French movies

Japanese: フランス映画 - ふらんすえいが

France was the first country in the world to invent the film with the Lumiere brothers' "Cinématograph" at the end of the 19th century, and has since contributed the most to the development of film alongside the United States. In contrast to American films, which pursue entertainment, French films have consistently pursued the artistic value of film throughout the silent and talkie eras, and are highly regarded worldwide. In terms of industry, France has traditionally had many small production companies, each of which has its own unique production activities, albeit on a small scale. In addition, after World War II, the government has promoted protection and development measures, such as the establishment of the National Film Agency (now the National Film and Image Center, Centre national du cinéma et de l' image animée, abbreviated as CNC) and the establishment of a film subsidy system. In the late 2010s, the number of films produced per year was about 300 (including co-productions with foreign countries). The number of movie theaters, including multiplexes, is 2,040 (with 5,981 screens). The annual audience, including foreign films, is about 200 million people (CNC Annual Report 2018).

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

The Birth of Film and the Early Silent Films

In 1895, the Lumiere brothers invented the "Cinématograph," a machine that combined a film camera and a projector, and in December of the same year they held a paid screening at the Grand Café in Paris, thus giving birth to the world's first film. The cinematographer was the younger brother, Louis, who made many live-action films that recorded scenes from everyday life, such as "Leaving the Factory" and "Arrival of a Train." Meanwhile, magician Georges Méliès, who had his eye on the cinematograph, used stage magic tricks and trick photography techniques to create many fantastical feature films, including "A Trip to the Moon" (1902). These were hugely popular spectacles, and film companies such as Pathé and Gaumont were established, and film quickly became established as a form of entertainment for the masses.

In 1908, the Film d'Art company was founded, and efforts were made to elevate film beyond the realm of trivial spectacle and into the art form. The company invited famous playwrights and stage actors to produce literary films such as The Assassination of the Duke of Guise (1908), but these works basically followed theatrical ideals. In the 1910s, Louis Feuillade (1873-1925) made serials such as Fantômas (1913-1914), and Max Langeaux starred in many comedies, which became popular abroad. Thus, French films seemed to dominate the world film market, but the First World War dealt a serious blow to the film industry, and it was subsequently overtaken by American films.

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

Silent Films of the 1920s

In the 1920s, French cinema saw the rise of the avant-garde film movement. It began with the theory of "photogénie" proposed by Louis Delluc (1890-1924), which advocated the extraction of a unique filmic beauty from real scenes, and he himself put this idea into practice in films such as "Frenzy" (1921) and "The Wandering Woman" (1922). Jean Epstein further developed the concept of photogénie, claiming to develop a new worldview by utilizing the characteristics of the camera as a "machine intelligence," and produced unique works such as "The House of Usher" (1928). Meanwhile, Abel Gance and Germaine Dulac (1882-1942) focused on the importance of rhythm in film and conceived of film as a kind of visual music. Gance's White Rose of the Railroad (1923) and Napoleon (1927) are the most spectacular examples of this. These attempts made full use of a series of innovative techniques, such as deliberate "blurring," distortion of the screen, rapid montage, and slow motion, in order to realize "pure cinema" (cinéma pur) that was free from the shackles of literature and theater, and thereby to construct an aesthetic unique to film.

In parallel with this, filmmakers who joined the avant-garde art movements of the time, Dadaism and Surrealism, expressed dreams and fantasies, the fundamental madness and unconscious passions of humans, in a provocative style. René Clair's Interlude (1924) and Luis Bunuel's Un Chien Andalou (1928) are representative works of this kind. These "avant-garde filmmakers" often wrote about their ideas in books, and explored the possibilities of film as an art form in both theory and practice. In addition, many Russian filmmakers who fled the revolution to Paris developed unique creative activities based at Albatross, a company founded by Alexandre Kamenka (1888-1969), and produced such notable works as Kiin (1924) by Alexandre Volkov (1878?/1885-1942).

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

Talkies of the 1930s

Talkie films were developed in the United States at the end of the 1920s and were a great success, and France also began to produce talkie films in the early 1930s. However, the Great Depression at that time weakened the two major companies, Pathé and Gaumont, and thereafter, production was supported by a number of small production companies. Clair's "Under the Roofs of Paris" (1930) attempted an original treatment of sound and depicted the lives of people in the working-class town with emotional realism, giving a direction to French films in the 1930s. Other films that followed in this vein include Jacques Feydé's "Foreign Legion" (1934) and "City of Women" (1935), Julien Duvivier's "Nostalgia" and "Notebook to a Ball" (both 1937), and Marcel Carné's "A Port in the Fog" (1938) and "The Sun Rises" (1939). All of these films are supported by superb craftsmanship, with skillful scripts, meticulous lighting, and elaborate sets, and their unique atmosphere, rich in shadows, has captivated audiences around the world. For a long time, French films were synonymous with the masterpieces of this period.

