Instrument (Gakki) (English)

Japanese: 楽器 - がっき（英語表記）instrument 英語

A general term for tools that produce sound and are used for musical expression. Musical expression is not limited to aesthetic requirements, but also includes religious and practical items such as those used in rituals and medicine. Therefore, anything that produces sound can be considered a musical instrument. Even today, there are attempts to process everyday items and use them as musical instruments, and the distinction between musical instruments and non-instruments is not clear. The determination of whether something is a musical instrument or not is based on custom, culture, and institution, as well as on the user.

The Western word "instrument" is a word that refers to a musical instrument in general, and the Greek word "organon," which means an instrument, is also used to mean a musical instrument, and this is the origin of the English names for "musical instrument studies," such as "organology" and "organography."

[Maekawa Haruhisa]

The Significance of Instruments

Musical instruments are tools for producing sound, but since humans already have organs for producing sound (voice), the significance of the existence of musical instruments can be made clear by comparing the sounds of musical instruments with the human voice.

One of the characteristics of musical instruments that differs from the human voice is that they have a fixed pitch. However, there are some instruments that do not have a clear sense of pitch and are only related to rhythm. Also, when blowing into a tube, it is easy to produce sounds that belong to the harmonic series, so pitch changes that are not continuous like those of the voice can be obtained. Furthermore, with musical instruments, differences in pitch can be easily shown spatially and visually. For example, the pitch changes depending on the size of the object struck, as with a xylophone, or the length of the tube or string, as with a pan flute or harp. This characteristic becomes even more pronounced when the pitch is actively changed by changing the length of the string or by making finger holes in the tube. For these reasons, musical instruments can provide a standard for pitch for the voice, and this role is particularly clear when considering the accompaniment to singing. Also, you can imitate the sounds you hear or sing with an instrument, or conversely, you can sing after checking the sound with an instrument, and even, like with keyboard instruments, you can visually grasp the relationship between sounds on the instrument.

Regarding the origins of music, it is not clear which came first, singing or musical instruments, and there are various theories, but at the very least, it is difficult to imagine the formation of a systematic sound structure without taking into account the characteristics of musical instruments (discontinuity, spatialization, and visualization of sound).

Moreover, unlike the human voice, instruments are produced and controlled using the hands, breath, and sometimes the whole body. Although breath is also involved in vocalization, its characteristics are different from those of instruments. This, combined with the human urge to express emotions through movement, adds a kinesthetic sensation associated with bodily movement to the musical experience, and furthermore, due to the characteristics of instruments that spatialize and visualize sound, a spatial sensation is added to the musical experience, giving musical expression a different character from singing.

The most straightforward reason for the existence of musical instruments is to expand the possibilities of expression. To begin with, the very act of owning an instrument means having a sound that is different from the voice. Also, the human vocal range is usually just over one octave, and even for those who are trained, it is often only about two octaves, and the range from low male voices to high female voices is about four octaves. In contrast, musical instruments can produce pitches that are completely impossible for the voice to produce. For example, an orchestra has a range of nearly seven octaves from the tuba to the piccolo, a single piano has a range of more than seven octaves, and an organ has an even wider range. However, the musical significance of the lowest and highest ranges is questionable, and the lowest ranges in particular are rarely used alone.

The expansion of expressive possibilities through musical instruments applies not only to the range of sound, but also to tone and volume. Instruments have a wide variety of tones, and the sharp onset sounds of percussion, struck string instruments, and plucked string instruments in particular cannot be achieved with the voice. Furthermore, some instruments make it possible for one person to produce multiple sounds. However, even though musical expressive possibilities are expanded through instruments, this does not immediately indicate the absolute superiority of instruments over the voice. Although there have been attempts to imitate words with instruments, such as talking drums, instruments are fundamentally unable to produce words and cannot sing. Instruments also have disadvantages because they are played using the body, which will be discussed later.

