Comedy movie

Japanese: 喜劇映画 - きげきえいが

This genre is as old as the birth of cinema, as evidenced by the comedy-filled film "The Waterspout" (1895), a film made by the Lumiere brothers (older brother Auguste and younger brother Louis) who invented film, which is a cinematograph (a type of film where the image is projected onto a screen using a camera and projector combined). However, as the cinematograph became cinema (film) and films developed as entertainment businesses, the importance of actors (comedians) increased, especially in comedy films, and it became common for the leading actor to also be the director, a tendency that became a characteristic of the genre until around the time of World War II.

From then on, comedy films can be broadly divided into two types: slapstick comedies and situation comedies. The former are particularly centered around comedians, and the laughs are generated by the intense slapstick actions such as chases and clownish behavior, while the latter place more emphasis on the script and direction, are less action-packed in comparison, and rely on the incongruous and absurd situations to create the humor.

[Jun Watanabe]

foreign country

The development of comedy films

Full-scale comedy films first began in the early 20th century with the light-hearted vaudeville-style slapstick comedies of Max Landale, a Frenchman who started out as a stage comedian. Landale's legacy was then continued by the American Mack Sennett, who is said to have adopted his stage name, Max. Sennett founded the Keystone Studios in 1912 and produced slapstick comedies that were popular for their fast-paced action until World War I.

However, in 1914, just before World War I, Chaplin made his debut at Keystone Studios, gaining popularity with his unique tramp-style slapstick, and from around The Gold Rush (1925) onwards, he made a name for himself by making dramatic feature films that incorporated pathos and human interest in life. Chaplin survived into the talkie era in the 1930s, and continued to be known as the king of comedy until after World War II.

However, Buster Keaton, who built the golden age of slapstick comedy alongside Chaplin in the 1920s, and Harold Lloyd, known for his Lloyd glasses, were destined to disappear with the arrival of the talkie era. However, Keaton, with his intense acrobatic movements in contrast to his expressionless face, succeeded in expressing a surrealistic and absurd world that was only possible in silent films, and it is worth noting that he was reevaluated since the 1960s, along with the Marx Brothers, who will be mentioned next. The Marx Brothers (the eldest brother Chico, the second brother Harpo, the third brother Groucho, and the fifth brother Zeppo, the fourth brother Gummo, who was only active for a short period as a boy because he was drafted for war) were in America in the 1930s and 1940s, and reflected the recession and premonition of war at the time, and won fans with a number of anarchic nonsense (or surrealist) comedies such as I Am a Duck (1933).

On the other hand, when it comes to situation comedies, it is worth noting that director Ernst Lubitsch, who moved to America from Germany in 1923, gained popularity with his urbane, witty, sophisticated comedies such as "The Apartment" (1924). This trend was continued and developed after World War II by Billy Wilder, who also moved to America from Germany, producing a number of masterpieces of humorous human comedy such as "The Apartment" (1960). Furthermore, this lineage can be seen as having led to the film adaptations of Neil Simon's comedies since the 1970s.

Then in the 1930s, we cannot overlook the series of screwball comedies that were made by director Frank Capra, a student of Sennett, in collaboration with screenwriter Robert Riskin (1897-1955), including Platinum Blonde (1931), It Happened One Night (1934), and The Opera Hat (1936). Capra's work continued until after World War II, but his optimistic and idealistic style certainly became outdated, and Capra's tastes were passed down, with different nuances, to director Preston Sturges in the 1940s, and to Woody Allen (who wrote, directed, and starred in the film), who will be mentioned later, after World War II.

Also in the 1930s, French director René Clair released films such as The Italian Hat (1927), a film adaptation of Eugène Labiche's (1815-1888) vaudeville (comedy with songs), and Le Million and Liberty for Us (both 1931), which influenced the whole world with their unique poetic social satire comedy, while retaining slapstick elements in the style of Randale. Among comedians, singers such as Fernandel and Michel Simon (1895-1975), as well as music hall star Maurice Chevalier, stood out.