Jean Renoir also made similarly atmospheric films such as "The Dog" (1931) and "Night at the Crossroads" (1932), as well as the humanitarian epic "Grand Illusion" (1937), but his style was more open, and "The Rules of the Game" (1939) was a masterpiece that best demonstrated his talent. Jean Bigot showed his rare talent with his scathing social satire "No Conduct" (1933) and "The Atalante" (1934), a fresh and sensitive portrayal of the life of people living on a ship. In addition, in the 1930s, theater artists also began to move into film, and films such as Marcel Pagnol's The Baker's Wife (1938) and Sacha Guitry's Tales of the Tramp (1936), which were film adaptations of their own plays, are interesting as attempts to fuse film and theater.

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

From wartime to postwar films

During World War II, French cinema was in a slump under the Nazi occupation, but some excellent works were produced, such as Robert Bresson's Ladies of the Bois de Boulogne (1944) and Carne's Les Enfants du Paradis (1945), which was filmed in the unoccupied southern part of France. After World War II, the National Film Agency was established in 1946, and a film subsidy system was established the following year in 1947, and French cinema began to move towards recovery. René Clement depicted the resistance movement using documentary techniques in Les le régimes (1945), and Jean Cocteau created a unique fantasy world in Beauty and the Beast (1946). In addition, films such as Henri-Georges Clouzot's Quai des Crimes (1947) and Jacques Becker's Don't Touch the Cash (1954) established the film noir (dark film) genre in French cinema after World War II. Masters such as Clair and Claude Autent-Lara gained popularity with sophisticated commercial films such as La vie de la nuit (1955) and Blue Wheat (1954). In addition, Bresson continued his solitary creative endeavors with films such as Diary of a Country Priest (1951) and Resistance (1956), and Max Ophuls and Renoir, who had traveled to the United States, returned to Japan and produced mature works such as Pleasure (1952) and French Cancan (1954).

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

The Emergence of the Nouvelle Vague and Innovation in Film

However, as the film industry recovered after the Second World War, its drawbacks also began to appear. Many films were bound by tradition and lacked freedom of thought, and the closed nature of film studios did not easily accept new talent. In this environment, the "Nouvelle Vague" (New Wave), which began in the late 1950s, challenged the traditions of "quality film" and brought fresh vitality to filmmaking. At the center of this movement were young directors who had turned from critics at the film magazine Cahiers du Cinéma, run by André Bazin, to directorial work. Based on their extensive experience of watching films at institutions such as the Cinémathèque Française, run by Henri Langlois (1914-1977), and on a firm view of film history, they produced innovative works that broke away from established filmmaking methods.

The appearance of films such as Jean-Luc Godard's Breathless (1959), François Truffaut's The 400 Years Don't Judge (1959), and Claude Chabrol's Cousins (1959) were the starting point of this trend and caused a great reaction not only in the film world but also in society. Many talented directors have come from this era, including Eric Rohmer (Les Les Les Bleus) (1959), Jacques Rivette (1928-2016) (Paris Belongs to Us) (1961), who was also a critic for Cahiers du Cinema, Louis Malle (Elevator to the Gallows) (1957), Alain Resnais (Les Amours du Château) (1959), and Jacques Demy (The Umbrellas of Cherbourg) (1963). Thereafter, a succession of ambitious works were produced, including Godard's Pierrot le Fou (1965) and Truffaut's Les Amants des Voyages (1968), and the Nouvelle Vague decisively led French cinema in the 1960s.

In the field of documentary film, the "cinéma vérité" movement arose, which sought to capture the truth of society through active intervention in reality, producing important works such as Jean Rouch's (1917-2004) I Am Negro (1958) and Chris Marker's (1921-2012) Beautiful May (1963).

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

Post-Nouvelle Vague and Auteurism

The May 1968 revolution, which greatly shook French society, also had an impact on the film world, causing the collective movement of the Nouvelle Vague to retreat and each director to walk his own path. An extreme example of this was Godard, who rejected all commercial films and threw himself into militant political films such as "The Struggle in Italy" (1970). Meanwhile, Truffaut began to show his mature talent with films such as "Etudes of Love" (1971), and Rohmer produced a series of "Six Moral Tales" including "Claire's Knee" (1970).

The 1970s also saw the attention of new directors with unique concerns and styles. The female writer Marguerite Duras, in her works such as Song of India (1975), keenly explored the relationship between images and language, while fellow writer Alain Robbe-Grillet attempted to deconstruct the narrative structure of film in films such as The Gradual Slippage of Pleasure (1973). Jean Eustache's (1938-1981) Maître d'été (Mamma à le le bain) (1972) and André Téchiné's (1943- ) Reminiscences of France (1975) sharply exposed the fundamental contradictions in French society. Other directors who began their careers with their own unique personalities include Maurice Pialat (1925-2003) with We Are Not Growling Together (1972), Bertrand Tavernier with The Watchmaker of Saint-Paul (1973), Jacques Doillon (1944-) with Fingers in the Head (1974), and Claude Miller (1942-2012) with The Best Way to Walk (1976).

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

The Age of Diversity

French cinema in the 1980s continued to develop steadily while retaining this diversity. That is to say, while Philippe Garrel (1948- ) of The Secret Child (1979) and Romain Goupil (1951- ) of Death at Thirty (1982) pursued extremely personal filmmaking, Pialat, Tavernier, Doaillon and Miller were recognized as mid-career directors, and the Nouvelle Vague generation is now regarded as masters, including Godard, who returned to commercial film with Les Bleusins (1980), Truffaut, who won national support with The Last Train (1980), and Rohmer, who began his new Comedy and Proverbs series.