[Maekawa Haruhisa]

Instruments and Performances

For an instrument to be a tool used in musical expression, it must be incorporated into the cycle of sound → perception → reflection → physical movement → sound, and the instrument must be able to become a part of the body, so to speak, as something that transcends the body. In this respect, instruments can be considered to be modeled on the human voice. However, the condition of being able to become a part of the body often contradicts the expansion of musical expressive possibilities mentioned above. As an example, let's compare the sound produced by instruments such as the flute and the organ.

The sound produced by the flute is produced by the breath, but the volume of the sound depends on how hard or weak the blow is. The pitch of the sound changes depending on how the finger holes are pressed, as well as the blowing method. It is particularly important to be able to obtain a variety of expressions by changing the attack of the sound through tonguing and breath control. On the other hand, in an organ, the sound is turned on or off by turning on or off the air from the blower. If the mechanism is mechanical (some are electric), the attack can be changed to some extent, but it is only slightly different from that of the flute. The change in tone is achieved by the combination of pipes, and the change in volume is achieved by opening and closing the louvers and the combination of pipes. The change in pitch is caused by the keys, but there is no necessary connection between the position of the keys and the pitch. It is also in contrast to the flute in that the sound cannot be changed after pressing the keys, except by cutting them. Utilizing the change in sound after sound production is more characteristic of the shakuhachi, for example, than the flute.

Thus, the larger the scale and complexity of musical instruments become in an effort to expand the possibilities of expression, the more of it is left to the machine, and the less the human can directly control. Although electronic musical instruments have made rapid advances in the 20th century, expanding the possibilities of musical expression to an almost limitless extent, they have yet to become mainstream. One reason for this is thought to be the constraint that they are difficult to control as an extension of the body.

[Maekawa Haruhisa]

Instruments and Sound

Each instrument has its own unique sound characteristics. Here, we will take a look at the three elements of sound - pitch, volume, and timbre - for stringed instruments, wind instruments, and percussion instruments. Keyboard instruments fall into one of these categories in terms of their sound-producing mechanisms.

The sense of pitch roughly corresponds to the frequency of the sound, and the higher the frequency, the higher the pitch is perceived to be, but it can also be affected by the timbre. The frequency of a string is basically determined by the length, tension, thickness, and specific gravity of the material. To change the pitch, the length of the string is often changed, but the tension can also be changed, and tuning is generally done by adjusting the tension. However, the koto is tuned by changing the length of the strings after the tension is uniform, and the pitch can be changed by changing the tension (oshite).

In the case of a tube, the frequency of the air column is determined mostly by the length of the tube, with the tube's diameter and shape having a small effect. The speed of sound through the air also plays a role, so the pitch changes with temperature. It is also possible to produce notes that belong to the harmonic series, and the natural horn only uses these. To achieve a greater range of pitch, finger holes can be drilled or the tube length can be made variable (either by equipping it with a valve mechanism or by using a sliding mechanism).

In the case of percussion instruments, it is difficult to analyze the vibrations of the actual instruments, and because the complexity of the vibrations means that they contain many partial tones other than overtones, many instruments do not have a clear sense of pitch. Instruments for which pitch is a consideration include the mridangam, which is tuned by applying tuning paste to the membrane, and timpani, which change pitch by adjusting the tension of the membrane with a screw or pedal. In the case of small drums, the tension of the membrane is changed by tuning strings, and a unique expression is achieved by combining this with the way the drum is struck. In the case of percussion instruments that use the vibrations of sticks or plates, it is not easy to adjust the pitch, so multiple sounding bodies are often lined up, like the glockenspiel.

The loudness of a sound is a sensory quantity, and is distinct from its strength, which is a physical quantity. The loudness of a sound roughly corresponds to its strength, but while a strong sound feels loud, a sound that feels loud is not necessarily strong. For example, in woodwind instruments and pianos, the amount of overtones contained can change depending on the way the breath is blown and the strength with which the keys are struck, and this can affect the sense of volume, even within the range of sound intensity. The sense of volume also varies depending on the pitch of the sound. With the exception of instruments such as the harpsichord, which have almost no change in volume, there is no limit to how quiet a sound can be, but the limit for how loud a sound can be varies from instrument to instrument. Stringed instruments usually have resonators attached to them because the surface area of the strings alone is small and they cannot produce loud sounds.