[Jun Watanabe]

Post-World War II

It is worth noting that from the 1940s to the 1950s, which spanned the period between World War II, British director Alexander Mackendrick (1912-1993) was active in the United Kingdom, with films such as The Madame and the Thief (1955), considered a pioneering masterpiece of black comedy, and that he made a name for himself in the field of situation comedies together with his leading actor Alec Guinness.It is also worth noting that in the United States, musical comedies became increasingly popular, with a wide range of talented performers competing in the production.

Also, it should be noted that around this time, the trend of multiple comedians working together, starting with Laurel Hardy and the aforementioned Marx Brothers, gained momentum after the advent of talkies, and various series became popular. All of these were American, but examples of these include Bob Hope's "The Road" and "Coward" series, the mismatched duo of Bud Abbott (1897-1974) and Lou Costello (1906-1959), and the "Down" series with singer Dean Martin and vaudeville performer Jerry Lewis (1926-2017). In France, Jacques Tati (writer, director, and actor) released a series of "vacation films" such as "My Uncle" (1958), which were well-received for their humorous, soft comic touch that satirized the social situation.

From the 1960s onwards, in keeping with the stage, comedy on the screen also began to take on a more serious and dark humorous tone, but at the same time, there were occasional signs of a return to parody-style slapstick. In America, this can be seen in directors such as Woody Allen, who started out as a stand-up comedian (known as mandan in Japan), and former vaudeville performer Mel Brooks (1926- ). This can also be seen in the work of comedians such as the now deceased actors Jack Lemmon (1925-2001) and Walter Matthau (1920-2000) (their chemistry in director B. Wilder's 1974 film The Front Page was particularly exquisite), Dudley Moore (1935-2002), Peter Sellers (1925-1980) of the Pink Panther series, and Eddie Murphy (1961- ). In the UK, examples include Ian McNaughton (1925-2002) of the Monty Python series, in France, comedian Louis de Funès (1914-1983), and in Italy, directors Dino Risi (1916-2008) and Ettore Scola (1931-2016).

[Jun Watanabe]

Japan

In Japan, before the Second World War, continuing from the silent film era, comedians such as Torajiro Saito, director Kajiro Yamamoto, Kenichi Enomoto, Roppa Furukawa, the Entatsu-Achako duo, and Kingoro Yanagiya were prominent in nonsense comedy.

After the Second World War, Morishige Hisaya from the "Salaryman Comedy" series, Ueki Hitoshi (1926-2007) from the Crazy Cats, Banjun Zaburo (1908-1981), Frankie Sakai (1929-1996), Miki Norihei (1924-1999) and others gained popularity among the common people in film as well as on television. Of particular note is the long-running series "Otoko wa Tsurai yo" (It's Tough Being a Man), which began in 1969 and ended with the death of Atsumi Kiyoshi in 1996, starring director Yamada Yoji and starring Atsumi as Tora-san. Although it was a series of heartbreak stories with various twists and turns, Atsumi's skillful modern rakugo-style storytelling captured the hearts of the common people and it was certainly a cash cow for Shochiku. Although this line has been toned down considerably, it has been continued by the Tsuribaka Nisshi series, which began in the late 1980s and starred director Tomio Kuriyama (1941- ) (from the eleventh film in 2000, director Katsuhide Motoki, born in 1963), Rentaro Mikuni (1923-2013), and Toshiyuki Nishida (1947- ). Even more sophisticated works include Shall we Dance? (1995) by Masayuki Suo (1956- ), and Radio Time (1997), the first work by playwright Koki Mitani (1961- ). Although they have a light and culturally charged touch, they have brought a breath of fresh air to the genre.

Incidentally, this can be said about the whole world, but just as pure tragedy is difficult to achieve in modern times, comedy has also lost its reality with its former "funny" and "funny" forms, and is no longer able to truly move people's hearts. In the world of film, too, people are eagerly awaiting the emergence of a "comedy of life" that is not about customs but is a modern version of the Chekhovian tragedy-comedy of the past, and is both satisfying and innovative.

Now, as we enter the 21st century, this trend has accelerated globally amid political and social conditions and rapid advances in science and technology, making it fair to say that this has made contemporary comedy increasingly difficult to create.