Meanwhile, a new generation of filmmakers emerged in the 1980s. Some of them aimed for new entertainment, such as Jean-Jacques Beineix (1946- ) in Diva (1981) and Jean-Jacques Annaud (1943- ) in The Name of the Rose (1986), followed by Luc Besson in Nikita (1990), Leos Carax in Les Amants du Pont-Neuf (1991), and Jean-Pierre Jeunet (1953- ) and Marc Caro (1956- ) in Delicatessen (1991). Each of them began to express their own unique and diverse worlds.

The achievements of this younger generation were remarkable, and even in the early 1990s, when the number of films produced was declining, more than 20 to 30 debut feature films were made each year. Then, in the 1990s, mid-career directors who inherited the tradition of "good movies" centered on historical dramas and melodramas, such as Jean-Paul Rappeneau (1932- ) with Cyrano de Bergerac (1990) and Régis Wargnier (1948- ) with Indochina (1992), began to flourish, and furthermore, there were many directors who made films such as Arnaud Desplechin (1960- ) with Like a Lion (1995) and Cédric Klapisch (1961- ) with A Family Feeling (1996), as well as Mathieu Kassovitz (1967- ), Erick Zonca (1956- ), Cédric Kahn (1966- Young talents such as François Ozon (1967-), and Bruno Dumont (1958-) emerged one after another.

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

current situation

French cinema entered a new era of imaging in the 2000s, with approximately 80% of all households equipped with a VCR and over 8 million households subscribing to cable television. In this environment, while great directors such as Godard and Chabrol, as well as mid-career directors such as Besson and Desplechin, are active, a younger generation of directors, including Anne Fontaine (1959-) of How I Killed My Father (2001), Michel Gondry (1963-) of Human Nature (2001), Christophe Barratier (1963-), Robin Campillo (1962-), and Stéphane Brizé (1966-), have appeared and are broadening the scope of French cinema with their fresh sensibilities.

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

The biggest characteristic of the early 21st century is the rise of female directors. Veteran director Claire Denis (1948- ) continues to produce works dealing with different cultures and women's issues, such as Gargoyles (2001) and White Material (2009), while Catherine Breillat (1948- ) continues to pursue feminism in films such as Romance X (1999). Pascale Ferran (1960- ) presented a new image of Chatterley in Lady Chatterley (2006). Of the younger generation, Valerie Donzelli (1973- ) vividly portrayed a young couple raising a disabled child in Let Us Cry (2011), while Mia Hansen-Love (1981- ) showed the resilient life of a young mother living after the death of her husband in Children (2009).

Among male directors, François Ozon and the Belgian Dardenne brothers continue to produce highly acclaimed works. Xavier Beauvois (1967- ) finally had a hit with Gods and Men (2010), and Christophe Honoré (1970- ) has been steadily producing films such as The Beautiful Person (2008). In recent years, there has been an increase in directors who are creating entertainment works that are hits overseas, such as Michel Hazanavicius (1967- ), whose The Artist (2011) won seven Academy Awards including Best Picture, and the duo Eric Toledano (1971- ) and Olivier Nakache (1973- ), whose The Intouchables (2011) was a worldwide hit.

[Futoshi Koga]

actor

Like any other great film-making country, France has also produced many excellent film actors. Before the Second World War, stars such as actors Albert Préjean (1894-1979), Jean Gabin, Maurice Chevalier, Charles Boyer, and actress Françoise Rosay dominated the world, while actors with unique personalities such as Michel Simon (1895-1975) and Louis Jouvet were also active. After the Second World War, actors Gérard Philipe, Jean Marais, and Jean-Louis Barrault, and actresses Danielle Darrieux, Simone Signoret (1921-1985), and Micheline Presle (1922- ) all enjoyed successful careers. The late 1950s saw the emergence of two great stars, Alain Delon and Brigitte Bardot, while the New Wave brought Jean-Paul Belmondo, Jean-Claude Brialy (1933-2007), Jeanne Moreau, Anna Karina (1940-2019), and Catherine Deneuve to the world. From the 1980s to the 1990s, Gérard Depardieu (1948- ), Daniel Auteuil (1950- ), Isabelle Adjani (1955- ), Sandrine Bonnaire (1967- ), and Juliette Binoche (1964- ) were among the stars who made their mark. Later, through the 2000s, the distinctive performances of Jean-Marc Barr (1960- ), Benoît Magimel (1974- ), Valeria Bruni-Tedeschi (1964- ), and Charlotte Gainsbourg (1971- ) stood out.