It is often said that timbre is determined by the harmonic structure, but when it comes to the timbre of an instrument, the change in volume over time (envelope) is more important than the harmonic structure, and if the time changes are removed from the sound, it is difficult to hear the differences in timbre. Particularly important are the onset and decay, and the onset of a sound is when differences in harmonic structure are easiest to hear. Harmonic structure can also change over time. The timbre of string vibration is determined by the condition of the string, but even more important is the method of producing sound (broadly divided into plucking, striking, or bowing) and the point at which the sound is produced (which part of the string is plucked, struck, or rubbed). The body and resonators have a major impact not only on volume but also on timbre. In the case of the vibration of the air column of a tube, the timbre is determined mainly by the shape of the tube (conical, cylindrical, or a combination of both, open or closed ends), the condition of the tube's inner wall, the way in which the air column is vibrated (by a reed, lips, or edge), and the playing method. Opinions are divided as to the influence of the tube's material. Because the classification of percussion instruments is based on the action of sound production, rather than on the sound-producing body as in stringed or wind instruments, it is difficult to describe the characteristics of percussion sounds in general, but one characteristic is the sharp onset of the sound produced by striking . There are percussion instruments that are not played by striking, such as those that are shaken, scraped, dropped, or strummed, but in terms of sound production, they have many similarities to percussion instruments that are played by striking. The timbre also changes depending not only on the instrument itself, i.e., its material, shape, and structure, but also on what is struck and the part that is struck.

[Maekawa Haruhisa]

Instruments and Music

For an instrument to be a tool for musical expression, it must correspond to the relevant musical system. One of the main elements of a musical system is the scale, and unless it can produce all the scale notes, such as many percussion instruments that do not have a clear sense of pitch and are only related to rhythm, an instrument will have no meaning as an instrument or will only play a supporting role. Furthermore, since music is an expression through the movement of sounds, it is not enough to be able to produce scale notes; at the very least, it is required to be able to easily perform the sound movements that are often used in the musical system.

The relationship of musical instruments to music is not only subordinate, but also has the aspect of musical instruments creating music. We have already touched on the relationship between musical instruments and the establishment of scales, but musical instruments do not only create music in terms of scales. Of course, there is no musical music without instruments, but more than that, instruments influence musical expression beyond the mere sound of instruments as musical material. Instruments have ranges and volumes, as well as constraints and possibilities associated with the structure and playing method of the instruments, and timbre characteristics, and musical expression is done according to these. The invention of new instruments may or may not be due to the requirements of musical expression, but at the very least, new instruments become a driving force for new musical expression. However, the performance of instruments and the limitations of performance ability may also frame musical expression, and the attempt to go beyond that frame may encourage the improvement of instruments and performance techniques. In this way, the evolution of musical instruments and the evolution of instrumental music are inseparable. This mutual influence relationship between instruments and music applies not only to instrumental music, but also to the voice and instruments.

Musical instruments are also related to music theory. Experiments with the monochord played an important role in the establishment of Pythagorean music theory. By using the monochord, it is possible to understand the relationship between pitches as a quantitative relationship. Modern European music theory is based on keyboard instruments such as the piano. Furthermore, the hexaton scale and the twelve-tone scale would be unthinkable without keyboard instruments.

[Maekawa Haruhisa]

Origin and distribution of musical instruments

The origin of musical instruments is unclear, but judging from the simplicity of the action, striking a part of the body or an object would be the most primitive. Generally, the more primitive the instrument, the more globally it is distributed; for example, drums and flutes can be found almost all over the world. These are thought to have developed independently without mutual influence, but some instruments have a single origin and have spread to various places, undergoing modifications depending on the musicality, climate, environment, and availability of materials in each region. However, just because similar instruments are found in different regions does not necessarily mean that they have the same origin.