Let's take a look at some of the problematic writers and works, both old and new. In America, Woody Allen, whose sharpness has somewhat dulled, still comes first, showing his mature and lively side in films such as La Vida (2009). Allen is particularly popular in France, a country where comedy has traditionally been loved and enjoyed, but there are no particularly outstanding comedic writers or works. Among the authors who are producing comparatively better works include Patrice Leconte (My Dear Friend, 2006) and Coline Serreau (1947-) (The Road to Saint-Jacques, 2005), as well as Laurent Tirard (1967-) of Molière: Comedy of Love (2007) and the work of the duo Agnès Jaoui (1964-) and Jean-Pierre Bacri (1951-2021) (Everyone is Someone’s Loved One, 2004). Also not to be missed is the unusual film "The Sun" (2005) by veteran Russian director Alexander Sokurov, which gained international acclaim for its portrayal of Emperor Showa in the style of Charlie Chaplin, starring Issey Ogata (1952-).

In Japan, the playwright Mitani Koki is popular among the general public for his mastery of film, as seen in the hugely successful "Suteki na Kanashibari" (2011). However, there is a noticeable intention to make people laugh, and there is little sense that the hidden truth of life is brought out and hidden in the way that comedy can. This is why people have high hopes for comedic film writers, works, and comedians who are clumsy but unassuming and actually sharp. In this respect, the loss of two talents, Itami Juzo ("The Funeral" 1984, etc.) and Morita Yoshimitsu (1950-2011) ("Family Game" 1983, etc.), is a great loss.

[Jun Watanabe]

"The Complete History of Silent Comedy" (1992), edited and published by the Comedy Film Research Society. ▽ "A Guide to the Greatest Comedy Films: 125 Films to Enjoy on Video" (1995, Shobunsha) , edited by Islands. ▽ "Woody on Allen: Discussing His Works," edited by Stig Bjorkman and translated by Omori Sawako (1995, Kinema Junposha). ▽ "The History of Japanese Comedy Films," written by Hara Kentaro and Nagataki Takahito (1995, NTT Publishing). ▽ "Billy Wilder's Autobiography," written by Helmut Karasek and translated by Segawa Yuji (1996, Bungeishunju). ▽ "Buster Keaton Autobiography: My Wonderful World of Slapstick Comedy," written by Buster Keaton and translated by Fujiwara Toshifumi (1997, Chikuma Shobo). ▽ "The Mysteries of Rene Clair" by Pierre Biard, translated by Kaoru Shimizu, Tatsuo Nakai, and Fumio Kashiyama (2000, Wise Publishing)" ▽ "What is Comedy? - In Honor of Molière and Chekhov" by Jun Watanabe (2011, Michitani)

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

映画の発明者リュミエール兄弟（兄オーギュスト、弟ルイ）のシネマトグラフ（映画撮影機と映写機を兼ねたものでスクリーンに映写する方式の映画）の一篇(ぺん)、ギャグに彩られた『水をかけられた水撒(みずまき)人』（1895）が証(あかし)ともなっているように、このジャンルは映画の発生とともに古い。しかしシネマトグラフがシネマ（映画）となり、映画が興行として発展するとともに、ことに喜劇映画では俳優（コメディアン）の比重が大きくなり、主役が同時に監督でもある場合が多くなって、この傾向は第二次世界大戦のころまで、このジャンルの特徴となったといってよい。

　以後、喜劇映画は流れとして、スラプスティック・コメディとシチュエイション・コメディの2系列に大別できるが、前者はことにコメディアン主体で、追いかけなどドタバタの激しい動きと道化ぶりが笑いを誘い、後者は脚本や演出に重きが置かれ、比較して動きが少なく、状況のちぐはぐさ、不条理がおかしさを生み出すのを身上としている。

［渡辺　淳］

外国

喜劇映画の発展

本格的な喜劇映画は、まず20世紀初頭、舞台の喜劇役者出身のフランス人マックス・ランデールの軽妙なボードビル風のスラプスティック・コメディに始まった。ついでランデールの系譜は、彼の名マックスを芸名としたといわれるアメリカ人マック・セネットに引き継がれ、セネットが創設（1912）したキーストン撮影所が生み出したスラプスティック・コメディは、第一次世界大戦中まで、そのスピーディーな運びが受けて一世を風靡(ふうび)した。