[Kenji Iwamoto, Kiyoshi Takeda, and Kyoichiro Murayama]

Among veteran actresses, Catherine Deneuve continues to be active in films such as The Umbrellas (2010), but the actress who is famous abroad in the 2010s is Marion Cotillard (1975-). Since winning the Academy Award for Best Actress for Edith Piaf's La Vie en Rose (2007), she has continued to appear in Hollywood films such as Inception (2010). Virginie Ledoyen (1976-), who has been active since her days as a child actress, has also been active abroad, appearing in films such as The Beach (2000) directed by Danny Boyle (1956-). Ludivine Sagnier (1979- ), who appeared alongside her in François Ozon's 8 Women (2002), is highly acclaimed for Jean-François Richet's (1966- ) Jacques Mesrine: The Man Who Was Called Public Enemy Number One in France (2008). Léa Seydoux (1985- ), who starred in Farewell to Marie Antoinette (2012), is a promising young star.

Among male actors, Mathieu Amalric (1965- ) has been active in art films such as The Diving Bell and the Butterfly (2007), and directed and starred in Les Misérables (2010). Melvil Poupaud (1973- ) has also been active in art films such as Les Enfants (2005). As for major films, Welcome to Châtisse (2008), directed by and starring comedian Dany Boon (1966- ), was the biggest hit of all French films, attracting over 20 million viewers. Kad Merad (1964- ), who stars in this film, is also extremely popular.

[Futoshi Koga]

"History of French Cinema" by Iijima Tadashi (1950, Hakusuisha) " ▽ "Filmmakers of the World 29: History of French Cinema - From Lumiere to Godard" by Okada Susumu and Tayama Rikiya (1975, Kinema Junposha)" ▽ "French Cinema 1943 - Present" by M. Martin, translated by Murayama Kyoichiro (1987, Godo Shuppan)" ▽ "Cinema , Paris - Cinema and the Histoire of the City from the Lumiere to the Nouvelle Vague" by J. Douchet et al., translated by Umemoto Yoichi (1989, Film Art)" ▽ "100 Years of Cinema: A Full Bite of the Story - 220 Masterpieces from France" by Murayama Kyoichiro (1994, Asahi Shimbun)" ▽ "Complete History of World Cinema 5" by Georges Sadoul, translated by Maruo Sadao, Murayama Kyoichiro, Deguchi Taketo and Komatsu Hiroshi The Road to Silent Film Art: The Future of French Film 1 1909-1914 (1995, Kokusho Kankokai) ▽ Shimizu Kaoru, Dinema: A 100-Year Story of France (1995, Jiji Press) ▽ Nakagawa Yoichi, Dreams of the Latin Quarter: French Film of the Seventies (1998, Wise Publishing) ▽ Yamada Koichi, Yamada Koichi's French Film Journal (1999, Wise Publishing) ▽ Hosokawa Susumu, editor, Toyama Sumio, The Era of the Nouvelle Vague 1958-1963, revised edition (2003, Esquire Magazine Japan) ▽ Nakagawa Yoichi, Surviving French Film: Film Promotion and Subsidy Systems (2003, Kirinkan) ▽ "Yamazaki Gotaro's 'One Second, Four Letters' Decision: A Look at French Films Through the Lines' (2003, Shunjusha)" ▽ "Nakajo Seihei's 'The Temptation of French Film History' (Shueisha Shinsho)"

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

フランスは19世紀末に、リュミエール兄弟の「シネマトグラフ」によって世界で最初に映画を発明し、その後もアメリカと並んで映画の発展にもっとも貢献した国である。娯楽性を追求するアメリカ映画に対して、サイレント期・トーキー期を通じて一貫して映画の芸術性を探求してきたフランス映画は世界的にも高く評価されている。産業面では、伝統的に多数の小プロダクションが分立し、それぞれが小規模ながらも独自な製作活動を展開している。また、第二次世界大戦後は国立映画庁（現、国立映画・映像センター。Centre national du cinéma et de l' image animée、略称CNC）の設置や映画助成金制度の制定など、国家による保護育成策が推進されてきた。2010年代後半の映画製作本数は年間約300本（外国との合作を含む）。複合映画館（シネマ・コンプレックス）を含めて映画館数は2040館（スクリーン数は5981面）。外国映画をも含めた年間の観客動員数は約2億人である（CNC2018年版年次報告書）。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

映画の誕生とサイレント初期

1895年、リュミエール兄弟は映画撮影機と映写機を兼ねる「シネマトグラフ」を発明し、同年12月にパリのグラン・カフェで有料上映会を行って、ここに世界最初の映画が誕生した。撮影を担当したのは弟のルイで、彼は『工場の出口』『列車の到着』など、日常生活の光景を記録した多数の実写映画を撮った。一方、シネマトグラフに注目した奇術師のジョルジュ・メリエスは、舞台での奇術やトリック撮影の技法を使って、『月世界旅行』（1902）をはじめ多くの空想的劇映画をつくった。これらは見せ物として多大な人気を博し、パテ、ゴーモンなどの映画会社も設立されて、映画はたちまちのうちに大衆娯楽として定着した。

　1908年にはフィルム・ダール社が設立され、たわいない見せ物の域を脱して、映画を芸術に高めようとする努力がなされた。同社は高名な劇作家や舞台俳優を招いて、『ギーズ公の暗殺』（1908）ほかの文芸映画を製作したが、それらの作品は基本的には演劇的理念に従うものであった。1910年代には、ルイ・フイヤードLouis Feuillade（1873―1925）が『ファントマ』（1913～1914）などの連続活劇を、またマックス・ランデールが自ら主演して多くの喜劇映画を撮り、それらの人気は広く外国にも及んだ。こうして、フランス映画は世界の映画市場を支配した観があったが、第一次世界大戦とともに映画産業は深刻な打撃を受け、以後はアメリカ映画に王座を奪われた。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

