訳『美の前衛たち　フランス現代絵画』（1962・美術出版社）』▽『篠田浩一郎著『フランス　美と歴史を歩く』（1977・美術出版社）』▽『京都国立近代美術館編『フランスのポスター美術　18世紀から現代まで』（1979・講談社）』▽『池上忠治著『フランス美術断章』（1980・美術公論社）』▽『『原色世界の美術1　フランス1　ルーヴル美術館』『原色世界の美術2　フランス2　パリの美術館』（ともに1983・小学館）』▽『岡部あおみ著『アート・フィールド　フランス現代美術』（1992・スカイドア）』▽『鈴木杜幾子著『ナポレオン伝説の形成――フランス19世紀美術のもう一つの顔』（1994・筑摩書房）』▽『フランソワーズ・ルヴァイアン著、谷川多佳子ほか訳『記号の殺戮』（1995・みすず書房）』▽『エミール・カウフマン著、白井秀和訳『理性の時代の建築　フランス篇　フランスにおけるバロックとバロック以後』（1997・中央公論美術出版）』▽『井出洋一郎著『フランス美術鑑賞紀行1　パリ編』』▽『井出洋一郎著『フランス美術鑑賞紀行2　パリ近郊と南仏編』（ともに1998・美術出版社）』▽『山梨俊夫・長門佐季著『フランス美術基本用語』（1998・大修館書店）』▽『天野知香著『装飾／芸術　19―20世紀フランスにおける「芸術」の位相』（2001・ブリュッケ）』

[参照項目] | アミアン大聖堂 | アール・ヌーボー | アングル | アンフォルメル | 印象主義 | ウードン | エコール・ド・パリ | オザンファン | オブジェ | オルフィスム | カルポー | ガレ | カロリング朝美術 | カンディンスキー | キスリング | ギマール | キュビスム | 教会堂建築 | クルーエ（父子） | クールベ | グロ | ゴシック美術 | 古典主義 | コラージュ | サロン・ドートンヌ | サン・ドニ修道院 | シャガール | シャルダン | シャルトル大聖堂 | シャンペーニュ | シュルレアリスム | 象徴主義 | ジロデ | スーチン | ステンドグラス | セーブル磁器 | 退廃芸術展 | ダダ | ダビッド | チェッリーニ | 抽象美術 | デュシャン | デュシャン・ビヨン | デュビュッフェ | デュフィ | ド・スタール | ドービニー | ドーミエ | ドラクロワ | ドラン | ドローネー | ドンゲン | ナビ派 | ノートル・ダム大聖堂 | バシリカ | バゼーヌ | パフォーマンス | バロック美術 | ビュイヤール | ピュビス・ド・シャバンヌ | ピューリスム | ビヨン | 風景画 | ブーエ | フォートリエ | フォービスム | フーケ | プサン | ブーシェ | 藤田嗣治 | フラゴナール | ブラマンク | ブールデル | フロッタージュ | ペブスナー | ベルサイユ宮殿 | ボナール | ボフラン | ボールト | マイヨール | マニエリスム | マルケ | マンサール | ミショー | ミロ | ムーランの画家 | メロビング朝美術 | モロー | モンドリアン | ラ・トゥール | ランス大聖堂 | リプシッツ | リュード | ルイ王朝様式 | ル・ナン（兄弟） | ル・ノートル | ルブラン | ルーベンス | ルボー | レジェ | ロカイユ | ロココ美術 | ロッソ・フィオレンティーノ | ロマネスク美術 | ロマン主義美術 | ロラン | ローランス | ワトー
アミアン大聖堂
フランス盛期ゴシックを代表する大聖堂の西正面。三つの玄関口を飾る彫刻群は13世紀後期様式の源流。世界文化遺産「アミアン大聖堂」（フランス・1981年登録）　フランス　アミアン©Shogakukan">

アミアン大聖堂

エッフェル塔
1889年のパリ万国博覧会のときに建設された、当時世界最高の鋼鉄の塔。建設には7300tの錬鉄を使用したといわれる。高さ324ｍ。世界文化遺産「パリのセーヌ河岸」の一部（フランス・1991年登録）　フランス　パリ©Shogakukan">

エッフェル塔

エトアール凱旋門
シャルル・ドゴール広場に建つ戦勝記念碑。1806年ナポレオンの命により、フランスの建築家シャルグランが設計、1836年に完成した。高さ50m、幅45m、奥行22m。大アーチの真下には、無名戦士の墓碑が安置されている。フランス　パリ©Shogakukan">

エトアール凱旋門

シャルトル大聖堂
ロマネスクからゴシック様式への過渡期の特徴を残すフランスの代表的建築物。写真は西正面。バラ窓を除く正面と南北二つの塔は、1194年の火災の際にも難を逃れた。南塔の高さは約106m、北塔は約115m。三つの扉口（王の門）には、「キリスト誕生」「キリスト昇天」「栄光のキリスト」を表す彫刻が施されている。世界文化遺産「シャルトル大聖堂」（フランス・1979年登録）　フランス　シャルトル©Masashi Tanaka">

シャルトル大聖堂

ノートル・ダム大聖堂（パリ）
初期フランス・ゴシック様式の代表的建築物。写真は西正面。高さ60mを超える二つの鐘塔を配し、中央には直径9.6mのバラ窓が取り付けられている。バラ窓の下には28体の『旧約聖書』の王たちの彫像が並ぶ。世界文化遺産「パリのセーヌ河岸」の一部（フランス・1991年登録）　フランス　パリ©Masashi Tanaka">