　しかし、第一次世界大戦直前の1914年に、このキーストン撮影所から今度はチャップリンがデビューし、あの独特な浮浪者スタイルのドタバタで人気をとり、『黄金狂時代』（1925）あたりから、そこへ人生のペーソス（哀感）とヒューマンな味わいを盛り込み、ドラマチックな、いわゆる劇映画をつくって気を吐いた。そしてチャップリンは1930年代に入って、トーキー時代になっても生き延び、第二次世界大戦後まで喜劇王の名をほしいままにした。

　けれども、1920年代にチャップリンと並んでスラプスティック・コメディの黄金時代を築いたバスター・キートンと、「ロイド眼鏡」のハロルド・ロイドは、トーキー時代の到来とともに消え行く運命を余儀なくされた。だがキートンは、あの無表情な顔と対照的な激しいアクロバティックな動きで、サイレントだからこそ可能だったシュルレアリスティックで不条理な世界の表現に成功し、次にふれるマルクス兄弟とともに、1960年代以降再評価されたことに注目したい。マルクス兄弟（長男チコ、次男ハーポ、三男グルーチョ、五男ゼッポの4人、四男のガンモは戦争に召集されたため少年時代の短期間のみ活動）は1930年代～1940年代のアメリカにあって、当時の不況と戦争の予感を反映しつつ、『我輩(わがはい)はカモである』（1933）など、数々のアナーキーなナンセンス（ないしシュルレアリスム）・コメディでファンを得ていた。

　他方、シチュエイション・コメディに関しては、まずアメリカで1923年にドイツから移ったエルンスト・ルビッチ監督が、『結婚哲学』（1924）など、都会風で機知に富んだソフィスティケイテッド・コメディで人気を得たことが特筆される。なお、この流れは、同じくドイツからアメリカに渡ったビリー・ワイルダーによって、第二次世界大戦後、継承発展させられ、『アパートの鍵(かぎ)貸します』（1960）など、艶笑(えんしょう)味に富んだ人情喜劇の名作があれこれと生み出された。さらにこの系譜は1970年代以降、ニール・サイモンの喜劇の映画化へとつながったとみられよう。

　それから1930年代には、セネット門下の監督フランク・キャプラが脚本家のロバート・リスキンRobert Riskin（1897―1955）と組んでつくった『プラチナ・ブロンド』（1931）をはじめ、『或(あ)る夜の出来事』（1934）、『オペラ・ハット』（1936）など、一連のスクリューボール・コメディ（変人喜劇）が見落とせない。キャプラの仕事は第二次世界大戦後まで続いたが、その楽天的で理想主義的作風は確かに時代遅れとなり、キャプラ的趣向は、ニュアンスを違えて1940年代にはプレストン・スタージェス監督に、第二次世界大戦後には後にふれるウディ・アレン（脚本・監督・主演）に引き継がれたとみなせよう。

　また1930年代には、フランスにおいてルネ・クレール監督が、ウジェーヌ・ラビッシュEugène Labiche（1815―1888）のボードビル（歌入り喜劇）の映画化『イタリア麦の帽子』（1927）や、『ル・ミリオン』『自由を我等(われら)に』（ともに1931）などを発表、ランデールの線上で、スラプスティックな要素を保ちながら、独特な詩的タッチの社会風刺喜劇を発表して全世界に影響を与えたことが忘れられない。コメディアンでは、歌手出身のフェルナンデルやミッシェル・シモンMichel Simon（1895―1975）、それにミュージック・ホールの花形、モーリス・シュバリエの活躍が際立った。