1920年代のサイレント映画

1920年代にフランス映画は前衛的な映画運動の隆盛をみた。その端緒となったのはルイ・デリュックLouis Delluc（1890―1924）が提唱した「フォトジェニー」photogénie論で、これは現実の光景から映画独自の美を抽出することを説き、彼自らも『狂熱』（1921）、『さすらいの女』（1922）などでその理念を実践した。また、ジャン・エプステインはフォトジェニーの概念をさらに発展させ、「機械の知性」としてのカメラの特性を活用して新たな世界観を開拓することを主張し、『アッシャー家の末裔(まつえい)』（1928）などの特異な作品を発表した。一方、アベル・ガンスやジェルメーヌ・デュラックGermaine Dulac（1882―1942）は映画におけるリズムの重要性に注目し、映画を一種の視覚的音楽として構想した。ガンスの『鉄路の白薔薇(しろばら)』（1923）、『ナポレオン』（1927）はそのもっとも壮大な具現である。こうした試みは、一連の斬新(ざんしん)な表現技法、すなわち、意図的な「ぼかし」や画面の歪曲(わいきょく)、急速モンタージュ、スローモーションなどを駆使して、文学や演劇の桎梏(しっこく)を脱した「純粋映画」cinéma purを実現し、それによって映画固有の美学を構築しようとするものであった。

　さらにこれと並行して、当時の前衛的芸術運動であったダダイスムやシュルレアリスムに加わった映画人たちは、夢と幻想、人間の根源的な狂気や無意識の情念を、挑発的なスタイルで表現した。ルネ・クレールの『幕間』（1924）、ルイス・ブニュエルの『アンダルシアの犬』（1928）はその代表的作品である。これらの「前衛映画」人は、自らの考えをしばしば書物にも著し、芸術としての映画の可能性を理論と実作の両面において模索した。このほか、革命を逃れてパリに亡命した多数のロシア映画人は、アレクサンドル・カメンカAlexandre Kamenka（1888―1969）のおこしたアルバトロス社に拠(よ)ってユニークな創作活動を展開し、アレクサンドル・ボルコフAlexandre Volkov（1878？／1885―1942）の『キイン』（1924）などの話題作を生み出した。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

1930年代のトーキー映画

1920年代末にアメリカでトーキー映画が開発されて大成功を収めたが、フランスでも1930年代初めからトーキー映画の製作が開始された。しかし、おりからの世界恐慌によってパテとゴーモンの二大会社は弱体化し、以後は群小のプロダクションが製作を支えることになった。クレールの『巴里(パリ)の屋根の下』（1930）は音に対する独創的な処理を試みつつ、下町の人々の生活を情感豊かなリアリズムによって描き出し、1930年代のフランス映画に一つの方向づけを与えた。その流れをくむものとしては、ジャック・フェデーの『外人部隊』（1934）、『女だけの都』（1935）、ジュリアン・デュビビエの『望郷』『舞踏会の手帖(てちょう)』（ともに1937）、マルセル・カルネの『霧の波止場』（1938）、『陽は昇る』（1939）などがあげられる。いずれも巧みな脚本、入念な照明、精巧なセットといった、優れた職人芸に支えられた映画であり、陰影に富んだその独特の雰囲気は世界中の観客を魅了し、長らくフランス映画といえばこの時期の名作をさすほどであった。

　ジャン・ルノワールもまた、同様の雰囲気をもった『牝犬(めすいぬ)』（1931）、『十字路の夜』（1932）などを撮り、人道主義的な大作『大いなる幻影』（1937）も手がけたが、そのスタイルはより開放的であり、『ゲームの規則』（1939）はそうした彼の資質を最大限に発揮した傑作である。ジャン・ビゴは痛烈な社会風刺を込めた『新学期　操行ゼロ』（1933）や、船上生活者の暮らしをみずみずしい感性で描いた『アタラント号』（1934）によって、希有(けう)な才能を示した。このほか、1930年代には演劇人が映画に進出し、マルセル・パニョルの『パン屋の女房』（1938）やサッシャ・ギトリの『とらんぷ譚(ものがたり)』（1936）などの、自作戯曲を映画化した作品は映画と演劇との融合を図る試みとして興味深い。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