One interesting example of instruments that spread and spread is the lute family. The lute appeared in Mesopotamia around 2000 BC, and was introduced to Egypt around 1500 BC. Later lutes are broadly divided into those with long necks and those with short necks, with the long-necked lutes being mainly used in ancient Egypt, and to a lesser extent in Greece and Rome. The short-necked lute can be seen in Persian clay statues from the 8th century BC and in Gandhara art in India from the early 19th century. The lute was introduced to Europe from China (the moon lute) and the Korean peninsula, and to Japan (the biwa) in the 10th century, and from the Islamic Near East (the oud) in the west, around the 10th century, and became popular throughout Europe in the 16th century. The American banjo originated from an African folk instrument, and the Hawaiian ukulele originated from the Portuguese machete, both of which were introduced in the 19th century. Furthermore, the domra, which is the basis of the Russian balalaika, is said to be related to lute-family instruments such as the Kazakh dombra and the Arab tambour.

[Maekawa Haruhisa]

Types and classifications

There are an almost limitless number of musical instruments. There have been many attempts to classify and organize the wide variety of musical instruments, but the most representative is the classification method proposed by Erich M. von Hornbostel and Kurt Sachs (1914, known as the MHS), which is a revision and rethinking of Victor-Charles Maillon's classification method, which was based on an Indian musical instrument classification system.

In this classification, instruments are first divided into four major categories based on the type of sound-producing body: (1) idiophones, (2) membranophones, (3) chordophones, and (4) aerophones. Each category is further divided into more detailed categories based on the playing method and the relationship between the sound-producing body and the body and resonator. Each category is assigned a classification number and is used for research. In 1940, Sachs added electrophones (electrically amplified and electrically oscillating instruments) to these four categories, making a total of five categories.

Other than these five-way classifications, André Chefnel's two-way classification (1932, 36), which divides instruments into those that vibrate solid bodies and those that vibrate air, the traditional three-way classification in Europe (wind instruments, stringed instruments, percussion instruments), and a four-way classification that adds electric instruments, are also known. China also has a Han Dynasty classification system called "Eight Sounds" based on the material of the sounding body, which is classified as "metal" (metal percussion instruments), "stringed instruments," "bamboo" (wind instruments), "stone" (stone percussion instruments), "feng" (clay), "earthenware," "leather" (drums), and "wood" (wooden instruments). In Japan, traditional instruments are called "narimono" (musical instruments) and are classified into "uchimono" (percussion instruments), "hikimono" (playing instruments), and "fukimono" (playing instruments).

[Maekawa Haruhisa]

"The History of Musical Instruments, by Kurt Sachs, translated by Goro Kakigi, 2 volumes (1966, Zen-On Music Publishers)" ▽ "The History of Musical Instruments, by Takatomo Kurosawa (1956, Ongaku No Tomosha)" ▽ "The Acoustics of Musical Instruments, by Yoshinori Ando (1961, Ongaku No Tomosha)" ▽ "Illustrated Guide to Musical Instruments of the World, supervised by Tatsuo Minagawa (1981, Shogakukan)"

Classification of musical instruments (by Hornbostel and Kurt Sachs)
©Shogakukan ">

Classification of musical instruments (Hornbostel, Kurt Saxony)

Source: Shogakukan Encyclopedia Nipponica About Encyclopedia Nipponica Information | Legend

Japanese:

音楽表現のために用いられる、音を発する道具の総称。音楽表現といっても、美的要求によるものに限られるわけではなく、祭祀(さいし)や医術などのための、宗教的ないし実用的なものまで含めて考える必要がある。したがって、音の出る物であればすべてが楽器になりうる。現在でも日用品などを加工し楽器として用いる試みがあり、楽器と楽器でないものとの区別は明確ではない。楽器であるかないかの判定は、習慣的、文化的、制度的であるとともに、使用者にもゆだねられている。