［渡辺　淳］

第二次世界大戦以降

第二次世界大戦を挟んだ1940年代～1950年代にかけては、イギリスで、アレクサンダー・マッケンドリックAlexander Mackendrick（1912―1993）監督がブラック・コメディの先駆的傑作といわれる『マダムと泥棒』（1955）などで活躍し、そこで主演した俳優、アレック・ギネスらとともにシチュエイション・コメディの分野で気を吐いたことと、アメリカでは、豊富なタレントの競演によってミュージカル・コメディがますます盛んにつくられるようになったことを特記しなければなるまい。

　それに、このころには、ローレル‐ハーディや、先述のマルクス兄弟の場合をはじめとして、何人ものコメディアンが組んで出演するトーキー以後の傾向にいよいよ拍車がかけられたことと、いろいろとシリーズものが盛んになったことに注意を促したい。いずれもアメリカ産だが、ボブ・ホープの「珍道中」シリーズや「腰抜け」シリーズ、バッド・アボットBud Abbott（1897―1974）とルー・コステロLou Costello（1906―1959）の凸凹(でこぼこ)コンビ、歌手ディーン・マーチンとボードビリアンのジェリー・ルイスJerry Lewis（1926―2017）の「底抜け」シリーズなどがそれである。フランスでは、ジャック・タチ（脚本・監督・主演）が『ぼくの伯父さん』（1958）など一連の「バカンス物」を発表、ユーモアいっぱい、ソフトなコミック・タッチで世相を皮肉ったのが評判をよんだ。

　1960年代以降には、舞台と歩調をあわせるように、スクリーンでも喜劇は、一方でシリアスでブラックなユーモアの色合いを強める反面、パロディー風のドタバタ調復活の兆しが散見するようになる。アメリカでは、スタンダップ・コメディ（日本でいえば漫談）出身の、先にもふれたウディ・アレンや、もとボードビリアンのメル・ブルックスMel Brooks（1926―　）といった監督らにそれがうかがえる。俳優では、ともに今は亡きジャック・レモンJack Lemmon（1925―2001）とウォルター・マッソーWalter Matthau（1920―2000）（ことにB・ワイルダー監督の1974年作品『フロント・ページ』における両人のコンビは絶妙だった）、ダドリー・ムーアDudley Moore（1935―2002）、「ピンク・パンサー」シリーズのピーター・セラーズPeter Sellers（1925―1980）、エディ・マーフィEddie Murphy（1961―　）らコメディアンの仕事ぶりにもそれはうかがえよう。イギリスでは「モンティ・パイソン」シリーズのイアン・マクノートンIan McNaughton（1925―2002）、フランスではコメディアンのルイ・ド・フュネスLouis de Funès（1914―1983）、イタリアでは監督のディノ・リージDino Risi（1916―2008）やエットレ・スコーラEttore Scola（1931―2016）らの名があげられる。

［渡辺　淳］

日本

日本についてみると、第二次世界大戦前では、サイレント時代から引き続き、ナンセンス・コメディの斎藤寅次郎や山本嘉次郎(かじろう)監督、榎本(えのもと)健一、古川緑波(ろっぱ)、エンタツ‐アチャコ・コンビ、柳家金語楼らコメディアンの活躍が目だった。

　第二次世界大戦後になると、「サラリーマン喜劇」シリーズの森繁久弥(ひさや)や、クレージーキャッツの植木等(ひとし)（1926―2007）、それに伴淳三郎(ばんじゅんざぶろう)（1908―1981）、フランキー堺（1929―1996）、三木のり平（1924―1999）らがテレビと平行して映画でもいわゆるタレントとして庶民の人気を集めた。とりわけ注目されるのは、1969年に始まり、1996年の渥美(あつみ)清の死によって幕を降ろした記録的なロングラン・シリーズ、山田洋次監督と主演渥美コンビの寅(とら)さんもの『男はつらいよ』であろう。手を変え品を変えての失恋シリーズだったが、渥美のモダン落語風語り口の巧みさで庶民の心をとらえ、松竹のドル箱だったことは確かである。この路線は、かなりトーンはダウンしているが、1980年代末から始まった栗山富夫（1941―　）監督（2000年の第11作からは、1963年生まれの本木克英(もときかつひで)監督）、三國(みくに)連太郎（1923―2013）、西田敏行（1947―　）主演の『釣りバカ日誌』シリーズに継承されている。そして、さらにソフィスティケートされたものとしては、周防正行(すおまさゆき)（1956―　）の『Shall we ダンス？』（1995）や、劇作家の三谷幸喜(みたにこうき)（1961―　）が初めて手がけた『ラヂオの時間』（1997）などが、軽い風俗的タッチでだが、このジャンルに新風を送り込んでいることをいい添えておこう。