戦時下から戦後映画へ

第二次世界大戦中、ナチスの占領下でフランス映画は低迷したが、ロベール・ブレッソンの『ブローニュの森の貴婦人たち』（1944）や、非占領地区の南フランスで撮られたカルネの『天井桟敷(さじき)の人々』（1945）など、いくつかの優れた作品が生み出された。第二次世界大戦後、1946年に国立映画庁が設置され、翌1947年には映画助成金制度が制定されて、フランス映画は再建に向けて歩み出した。ルネ・クレマンは『鉄路の闘い』（1945）でドキュメンタリー的手法でレジスタンス運動を描き、ジャン・コクトーは『美女と野獣』（1946）で独特の幻想的世界をつくりだした。また、アンリ・ジョルジュ・クルーゾの『犯罪河岸』（1947）やジャック・ベッケルの『現金(げんなま)に手を出すな』（1954）などは、第二次世界大戦後のフランス映画に「フィルム・ノアール」film noir（暗黒映画）のジャンルを定着させた。そして、クレールやクロード・オータン・ララらの巨匠たちは、『夜の騎士道』（1955）や『青い麦』（1954）といった洗練された商業映画によって高い人気を得た。このほか、ブレッソンは『田舎(いなか)司祭の日記』（1951）や『抵抗』（1956）で孤高の創作活動を続け、また、渡米したマックス・オフュルスやルノワールも帰国して、『快楽』（1952）や『フレンチ・カンカン』（1954）などの円熟した作品を発表した。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

ヌーベル・バーグの登場と映画の革新

しかし、第二次世界大戦後に映画の復興が進むとともにその弊害も現れてきた。多くの作品は伝統に縛られて自由な発想を欠き、撮影所の閉鎖的な体質は容易に新しい人材を受け入れなかった。そうした状況のなかで、「良質の映画」の伝統に異議申し立てを行い、映画製作に新鮮な活力をもたらしたのが、1950年代末に始まる「ヌーベル・バーグ」nouvelle vague（新しい波）である。その中心となったのは、アンドレ・バザンの主宰する映画雑誌『カイエ・デュ・シネマ』の批評家から実作に転じた若い監督たちで、彼らはアンリ・ラングロアHenri Langlois（1914―1977）の運営するシネマテーク・フランセーズなどでの豊富な映画鑑賞体験に基づき、確固たる映画史観のもとに、既成の映画作法を打ち破る斬新な作品を発表した。

　その端緒となったジャン・リュック・ゴダールの『勝手にしやがれ』（1959）、フランソワ・トリュフォーの『大人は判(わか)ってくれない』（1959）、クロード・シャブロルの『いとこ同志』（1959）などの登場は、映画界のみならず社会的にも大きな反響をよんだ。同じく『カイエ・デュ・シネマ』誌の批評家出身で、『獅子(しし)座』（1959）のエリック・ロメール、『パリはわれらのもの』（1961）のジャック・リベットJacques Rivette（1928―2016）のほか、『死刑台のエレベーター』（1957）のルイ・マル、『二十四時間の情事』（1959）のアラン・レネ、『シェルブールの雨傘』（1963）のジャック・ドゥミなど、多くの才能豊かな監督が輩出した。その後もゴダールの『気狂(きちが)いピエロ』（1965）、トリュフォーの『夜霧の恋人たち』（1968）をはじめ意欲的な作品が次々に生み出され、ヌーベル・バーグは1960年代のフランス映画を決定的にリードした。

　ドキュメンタリー映画の分野では、現実への積極的な介入を通して社会の真実をとらえようとする「シネマ・ベリテ」cinéma-véritéの運動が起こり、ジャン・ルーシュJean Rouch（1917―2004）の『我は黒人』（1958）、クリス・マルケルChris Marker（1921―2012）の『美しき五月』（1963）などの重要な成果がもたらされた。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

ポスト・ヌーベル・バーグと作家主義

フランス社会を大きく揺るがした1968年の五月革命は映画界にも波及し、ヌーベル・バーグの集団的な運動は後退して、それぞれの監督が独自の道を歩き始めた。その極端な例はゴダールで、彼はいっさいの商業映画を否定し、『イタリアにおける闘争』（1970）などの戦闘的な政治映画に身を投じた。一方、トリュフォーは『恋のエチュード』（1971）などで円熟した手腕をみせ始め、ロメールは『クレールの膝(ひざ)』（1970）をはじめとする「六つの教訓話」シリーズを連作した。

　また、1970年代には、特異な問題意識とスタイルをもった新たな監督が注目を集めた。女流作家のマルグリット・デュラスは『インディア・ソング』（1975）ほかの作品で映像と言語の関係を鋭敏な感性で追求し、同じく作家のアラン・ロブ・グリエは『快楽の漸進的横滑り』（1973）などで映画における物語構造の解体を企てた。ジャン・ユスターシュJean Eustache（1938―1981）の『ママと娼婦(しょうふ)』（1972）やアンドレ・テシネAndré Téchiné（1943―　）の『フランスでの思い出』（1975）は、フランス社会の根源的な矛盾を鋭くえぐり出した。このほか、『一緒に老(ふ)けるわけじゃなし』（1972）のモーリス・ピアラMaurice Pialat（1925―2003）、『サン・ポールの時計屋』（1973）のベルトラン・タベルニエ、『頭の中の指』（1974）のジャック・ドアイヨンJacques Doillon（1944―　）、『一番うまい歩き方』（1976）のクロード・ミレールClaude Miller（1942―2012）など、それぞれに個性的な監督が活動を開始した。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