　西欧語で楽器を示すinstrumentなどは、いずれも道具一般を示す語であり、ギリシア語で道具を意味する「オルガノン」organonも楽器の意味で用いられ、「楽器学」の英語名organology, organographyなどはこれが語源になっている。

［前川陽郁］

楽器の意義

楽器は音を出すための道具であるが、人間には音（声）を出すための器官がすでに備わっているため、楽器音と肉声との比較によって、楽器の存在意義を明らかにすることができよう。

　肉声の場合と異なる楽器の特徴の一つは、一定の音高をもつことである。ただし、音高感が明確でなく、リズムにのみかかわる楽器もある。また、管を吹いた場合などは倍音列に属する音が容易に出るため、声のように連続的ではない音高の変化が得られる。さらに、楽器では音高の相違を空間的、視覚的に容易に示すことができる。たとえば、木琴のようにたたく物の大きさ、パンの笛やハープのように管や弦の長さの違いで音高は変化する。弦の長さを変えたり管に指孔をあけたりすることで積極的に音高を変えるようになれば、この特徴はいっそう顕著である。これらのことから、楽器は声に対して音高の基準を与えることができ、とくに歌の伴奏を考えればその役割は明白である。また、聴いたり歌ったりする音を楽器でまねたり、逆に楽器で音を確かめてから歌ったりすることができ、さらには、鍵盤(けんばん)楽器のように、音の関係を楽器上で視覚的にとらえることもできる。

　音楽の起源に関して、歌と楽器との先後関係は明らかではなく、さまざまな説があるが、少なくとも、体系的な音組織の成立は、楽器の特性（音の非連続化・空間化・視覚化）を抜きにしては考えにくい。

　また楽器は、肉声とは違って、手や息、ときには全身を使って発音され、コントロールされる。発声にも息は関係するが、楽器の場合とは性格が異なる。このことは、動作によって感情を表現するという人間の動作衝動と相まって、身体運動に伴う運動感覚を音楽体験に加え、さらに音を空間化・視覚化する楽器の特徴から、空間的な感覚が音楽体験に加わることで、音楽表現が歌とは異なった性格をもつ。

　楽器のもっとも端的な存在意義は、表現可能性の拡大である。そもそも楽器をもつこと自体が、声とは別の音をもつことである。また、人間の声域が通常で1オクターブ強、訓練された人でも2オクターブ程度の場合が多く、男性の低声から女性の高声までの幅も約4オクターブであるのに比べ、楽器は、声にはまったく不可能な音高のものもつくることができる。たとえば、オーケストラではチューバからピッコロまで7オクターブ近くの音域があり、ピアノとなると1台で7オクターブ以上、オルガンはさらに広い音域をもつ。ただし、その最低・最高音域の音楽的意義は疑わしく、とくに最低音域の音が単独で使用されることはまずない。

　楽器による表現可能性の拡大は、音域ばかりでなく、音色や音量についてもいえる。楽器の音色は多彩であり、とくに打楽器や打弦楽器、撥弦(はつげん)楽器の立ち上がりの鋭い音は、声では得られない。さらに楽器によっては、1人で複数の音を出すことが可能になる。しかし、音楽の表現可能性が楽器によって拡大するといっても、それがただちに声に対する楽器の絶対的優位を示すわけではない。トーキング・ドラムのように楽器でことばを模倣する試みはあるものの、基本的には楽器はことばを発することができず、歌を歌うことはできない。また楽器には、身体を用いて演奏するための欠点もあり、これについては後述する。

［前川陽郁］

楽器と演奏

楽器が音楽表現に用いられる道具であるためには、音→知覚→反省→身体運動→音の循環のなかに組み込まれ、いわば身体を越えた物としての楽器が身体の一部となることができなければならない。この点では、楽器は肉声をモデルにしていると考えられる。しかし、身体の一部になることができるという条件は、往々にして前述の音楽の表現可能性の拡大とは矛盾する。一例として、楽器の発音についてフルートとオルガンとを比較してみよう。