　ところで、これは世界全体についていえることだが、現代では純粋悲劇が成り立ちにくいのと同様に、喜劇もかつてのような「お笑い」や「おふざけ」ではリアリティを失い、本当に人心を揺さぶることはできなくなっている。映画でも往年のチェーホフ的な悲・喜劇の現代版とでもいえる、手ごたえの確かで斬新な、風俗ではなくて「人生喜劇」の出現が待望されている。

　そして、この傾向は21世紀を迎えると、政治や社会情勢と科学・技術の急進展のなかで、いよいよグローバルに加速しており、このせいで今日的喜劇はますます創出しにくくなっているといっていいだろう。

　が、そのなかから新旧の、ともあれ問題作家や作品をいくつか拾い出してみよう。アメリカでは、鋭鋒(えいほう)の冴えは多少とも鈍りはしているが、やはり第一には『人生万歳』（2009）などで、円熟した生きのよさをみせているウディ・アレンがあげられよう。そして、アレンの人気がとりわけ高く、伝統的に喜劇が愛され、喜ばれている国フランスでも特出した喜劇作家・作品は見あたらない。比較して出来のいい作品を世に問うている作家では、パトリス・ルコント（『僕の大切なともだち』2006年）やコリーヌ・セローColine Serreau（1947―　）（『サン・ジャックへの道』2005年）らをはじめ『モリエール　恋こそ喜劇』（2007）のローラン・ティラールLaurent Tirard（1967―　）やアニエス・ジャウイAgnès Jaoui（1964―　）とジャン・ピエール・バクリJean-Pierre Bacri（1951―2021）のコンビ（『みんな誰かのいとしい人』2004年）の仕事などが注目される。それに、ロシアのベテラン監督、アレクサンドル・ソクーロフが、イッセー尾形（1952―　）を主役に昭和天皇をチャップリン風に描いて国際的評価を得た異色作『太陽』（2005）などがまた見落とせない。

　日本についていうと、劇作家三谷幸喜が映画でも、たとえば大当たりした『ステキな金縛り』（2011）にみられるように、熟達ぶりを示して一般に人気が高い。しかし何かそこには笑わせようという意図が目だち、仕掛けが人生の隠れた真実を、喜劇だからこそ引き出し、しのばせるような気配が薄い。不器用でもさりげなくて実は鋭い喜劇映画の作家・作品ないしはコメディアンが期待されもする所以(ゆえん)である。それにつけても、伊丹十三(いたみじゅうぞう)（『お葬式』1984年など）と森田芳光(よしみつ)（1950―2011）（『家族ゲーム』1983年など）、二つの才能の喪失が惜しまれてならない。

［渡辺　淳］

『喜劇映画研究会編・刊『サイレント・コメディ全史』（1992）』▽『アイランズ編『喜劇映画名作案内　ビデオで愉しむ125本』（1995・晶文社）』▽『スティーグ・ビョークマン編著、大森さわこ訳『ウディ・オン・アレン――全自作を語る』（1995・キネマ旬報社）』▽『原健太郎・長滝孝仁著『日本喜劇映画史』（1995・NTT出版）』▽『ヘルムート・カラゼク著、瀬川裕司訳『ビリー・ワイルダー自作・自伝』（1996・文芸春秋）』▽『バスター・キートン著、藤原敏史訳『バスター・キートン自伝――わが素晴らしきドタバタ喜劇の世界』（1997・筑摩書房）』▽『ピエール・ビヤール著、清水馨・中井多津夫・樫山文男訳『ルネ・クレールの謎』（2000・ワイズ出版）』▽『渡辺淳著『喜劇とは何か――モリエールとチェーホフに因んで』（2011・未知谷）』