多様性の時代

1980年代のフランス映画は、そうした多様性を継承しつつ、安定した発展をみせた。すなわち、『秘密の子供』（1979）のフィリップ・ガレルPhilippe Garrel（1948―　）や『30歳で死す』（1982）のロマン・グーピルRomain Goupil（1951―　）がきわめて私的な映画づくりを展開する一方で、ピアラ、タベルニエ、ドアイヨン、ミレールらは中堅監督として認められ、さらに『勝手に逃げろ／人生』（1980）で商業映画に復帰したゴダール、『終電車』（1980）で国民的支持を得たトリュフォー、新たに「喜劇と諺(ことわざ)」シリーズに着手したロメールなど、ヌーベル・バーグ世代はいまや巨匠とみなされるに至った。

　その一方で、1980年代には新しい世代が登場した。『ディーバ』（1981）のジャン・ジャック・ベネックスJean-Jacques Beineix（1946―　）、『薔薇(ばら)の名前』（1986）のジャン・ジャック・アノーJean-Jacques Annaud（1943―　）、続いて『ニキータ』（1990）のリュック・ベッソン、『ポンヌフの恋人』（1991）のレオス・カラックス、『デリカテッセン』（1991）のジャン・ピエール・ジュネJean-Pierre Jeunet（1953―　）とマルク・キャロMarc Caro（1956―　）など、一部で新しいエンターテインメントを志向しながら、それぞれが個性的で多様な世界を表現し始めた。

　こうした若い世代の活躍には目を見張るものがあり、製作本数が減少した1990年代前半においても年間20～30本以上の長編デビュー作が製作された。そして、1990年代には、ジャン・ポール・ラプノーJean-Paul Rappeneau（1932―　）の『シラノ・ド・ベルジュラック』（1990）やレジス・バルニエRégis Wargnier（1948―　）の『インドシナ』（1992）などのように、歴史劇やメロドラマを中心に「良質の映画」の伝統を受け継いだ中堅監督たちが活躍をみせ、さらに『そして僕は恋をする』（1995）のアルノー・デプレシャンArnaud Desplechin（1960―　）や『家族の気分』（1996）のセドリック・クラピッシュCédric Klapisch（1961―　）をはじめ、マチュー・カソビッツMathieu Kassovitz（1967―　）、エリック・ゾンカErick Zonca（1956―　）、セドリック・カーンCédric Kahn（1966―　）、フランソワ・オゾンFrançois Ozon（1967―　）、ブリュノ・デュモンBruno Dumont（1958―　）といった若い才能が次々と出現した。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

現状

2000年代に入ったフランス映画は、全世帯の約80パーセントがビデオデッキを備え、800万世帯以上がケーブル・テレビに加入するなど、新たな映像時代を迎えている。そんな状況のなか、ゴダールやシャブロルたち巨匠をはじめ、ベッソンやデプレシャンたち中堅が活躍する一方で、『私はどのように父を殺したか』（2001）のアンヌ・フォンテーヌAnne Fontaine（1959―　）、『ヒューマンネイチュア』（2001）のミシェル・ゴンドリーMichel Gondry（1963―　）をはじめ、クリストフ・バラティエChristophe Barratier（1963―　）、ロバン・カンピオRobin Campillo（1962―　）、ステファヌ・ブリゼStéphane Brizé（1966―　）といった若い世代が登場し、新鮮な感性によってフランス映画の幅を広げている。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

　21世紀初頭の最大の特徴は、女性監督の台頭だろう。ベテランのクレール・ドニClaire Denis（1948―　）は『ガーゴイル』（2001）、『ホワイト・マテリアル』（2009）など異文化と女性の問題を扱う作品を発表し続け、カトリーヌ・ブレイヤCatherine Breillat（1948―　）は『ロマンスX』（1999）などでフェミニズムの追及を続けている。パスカル・フェランPascale Ferran（1960―　）は、『レディ・チャタレー』（2006）で新しいチャタレイ像を示した。さらに若い世代では、バレリー・ドンゼッリValerie Donzelli（1973―　）は、『わたしたちの宣戦布告』（2011）で障害のある子どもを育てる若い夫婦を鮮烈に描き、ミア・ハンセン・ラブMia Hansen-Love（1981―　）は、『あの夏の子供たち』（2009）で夫の死後生きてゆく若い母の強い生き方をみせた。

　男性監督では、フランソワ・オゾンやベルギー出身のダルデンヌ兄弟が評価の高い作品を作り続けている。グザビエ・ボーボワXavier Beauvois（1967―　）は『神々と男たち』（2010）がようやくヒットし、クリストフ・オノレChristophe Honoré（1970―　）は『美しいひと』（2008）など着実につくり続けている。最近では、『アーティスト』（2011）でアカデミー作品賞など7部門を制したミシェル・アザナビシウスMichel Hazanavicius（1967―　）や『最強のふたり』（2011）が世界中でヒットしたエリック・トレダノEric Toledano（1971―　）とオリビエ・ナカーシュOlivier Nakache（1973―　）のコンビのように、海外でもヒットする娯楽作品を手がける監督も増えている。