　フルートの発音は息によるが、音の大きさの変化は吹き方の強弱による。音高の変化は、指孔の押さえ方によるほか、吹き方も関係する。とくに重要なのは、タンギングや息のコントロールで音のアタックを変化させることにより、多様な表情が得られることである。一方、オルガンでは、送風装置からの空気を流すか止めるかによって、音を出したり切ったりする。その機構が機械式（電気式のものもある）ならば、アタックをある程度変えられるが、フルートに比べればわずかである。音色の変化はパイプの組合せで、音の大きさの変化はよろい板の開閉とパイプの組合せで得られる。音高の変化は鍵盤によるが、鍵(キー)の位置と音高とに必然的なつながりはない。また、鍵を押さえたのちは切る以外に音を変化させることができない点でも、フルートとは対照的である。発音後の音の変化を活用することは、フルートよりも、たとえば尺八に特徴的である。

　このように、表現可能性の拡大を求めて、楽器の規模が大きくなり複雑さが増すほど、いわば機械まかせの部分が多くなり、人間が直接コントロールできる割合が低くなりがちなのである。20世紀になって電子楽器が急速に進歩し、音楽の表現可能性が無限といえるほど拡大しているにもかかわらず、なかなか主流となるに至れないのは、一つには、身体の一部としてコントロールしにくいという制約があるためと考えられる。

［前川陽郁］

楽器と音

それぞれの楽器には固有の音の性質がある。ここでは音の三要素とされる「高さ」「大きさ」「音色」の概略を、弦楽器、管楽器、打楽器についてみてみよう。鍵盤楽器は、発音機構上はこれらのどれかに相当する。

　音の高さの感覚は音の振動数にほぼ対応し、振動数が多いほど高く感じられるが、音色に左右されることもある。弦の振動数は、基本的には、弦の長さ、張力、太さ、材質の比重によって決定される。音高を変化させるためには、弦の長さを変えることが多いが、張力を変えることもあり、とくに調弦は張力の調節によるのが一般的である。ただし箏(こと)は、弦の張力をそろえたうえで長さを変えて調弦され、張力を変えること（押し手）で音高の変化がつけられる。

　管の場合、つまり空気柱の振動数は、管の長さによってほとんど決定されるが、管の太さや形状もわずかながら影響する。空気中を伝わる音の速さも関係するため、温度により音高が変わる。倍音列に属する音を出すこともでき、自然ホルンはこれのみを利用する。それ以上の音高の変化を得るためには、指孔をあける場合と、管長を変えられるようにする（バルブ装置を備える、もしくはスライド式にする）場合とがある。

　打楽器の場合、実際の楽器の振動の解析はむずかしく、また振動の複雑さから倍音以外の部分音を多く含むために、明確な音高感をもたないものが多い。音高が意識されるものとしては、調音ペーストを膜に塗って調律されるムリダンガムや、ねじやペダルで膜の張力を調節して音高を変えるティンパニなどがある。小鼓(こつづみ)では調緒(しらべお)により膜の張力を変え、打ち方と組み合わせることで特有の表情を得る。棒や板の振動を利用する打楽器の場合は、音高の調節が容易でないため、鉄琴のように複数の発音体が並べられることが多い。

　音の大きさは感覚的なものであり、物理量である強さとは区別される。音の大きさは強さにおおよそ対応するが、強い音は大きく感じられるのに対して、大きく感じられる音が強いとは限らない。たとえば木管楽器やピアノでは、音の強さが変化しない範囲内で、息の吹き込み方や打鍵の強さによって倍音の含まれ方が変わり、音量感が変わることがあり、また音の高さによっても音量感には差がある。ハープシコードのように音量の変化がほとんど得られない楽器は別として、小さな音の限りはないが、大きな音の限界は楽器によって異なる。弦楽器は、弦だけでは表面積が小さく強い音が出せないため、共鳴器がつけられるのが通例である。