ノートル・ダム大聖堂（パリ）

パリ・オペラ座
1669年設立のフランス王立音楽アカデミーを起源とする、同国を代表するオペラ劇場。現在の建物は建築家シャルル・ガルニエの設計で1875年に完成。ガルニエ宮（オペラ・ガルニエ）ともよばれる。フランス　パリ©Masashi Tanaka">

パリ・オペラ座

フォンテンブロー宮殿
16世紀、イタリア・ルネサンスに傾倒したフランソア1世がイタリアから画家、彫刻家、建築家を招いて完成させた宮殿。その後も増改築が繰り返されたがフランス革命で荒廃、19世紀にナポレオンによって復元された。世界文化遺産「フォンテンブローの宮殿と庭園」の一部（フランス・1981年登録）　フランス　フォンテンブロー©藤野優哉">

フォンテンブロー宮殿

ボージュ広場
アンリ4世によって建設されたプラス・ロアイヤル（王の広場）。1612年に完成、1800年に現名称に改称された。パリ市庁舎の東、マレ地区（第4区）にある。フランス　パリ©Masashi Tanaka">

ボージュ広場

ランス大聖堂
13世紀に建てられたゴシック様式の大聖堂。西ファサード（写真）は14世紀に入って完成した。歴代フランス国王の戴冠式の舞台となったことでよく知られる。世界文化遺産「ランスのノートル・ダム大聖堂、サン・レミ修道院およびトウ宮殿」の一部（フランス・1991年登録）　フランス　ランス©Shogakukan">

ランス大聖堂

アングル『ド・ブローイ公爵夫人』
1851～1853年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

アングル『ド・ブローイ公爵夫人』

クールベ『オルナンの風景』
おそらく1850年代中期　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

クールベ『オルナンの風景』

ゴーギャン『われマリアを拝す』
1891年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ゴーギャン『われマリアを拝す』

コロー『ビル・ダブレー』
1870年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

コロー『ビル・ダブレー』

シスレー『ビルヌーブ・ラ・ガレンヌの橋』
1872年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

シスレー『ビルヌーブ・ラ・ガレンヌの橋…

ジョルジュ・ド・ラ・トゥール『女占師』
おそらく1630年代　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ジョルジュ・ド・ラ・トゥール『女占師』

スーラ『グランド・ジャット島の日曜日の午後』
1884～1886年　油彩シカゴ美術研究所所蔵">

スーラ『グランド・ジャット島の日曜日の…

セザンヌ『水浴図』
1874～1875年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

セザンヌ『水浴図』

ダビッド『ラボアジエ夫妻像』
1788年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ダビッド『ラボアジエ夫妻像』

ドガ『踊りの稽古』
1874年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ドガ『踊りの稽古』

ドーミエ『洗濯女』
おそらく1863年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ドーミエ『洗濯女』

ドラクロワ『レベッカの掠奪』
1846年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ドラクロワ『レベッカの掠奪』

ピサロ『冬の午後のチュイルリー庭園』
1899年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ピサロ『冬の午後のチュイルリー庭園』

ピュビス・ド・シャバンヌ『諸芸術とミューズたちの集う聖なる森』
1884～1889年　油彩シカゴ美術研究所所蔵">

ピュビス・ド・シャバンヌ『諸芸術とミュ…

プサン『パトモス島の聖ヨハネのいる風景』
1640年　油彩シカゴ美術研究所所蔵">

プサン『パトモス島の聖ヨハネのいる風景…

ミュシャ『椿姫』
女優サラ・ベルナールを描いたポスター。1896年　リトグラフParisMusées">

ミュシャ『椿姫』

モネ『積み藁　夏の終わり』
1890～1891年　油彩シカゴ美術研究所所蔵">

モネ『積み藁　夏の終わり』

モロー『オイディプスとスフィンクス』
1864年　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

モロー『オイディプスとスフィンクス』

ルソー『ライオンの食事』
1907年ころ　油彩メトロポリタン美術館所蔵">

ルソー『ライオンの食事』

ルドン『花の雲』
1903年ころ　パステルシカゴ美術研究所所蔵">

ルドン『花の雲』

ルノワール『テラスにて（二人の姉妹）』
1881年　油彩シカゴ美術研究所所蔵">

ルノワール『テラスにて（二人の姉妹）』

ロートレック『ムーラン・ルージュにて』
1892～1895年　油彩シカゴ美術研究所所蔵">

ロートレック『ムーラン・ルージュにて』

ロラン『サンタ・マリネッラ港のある風景』
1639年ころ　油彩ParisMusées">

ロラン『サンタ・マリネッラ港のある風景…

ロダン『バルザック像』
モンパルナスの中心部、ラスパイユ通りとモンパルナス通りの交点に立つ、フランスの小説家バルザックのブロンズ像。フランス　パリ©Masashi Tanaka">

ロダン『バルザック像』

セーブル磁器（蓋付き花瓶）
1782年　軟質磁器メトロポリタン美術館所蔵">

セーブル磁器（蓋付き花瓶）


出典　小学館　日本大百科全書(ニッポニカ)日本大百科全書(ニッポニカ)について　情報 | 凡例

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