［古賀　太］

俳優

優れた映画製作国の例に漏れず、フランスもまた多くの優秀な映画俳優を生み出した。第二次世界大戦前では、男優のアルベール・プレジャンAlbert Préjean（1894―1979）、ジャン・ギャバン、モーリス・シュバリエ、シャルル・ボアイエ、女優のフランソワーズ・ロゼーらのスターが一世を風靡(ふうび)し、またミシェル・シモンMichel Simon（1895―1975）やルイ・ジューベなどの特異な個性をもった俳優が活躍した。第二次世界大戦後では、男優のジェラール・フィリップやジャン・マレー、ジャン・ルイ・バロー、女優のダニエル・ダリュー、シモーヌ・シニョレSimone Signoret（1921―1985）、ミシュリーヌ・プレールMicheline Presle（1922―　）らが充実した仕事ぶりをみせた。1950年代後半にはアラン・ドロンとブリジット・バルドーの二大スターが出現し、またヌーベル・バーグはジャン・ポール・ベルモンド、ジャン・クロード・ブリアリJean-Claude Brialy（1933―2007）、ジャンヌ・モロー、アンナ・カリーナAnna Karina（1940―2019）、カトリーヌ・ドヌーブらを世に送り出した。1980年代から1990年代にかけては、ジェラール・ドパルデューGérard Depardieu（1948―　）、ダニエル・オートゥイユDaniel Auteuil（1950―　）、イザベル・アジャーニIsabelle Adjani（1955―　）、サンドリーヌ・ボネールSandrine Bonnaire（1967―　）、ジュリエット・ビノシュJuliette Binoche（1964―　）らが活躍した。その後、2000年代にかけては、ジャン・マルク・バールJean-Marc Barr（1960―　）、ブノワ・マジメルBenoît Magimel（1974―　）、バレリア・ブルーニ・テデスキValeria Bruni-Tedeschi（1964―　）、シャルロット・ゲンズブールCharlotte Gainsbourg（1971―　）らの個性豊かな演技が目だっている。

［岩本憲児・武田　潔・村山匡一郎］

　女優のベテランでは、カトリーヌ・ドヌーブが『しあわせの雨傘』（2010）など活躍を続けているが、2010年代、外国でも有名な女優は、マリオン・コティヤールMarion Cotillard（1975―　）である。『エディット・ピアフ　愛の賛歌』（2007）がアカデミー賞主演女優賞を得て以来、『インセプション』（2010）などハリウッドへの出演が続く。子役時代から活躍してきたビルジニー・ルドワイヤンVirginie Ledoyen（1976―　）もダニー・ボイルDanny Boyle（1956―　）監督の『ザ・ビーチ』（2000）ほか外国でも活躍。彼女とともにフランソワ・オゾン監督『8人の女たち』（2002）に出演したリュディビーヌ・サニエLudivine Sagnier（1979―　）は、ジャン・フランソワ・リシェJean-François Richet（1966―　）監督の『ジャック・メスリーヌ――フランスで社会の敵No.1と呼ばれた男』（2008）の評価が高い。そのほかレア・セドゥーLéa Seydoux（1985―　）は『マリー・アントワネットに別れをつげて』（2012）で主演し、若手の注目株である。

　男優では、マチュー・アマルリックMathieu Amalric（1965―　）が『潜水服は蝶(ちょう)の夢を見る』（2007）などアート系の映画で活躍し、『さすらいの女神たち』（2010）で監督・主演を務めた。メルビル・プポーMelvil Poupaud（1973―　）も、『ぼくを葬(おく)る』（2005）などアート系で活躍。メジャーでは、喜劇俳優のダニー・ブーンDany Boon（1966―　）が監督・出演した『シュティスへようこそ』（2008）が、フランス映画最大の2000万人を超すヒット。この映画に主演したアルジェリア系のカド・メラドKad Merad（1964―　）も人気抜群である。

［古賀　太］

『飯島正著『フランス映画史』（1950・白水社）』▽『岡田晋・田山力哉著『世界の映画作家29　フランス映画史――リュミエールからゴダールまで』（1975・キネマ旬報社）』▽『M・マルタン著、村山匡一郎訳『フランス映画1943―現代』（1987・合同出版）』▽『J・ドゥーシェ他著、梅本洋一訳『パリ、シネマ――リュミエールからヌーヴェルヴァーグにいたる映画と都市のイストワール』（1989・フィルムアート社）』▽『村山匡一郎著『映画100年　STORYまるかじり――フランス篇快作220本』（1994・朝日新聞社）』▽『ジョルジュ・サドゥール著、丸尾定・村山匡一郎・出口丈人・小松弘訳『世界映画全史5　無声映画芸術への道――フランス映画の行方1　1909―1914』（1995・国書刊行会）』▽『清水馨著『しねま・ふらんせ100年物語』（1995・時事通信社）』▽『中川洋吉著『カルチエ・ラタンの夢　フランス映画七十年代』（1998・ワイズ出版）』▽『山田宏一著『山田宏一のフランス映画誌』（1999・ワイズ出版）』▽『細川晋監修、遠山純生編『ヌーヴェル・ヴァーグの時代　1958―1963』改訂版（2003・エスクァイアマガジンジャパン）』▽『中川洋吉著『生き残るフランス映画――映画振興と助成制度』（2003・希林館）』▽『山崎剛太郎著『一秒四文字の決断――セリフから覗くフランス映画』（2003・春秋社）』▽『中条省平著『フランス映画史の誘惑』（集英社新書）』