　音色は倍音構造によって決まると説明されることが多いが、楽器の音色に関しては、音量の時間的変化（エンベロープ）が倍音構造以上に重要であり、音から時間的変化を取り除くと音色の違いはわかりにくい。とくに重要なのは立ち上がりと減衰であり、音の立ち上がりは、倍音構造の違いがもっとも聴き取りやすいときでもある。また、倍音構造が時間的に変化することもある。弦の振動の音色は、弦の条件によっても決まるが、それ以上に重要なのは、音を出す方法（大きく分けて撥弦(はつげん)か打弦(だげん)や擦弦(さつげん)か）であり、音を出す点（弦のどの部分を撥(はじ)く、打つ、擦(こす)るか）である。胴や共鳴器は、音量ばかりでなく、音色にも大きく影響する。管の空気柱の振動の場合、音色を決めるのは、主として管の形状（円錐(えんすい)か円柱か、両者の組合せか、管の端が開いているか閉じているか）、管の内壁の状態、空気柱への振動の与え方（リードによるか、唇によるか、エッジ音によるか）、そして演奏方法である。管の材質の影響については意見が分かれている。打楽器という分類は、弦楽器や管楽器のように発音体に関するものではなく、発音の動作に関するものであるため、打楽器の音の性格を包括的に述べることはむずかしいが、一つの特徴は、その打つということによる鋭い音の立ち上がりである。打って演奏するのではない打楽器、たとえば、振るもの、擦るもの、落下させるもの、かき鳴らすものもあるが、発音上は、打って演奏する打楽器と類似する点が多い。また楽器そのもの、つまり材質や形状や構造だけでなく、何で打つか、また打つ部位によっても音色は変化する。

［前川陽郁］

楽器と音楽

楽器が音楽表現のための道具であるためには、楽器が当該音楽体系に対応していなければならない。音楽体系の主要な要素の一つは音階であり、打楽器の多くのように、明確な音高感をもたずリズムにのみかかわるものは別として、すべての音階音を出すことができなければ、楽器としての意味をなさないか、補助的な役割にとどまる。さらに、音楽は音の動きによる表現なのだから、音階音を出せるだけでは十分ではなく、少なくとも、音楽体系のなかで多く使われる音の動きを容易に演奏できることが要求される。

　音楽に対する楽器の関係は、従属的なものだけでなく、楽器が音楽をつくるという側面もある。楽器と音階の成立との関係については先に触れたが、楽器が音楽をつくるのは、音階の面だけにとどまらない。楽器なしには楽器の音楽がありえないのはもちろんであるが、それ以上に、単に音楽の素材としての楽器音ということを超えて、楽器が音楽表現を左右する。楽器には、音域や音量の、また楽器の構造や演奏法に伴う制約ないし可能性、音色上の特性などがあり、それらにあわせた音楽表現がなされる。新しい楽器の発明は、音楽表現上の要求からであることも、そうでないこともあるが、少なくとも、新しい楽器は新しい音楽表現への原動力になる。しかしまた、楽器の性能や演奏能力の限界が音楽表現を枠づけ、その枠を超えようとすることが楽器や演奏技巧の改良を促すこともある。このように、楽器の変遷と器楽の変遷とは不可分の関係にある。このような楽器と音楽との相互影響関係は、器楽だけでなく、声と楽器についても当てはまる。

　また楽器は、音楽理論とも関係している。ピタゴラス学派の音楽理論の成立には、モノコードによる実験が重要な役割を果たしていた。モノコードを用いることで、音高の関係を数量的関係としてとらえることができるのである。ヨーロッパの近代以降の音楽理論は、ピアノをはじめとする鍵盤楽器のうえに成り立っている。そして、鍵盤楽器を抜きにしては、六音全音音階や十二音音階は考えられない。

［前川陽郁］

楽器の起源と分布

楽器の起源は明らかではないが、動作の単純さからいえば、身体の一部や物をたたくことがもっとも原初的であろう。一般に、原始的な楽器ほど分布は世界的であり、たとえば太鼓や笛の類はほとんど世界中にみられる。これらは相互影響なしに独立して発生したと考えられるが、楽器によっては、ただ一つの起源をもち、各地に伝播(でんぱ)し、それぞれの地域の音楽性、気候・風土、材料の入手しやすさなどの点から変形を加えられたものもある。ただし、類似の楽器が異なった地域でみられるからといって、それらが同一起源をもつとは限らない。

　伝播や分布の点で興味深いのは、たとえばリュート属の楽器である。リュートはメソポタミアに紀元前2000年ごろ現れ、前1500年ごろにはエジプトに伝えられた。その後のリュートは、棹(さお)の長いものと短いものとに大別されるが、棹の長いリュートは主として古代のエジプトで、またギリシアやローマでもわずかながら用いられた。棹の短いリュートは、前8世紀のペルシアの粘土像や、紀元後初頭のインドのガンダーラ美術にみられる。東へは、中国（月琴(げっきん)）、朝鮮半島から、10世紀には日本（琵琶(びわ)）に、西へはイスラム圏の近東（ウード）から、10世紀ごろヨーロッパに伝えられ、16世紀にはヨーロッパ中で流行した。また、アメリカのバンジョーはアフリカの民俗楽器が、ハワイのウクレレはポルトガルのマシェーテが、どちらも19世紀に伝わったことに始まる。さらに、ロシアのバラライカのもとになったドムラは、カザフのドンブラ、アラブのタンブールといったリュート属の楽器と関連があるといわれている。

［前川陽郁］

種類と分類

楽器の種類は無限といってよい。多種多様な楽器を分類・整理する試みも多くあるが、なかでも代表的なのは、エーリヒ・M・フォン・ホルンボステルとクルト・ザックスとによる分類法（1914。MHSとよばれる）である。これは、インドの楽器分類法をもとにしたビクトル・シャルル・マイヨンの分類法を補正、再考したものである。

　この分類法では、楽器はまず発音体の種類によって、(1)体鳴楽器idiophone、(2)膜鳴楽器membranophone、(3)弦鳴楽器chordophone、(4)気鳴楽器aerophoneの四つに大分類される。さらにおのおのは、演奏法や、発音体と胴体および共鳴体との関係などによって、細かく分類される。そして各項目には分類番号が付されて、研究に供されている。ザックスは1940年には、この4分類に電鳴楽器electrophone（電気増幅楽器と電気発振楽器）を加えて5分類としている。

　この5分類法以外には、固体が振動する楽器と空気が振動する楽器とに大別するアンドレ・シェフネルの2分類法（1932、36）や、ヨーロッパの習慣的な3分類法（管楽器、弦楽器、打楽器）、それに電気楽器を加えた4分類法などが知られている。また中国には、発音体の素材による「八音(はちおん)」という漢代の分類法があり、そこでは「金(きん)」（金属打楽器）、「糸(し)」（弦楽器）、「竹(ちく)」（管楽器）、「石(せき)」（石の打楽器）、「匏(ほう)」（ふくべ）、「土(ど)」（土器）、「革(かく)」（太鼓類）、「木(ぼく)」（木製楽器）に分類される。日本では伝統楽器が「鳴物(なりもの)」とよばれ、「打物(うちもの)」「弾物(ひきもの)」「吹物(ふきもの)」に分類することが行われていた。

［前川陽郁］

『クルト・ザックス著、柿木吾郎訳『楽器の歴史』全2冊（1966・全音楽譜出版社）』▽『黒沢隆朝著『楽器の歴史』（1956・音楽之友社）』▽『安藤由典著『楽器の音響学』（1961・音楽之友社）』▽『皆川達夫監修『大図説　世界の楽器』（1981・小学館）』

楽器の分類（ホルンボステル、クルト・ザ…

出典　小学館　日本大百科全書(ニッポニカ)日本大百科全書(ニッポニカ)について　情報 | 凡例

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